lafonoteca.net: Últimos grupos de música española

Sombras de Frac

Tue, 22 May 2012 17:24:07 +0200

Sombras de Frac fueron una efímera formación coruñesa en la que nos encontramos a Miguel Ladrón de Guevara (voz), Richi P. Moure (guitarra y voz), Fernando Parra Croque (guitarra y voz), Luís Cortés álvarez (bajo), Vidal Martínez (batería) y Santi Villar (armónica).

Su sonido se acerca al pop de la época, unos años 80 marcados por la new wave y los new romantics. La banda llega a grabar un único LP de la mano de Citola, sello en el que encontramos otras bandas coruñesas como Metro, y también viguesas como Bar. El lanzamiento del largo se produce en el 82, el año en el que el Mundial de fútbol llegó a nuestro país. En el estadio de Riazor se disputaron los partidos correspondientes al Grupo A, en el que estaban encuadrados Camerún, Polonia y Perú.

Pero musicalmente el hecho más importante acontecido en Coruña durante el año mundialista fue el Concurso Rock Ciudad de La Coruña. Un evento que contó con la participación de Alaska y los Pegamoides y Loquillo. Metro llevaron para Carballo el premio del concurso, la grabación de un disco, "Metro" (Citola, 1982). Bar también editan ese mismo año su único trabajo, "Bar" (Citola, 1982), y Sombras de Frac hacen lo propio con "Nuevos Románticos" (Citola, 1982). Un trabajo que recoge nueve cortes, tres de ellos versiones: una de Chuck Berry, una de Slade y otra de los Street Boys. Se lanzan dos singles -como anécdota decir que se indican en la galleta del vinilo-, "Gentes" -versión del "Some folks" de los Street Boys- y "El tren de la felicidad" -versión de Chuck Berry-. De las fotos se encargó Carlos Picallo y dan las gracias a la conocida tienda coruñesa Musical 47 por la ayuda prestada.

Poco después de la edición del LP la banda se disuelve. Sus componentes continúan ligados al mundo de la música, destacando la trayectoria posterior de Miguel Ladrón de Guevara con A Caricia da Serpe, grupo en el que participa el poeta y actor Lino Braxe, quien habla de "literatura sonora", y que cuenta con la presencia de Xosé Luis Saqués y Rómulo Sanjurjo (Os Diplomáticos de Monte-Alto, Transportes Hernández y Sanjurjo).

Tabaca

Sun, 20 May 2012 19:06:59 +0200

A la disolución de Los Payos, cada uno de sus tres componentes toma rumbos absolutamente dispares. Eduardo Rodríguez Rodway pasará unos días en el Hospital Penitenciario de Carabanchel y se quedará en Madrid por un tiempo. Es un músico bien conocido y no le cuesta demasiado convencer a la naciente CBS España de un nuevo proyecto, apadrinado por Johnny Galvao, que poco antes había dejado Los Buenos. El proyecto consistía en formar un grupo de armonías vocales y guitarras efectistas sin abandonar una vena comercial. Evidentemente Crosby, Stills, Nash & Young bullían en la cabeza y oídos de este músico, harto de rumba y pachanga.

Los otros dos integrantes de Tabaca conjugaban juventud vital y experiencia musical. Eran Carlos Attias -El Niño-, que en esos momentos tocaba el bajo en la banda de Miguel Ríos y antes había estado en Motivos. El tercer pincho del tridente era un pontevedrés afincado en la capital, Emilio Souto, que ejercía de cantante y guitarra en el grupo Los Solitarios.

Para la grabación del primer single, harán un corto viaje a Londres, donde el productor Galvao se quedará para hacer las mezclas. Los dos temas aparecerán firmados por los tres músicos. A la vuelta, el arreglista y productor presenta el trabajo terminado en las oficinas de CBS. A cuenta de las mezclas surge una agria discusión entre los componentes del grupo, especialmente entre Eduardo y Carlos, que pasan de las palabras a los hechos y se enzarzan en una pelea en pleno despacho de la discográfica. El asunto se zanja con la expulsión de Carlos del grupo. El sencillo: "Mujer" (CBS, 1973) navega entre los arreglos ampulosos, una melodía de pop azucarado y juegos vocales copiados de los citados CSN&Y. Un disco flojillo del que pocos se dieron por enterados.

Para sustituir a Carlos, se llamó a Jesús de la Rosa, un sevillano que años antes había estado en Nuevos Tiempos. Como el primer sencillo no había convencido a nadie, enseguida se grabó el segundo. "Sería Maravilloso" (CBS, 1973) supone una mejora respecto al anterior y las teclas de Jesús contribuyen no poco a lavarle la cara al sonido del grupo. El tema principal es una composición de Pepe Robles, de Módulos. Una buena canción no exenta de toques comerciales, pero con un innegable trabajo instrumental que flirtea con el rock progresivo sin perder en las voces un perfume a ingenuo pop. La cara B: "Soy así" es una acertada muestra de rock acústico. De esa época es la foto que ilustra este comentario, en la que se ve, de izquierda a derecha, a Jesús de la Rosa, Eduardo Rodríguez y Emilio Souto.

A pesar de la bondad de esta segunda entrega de Tabaca, la cosa sigue sin funcionar y CBS decide darles la carta de libertad. Se cierra un capítulo que apenas ha durado diez meses. El sueño de un trío vocal autosuficiente formado por instrumentistas competentes y buenas voces se desvanece ante el desinterés del público y las presiones de un sello que les insta a fabricar hits veraniegos. Hoy, si alguién lo recuerda, es por haber sido el embrión de Triana. Un embrión, hay que aclarar, en cuanto a sus componentes, pero no en su estilo.

Jesús y Eduardo regresarán a su Sevilla, donde pronto fundarán Triana, otro trío de características bien distintas. Emilio Souto entró en Desde Santurce a Bilbao Blues Band y más tarde en Clavel y Jazmín. Carlos Attias se dedicó a la producción. Sacó a la luz a Rosario, Medina Azahara y otros grandes. A finales de los 70 se enroló brevemente en el desquiciado grupo Greta.

Las Transgénicas

Thu, 17 May 2012 20:06:58 +0200

Detrás de Las Transgénicas nos encontramos a Violeta Cúneo y Natalia Rico, dos mujeres que se definen como "translípidas de corazón, delgadas, encerradas en un cuerpo de gran dimensión, que han llegado a la tierra dispuestas a arrasar en el panorama musical". Sinvergüenzas de escena y punkis de corazón, su lema no es otro que: "Estamos listas para ser ricas y famosas". Con formación en arte dramático, canto y artes escénicas e influencias de canto lírico contemporáneo (Nina Hagen) y del punk inglés de pura raza, Las Trangénicas fueron bautizadas por el escritor Antonio Gala, haciendo honor la estética personal de Violeta y Natalia.

Su primer disco: "Lady Alien" (Lemuria, 2011), es editado por el sello madrileño Lemuria, responsable también de la segunda entrega de Lemuripop, proyecto de Germán Coppini y Alex Brujas. Doce cortes con letras desenfadadas, originales y cargadas de humor inteligente, grabados entre Londres y Alemania, masterizados en los Estudios Tema (Carlos Saiz) y producidos por Antonio Villa-Toro (productor del último Tino Casal). El disco cuenta con los arreglos de Santos Neri y las colaboraciones de Fabio McNamara (que interviene en la grabación del tema "Drácula") y Nacho Canut, entre otros.

Se incluyen temas como "Lady Alien", "Asesinas de perros", "Drácula", una genial versión de "Hija de puta internacional" (Sarassas Music) o "Su Santidad", homenaje al mítico "Quiero ser Santa" escrita entre Eduardo Benavente, Alaska y el propio Nacho Canut. También se atreven con "El vals de la muerte", original de Leonard Cohen, quien se inspirara en el poema de Federico García Lorca "Pequeño vals vienés" para su composición.

Un trabajo que conjuga modernidad, elegancia y ritmos macarras, que sirve de carta de presentación de Las Transgénicas.

Rosa María Lobo

Wed, 16 May 2012 18:05:57 +0200

Esta no es una biografía, apenas es media, tal vez menos. Y es que Rosa María García Lobo ha grabado discos con diferentes nombres, aunque sería con su apellido materno, ya al final de su trayectoria, cuando conseguiría su mayor reconocimiento.

La voz de hierba y agua de Rosa María vendría al mundo en 1948 en la parroquia de Boo, en el concejo asturiano de Aller y desde muy joven comenzó a cantar. Para los chavales de la escuela, escuchar aquella voz que sonaba desde dentro de su casa formaba parte del recreo, según recuerda todavía hoy alguno.

Sus primeras actuaciones las hizo como Rosa María Patallo, tomando el segundo apellido de su padre, un minero de Aller. Con este nombre ganó el concurso "Rumbo a la gloria" de Radio Asturias. De ahí a Madrid para cantar en un concurso nacional de la Cadena SER, presentado por la estrella radiofónica José Luis Pecker.

A los dieciocho años ganó la edición 66 del programa de nuevos talentos, "Salto a la Fama" y editaría un disco bajo el nombre de Rosa Mar. Aquel microsurco no tendría continuidad y en 1968 volvería para especializarse en temas de origen sudamericano, especialmente los procedentes del autor argentino Atahualpa Yupanqui, de quien se convertiría en auténtico altavoz. También prestó su voz a los versos de Neruda o de su paisano gijonés, Mauro Muñiz. En ese momento su nombre artístico era Maya. Esta larga etapa folk, en la que dejó varios LP para RCA e Hispavox, se extendió durante buena parte de la década de los 70, pero con periodos de ausencia y sin llegar a escapar en ningún momento de los circuitos de la especialidad.

En 1979 va a iniciar la parte más breve e intensa de su carrera, ya bajo el nombre de Rosa María Lobo. Los directivos de Zafiro van a ver en ella grandes posibilidades de ser la continuadora de cantantes como Mari Trini o María Ostiz. El tándem Pablo Herrero - José Luis Armenteros van a componer para ella y se materializara en "Rosa María Lobo" (Zafiro, 1979). Este es un long play intimista, con canciones de gran sensibilidad y una voz de magnífica madurez. Temas como "Alma de gaviota" o "Dejó volar sus manos sobre mí" se escuchan con asiduidad y esta renacida cantante innata, deshoja los temas melódicos como una maestra, sin perder en varios de ellos ese inconfundible aroma asturiano.

La consecuencia principal de aquel primer disco con su verdadero nuevo nombre fue su selección para representar a TVE en el festival de la OTI con la canción "¡Viviré!" (Zafiro, 1979), que sería gracias a aquella participación su tema más conocido y vendido. Entonces va a editarse un falso segundo LP de tirada breve con el mismo título festivalero. Y digo falso, porque en realidad se trata de una reedición de su citado primer LP al que se le añadió el tema de la OTI.

Al año siguiente, la cantante asturiana grabará y editará un nuevo trabajo, también denominado con su propio nombre: "Rosa Maria Lobo" (Zafiro, 1981). Una obra bien producida y modernizada en la instrumentación respecto a sus anteriores producciones. Canciones de arreglos ligeros y querencia comercial que no llegarían a destacar y supondría el final de su relación con Zafiro.

A mediados de los 80 formaría dúo con el cantautor argentino Walter Suárez, con el que realizaría sus últimas grabaciones y ediciones discográficas.

Rosa María Lobo ha seguido poniendo su voz cristalina en actuaciones, convirtiéndose en un referente de la cultura asturiana y conduciendo un programa en una cadena televisiva de su región. Se retiraría definitivamente de las tablas en 2003. Visto con frialdad, Rosa María Lobo ha sido una de las grandes voces femeninas de la música española, un tanto perjudicada por su dependencia de diferentes autores y su paso por distintas discográficas en las que cada vez cambiaba nombre y estilo. Con todo, una pureza vocal como pocas, de la que merece la pena seguir disfrutando.

Dirty Socks

Fri, 11 May 2012 10:31:54 +0200

Dirty Socks nacieron para correr, o al menos esa es la sensación que produce su intensa trayectoria alcanzada en un periodo de tiempo tan corto. La banda se forma en Santiago de Compostela a finales del 2007, quedando completamente consolidada en el 2010 con Anxo Rodríguez (guitarra y voz), Denis Suárez (batería y coros), Francisco Varela (bajo) y Alberto Barreiros (guitarra y coros). Juntos comienzan a explorar pasajes sonoros.

En primera instancia se sienten atraídos por el post punk -por bandas como Bauhaus, Buzzcocks, Joy Division o New Order- pero enseguida amplían el abanico de géneros, abriendo varios frentes: la psicodelia de los 60, el minimalismo de Philip Glass, Terry Riley o Steve Reich; y la electrónica experimental y rudimentaria, sobre todo su nacimiento: Steve Reich -otra vez-, Delia Derbyshire, etc; las guitarras de Sonic Youth, Jonny Greenwood... Bebiendo de todas estas fuentes la banda compostelana se centra en tejer su propio sonido, en hacer estructuras pop y construir un sonido del siglo XXI, dejando un amplio margen para la interpretación propia del oyente.

Huyendo de etiquetas, Dirty Socks siguen un camino firme hacia la tierra prometida de las grandes canciones. Los galardones y el reconocimiento se suceden: se alzan vencedores del certamen Musicaxove (2009) y del Levi's Unfamous Music Awards (2010); reciben más de medio millón de visitas en su MySpace y comienzan rápidamente a tocar en primera división, participando en festivales como el Purple Weekend (León), el Rock in the Way (Santiago) y el Festival do Norte (Villagarcía), compartiendo escenario con bandas como Placebo, These New Puritans, Editors, Tricky, The Raveonettes, The Animals y Adam Green.

Tras un primer EP, "Dirty Socks" (Dirty Socks, 2010), editado en formato físico ante la gran acogida en internet de canciones como "Go ape", "WWD" o "Magic Sparkles", los compostelanos presentan "Abandoned Warehouse" (Vir, 2012).Cuatro nuevos cortes grabados con Arturo Vaquero en los estudios Abrigueiro con los que su sonido alcanza un nuevo nivel. Continúan nutriéndose del post punk de finales de los 70 y del minimalismo, pero dan un claro giro hacia la psicodelia de los años 60 y la experimentación que se traduce en un sonido fresco y enérgico cargado de matices.

A estas alturas no tiene sentido hablar de grupo revelación, sino de una banda que ha nacido para correr, para entregarnos grandes canciones de espíritu catártico y renovador.

Juana Chicharro

Thu, 10 May 2012 19:58:52 +0200

La de Juana Chicharro bien podría ser la historia de un grupo de chavales de una barriada de extrarradio en un gran núcleo urbano redimidos por su pasión por la música. Una de tantas cuadrillas que consigue salir del círculo que trazan droga y pobreza montando una banda con la que hacer la música que les gusta. Y sin embargo, no es éste el caso de la denominada Torbellino Marbellí. Ni Juana, la cantante, se llama así, sino Joana Burgos (Asiatics, X-Prays, Obediencia) ni por sus venas corre sangre gitana alguna.

Su pasión por el flamenco y la copla, eso sí, no es del todo fingida, pero desde luego no es el resultado de saraos de cante y baile en veladas nocturnas al calor de una fogata en descampados o en festejos de clanes y familias. Parece ser que la abuela y la madre de Joana sí que gustaban de dichos estilos.

La idea de montar un grupo a modo de broma alrededor de maneras y hechuras flamencas para versionar temas de rock se le ocurre a la propia Joana, que se lo ofrece a Miguel Ayuso, que tocaba en C"Mon Tutankhamon. Así lo reconoce el propio Ayuso cuando le preguntamos por los orígenes de la banda: "El grupo en realidad lo fundó Joana. Fue su idea. A mi simplemente me hizo gracia y me apunté al asunto". Tampoco él acometía la empresa como seguidor incondicional de palos de raíz. Preguntado por su posible gusto acerca del flamenco, nos responde: "No es que lo esté escuchando todo el día, pero cosas como Veneno, Las Grecas o Pata Negra me chiflan".

Comenzó la singladura de Juana Chicharro en una fiesta de cumpleaños, él pretendía tocar un órgano y ella la voz. Adaptaciones en clave flamenco, con Joana en modo quejío profundo, de temas de palos muy diferentes. Pero tienen que cambiar su plan inicial cuando, por cuestiones del azar, Miguel advierte que se ha olvidado el cargador del teclado el día de su primera actuación, y les toca improvisar un show con guitarra y voz.

La propuesta se perfila algo más cuando, tras escucharles en uno de sus conciertos, Roberto Martín se les ofrece como bajista. él tocaba en La Asociación de Amigos del Rifle, un grupo en el que tocaba Raúl Lechón, Nicolás (Capitán Entresijos) y Joe Antoneli, y del que luego surgiría Fabuloso Combo Espectro.

Cuando preguntamos a Roberto por la esencia del grupo, él no duda en señalar: "La fijación romántica de Joana y Miguel por toda la cultura gitana y lo que la rodea. Por una parte la copla y sus intérpretes, sobre todo las mujeres. Y por otro, el barrio, la droga, la estética y la ética de esa raza".

El caso es que Joana no ha recibido clase alguna de cante que justifique la solvencia en las tablas para mostrar autenticidad y convicción en el proyecto. Recurren sus compañeros para explicarlo a la genética o al hecho, de discutible conexión, de que su padre conociera "a una de las de Azúcar Moreno".

A pesar de la innegable componente de diversión desde su fundación, el objetivo de la banda está clara: "Hacer un homenaje a la música a la música folk desde la óptica del rock and roll (...) Lo hacemos desde el más profundo respeto hacia el flamenco y la copla, de los que somos meros admiradores". Así lo contaba en su blog, Aceituna Rellena, Ayuso.

La formación se completa con un batería, que normalmente seleccionan del grupo de amigos que esté disponible y con ganas de participar en la empresa. Como señala Miguel, el problema es que: "Nadie puede estar comprometiéndose con un grupo que toca tres veces al año". Por ello no es de extrañar que hayan pasado hasta ocho personas diferentes para el puesto.

El primero fue Antón, amigo de Ayuso que tocaba en Hola a Todo el Mundo, Mirafiori y posteriormente en Muerte y Destrucción. También estuvo Guille (Pig Crust, Mundo Grúa), hasta que volvió a su Argentina natal; siguieron José, batería de C"Mon Tutankhamon, que finalmente cambiaría las baquetas por los pinceles, y que no llegó a tocar en directo, aunque sí participó en la grabación del tema "Rápido y gitano", que terminaría siendo editado en "Vaya Mierda" (Hillside Strangler, 2006).

El disco, que vio la luz en el sello de Mugretone (Webelos, X-Prays, Asiatics, Grupo Sub-1) era un 7" que recogía aportaciones de hasta nueve grupos, como Navajazo, Papelina, Los Mierdas, Pili y Sus Lechones... Del disco salieron un centenar de copias, cuyas portadas se hicieron, aparentemente, con cartonaje sacado de la basura. Sea cierto o no, el caso es que el diseño gráfico no escatimó en incluir a una Hello Kitty con una esvástica tatuada, o a personajes de Waltz Disney como el ciervo Bamby o la ardilla Tambor, defecando a discreción.

También cursaron como baterías de Juana Chicharro, Sara (Fabuloso Combo Espectro, Las Jennys de Arroyoculebro); Juanjo, que también tocaron en Alamedadosoulna, el Capitán Entresijos, y finalmente Mariano J. López (Asano Historical Society). Es con este último precisamente con el que han alcanzado cierta estabilidad.

Tras varios años de recorrido, surge la cuestión de grabar material de Juana Chicharro. Sostienen que es mucho el cariño que profesan a la Torbellino Marbellí y sienten que hay que dejar algo "para tenerlo en el recuerdo más que nada", nos dice Miguel. Andan con la idea desde hace tiempo, pero por una cosa u otra siempre se retrasaba el proyecto. Pensaron inicialmente en un sencillo pero, como nos cuenta Roberto: "Luego dijimos ¡qué demonios! Un 10"", que es un formato mucho más molón, y caben más canciones".

La grabación de "Juana Chicharro" (Producciones Esporádicas, 2011) se realizó en los estudios D GR Sónica de Madrid en junio de 2010. El encargado de las cuestiones técnicas fue Ramón Krater (Ginferno).

Roberto nos cuenta cómo fue la cosa: "La grabación fue muy punk... Todo en directo y a por la primera toma. Incluida la voz. Hubo recordings pero los menos". Fue un proceso rápido además: "Grabar por la mañana y mezclar por la tarde". Se dirigieron a Krater, por ser su "colegui", y porque ya conocía cómo sonaban. El dinero que le ofreció el grupo le pareció suficiente y aceptó el envite de grabar el primer disco de Juana Chicharro. "No hubo ni maquetas ni nada especial. Casi ni ensayos. ¡La Juana en estado puro!".

El disco, un 10" editado por el sello del Capitán Entresijos, Producciones Esporádicas, es toda sorpresa para el oyente desprevenido. Presentado impecablemente con las fotos que les hizo Manuel Colonje en el madrileño Puente de Vallecas, quizás uno de los únicos hábitats posibles para la cuadrilla, y el diseño de la carpeta simulando referencia de catálogo canónico de flamenco. En lo musical, a la espectacular entrada de la voz en solitario de Joana con Manuel de Falla, sigue una apañada colección de versiones de grupos como The Gories, ZZ Top, en clave de garaje sucio, psychobilly y punk-rock. Letras adaptadas a la realidad que les "toca vivir" en las calles, coexistiendo con las drogas. A ellas se unen otras lecturas de temas del cancionero nacional, buscados entre los cajones de la copla-rumba de todos los tiempos o del modo en que las contaba Veneno.

También encontraron hueco por un par de temas propios, de los que aún dejaron alguno en la despensa, junto a más versiones, para ocasiones futuras.

La banda presentó el disco en directo en la sala Rock Palace de Madrid junto con Papelina y Asano Historical Society el 17 de diciembre de 2011.

A pesar del carácter circunstancial que la propuesta de Juana Chicharro conlleva, lo cierto es que la banda atesora un número más que respetable de actuaciones. Además en muchos y variopintos escenarios, ya que "no hay escenario pequeño para esta gran dama de la canción española": convenciones de boy-scouts, en San Clemente (Cuenca), "animando a las hordas heavies metaleras de la comarca, al son de Medina Azahara", con el Capitán Entresijos, en el Wurlitzer de Madrid tocando antes de una stripper y su show erótico, con Call Me Idiot, "en una ingesta masiva de alcohol un día entre semana", etc.

También tocaron el 14 de enero de 2012 ante una audiencia infantil compartiendo tablas con Cobras Púrpuras, que no eran otros que Vigilante Gitano, metamorfoseados para la ocasión. Tuvieron que adaptar algo las letras claro, especialmente lo explícito de algunas cuestiones relacionadas con la droga para no provocar el pánico entre las jóvenes generaciones (y sus padres) que acudieron a la primera edición del Menudo Fest organizado por Poison y Mugretone, parte de Webelos y Grupo Sub1, y celebrado de nuevo en el Rock Palace de Madrid. Joana, vestida de faralaes, tuvo que aclarar a más de un pequeñín que no iba disfrazada de Minnie Mouse.

Siendo un proyecto en paralelo, y visto lo que se ha retrasado la edición del disco nos asalta la duda sobre la continuidad de la banda. Roberto nos responde que por el momento la Juana está un poco en estado de hibernación: "Todos tenemos poco tiempo y mil proyectos". Aún así, prometen sacarla lo antes posible de su aburrimiento en el local de ensayo y grabar nuevos temas.

Los Hippyloyas

Tue, 08 May 2012 11:48:47 +0200

Hemos conocido actores que hacían incursiones en el mundo de la canción, algunos con notable éxito. Hemos tenido algún actor que se ha puesto al frente de un grupo pop. Ha habido quien ha cantado por exigencias de guión. Nos han sorprendido actores y actrices metidos en la piel de cantantes famosos. Pero lo de Los Hippyloyas se lleva la palma. Lo suyo es gilipop. término que si no éxiste, hace falta inventarlo siquiera para calificar este grupo o lo que sea.

Ya el nombre del conjunto tiene perendengues. Es un cruce de movimiento social, grupo musical, Los Javaloyas, y españolísimo insulto. Pero si nos fijamos en la foto de la carátula reconocemos cuatro caras que nos suenan: Tony Leblanc, Manolo Gómez Bur, Alfredo Landa y Conchita Velasco. ésta última la única del cuarteto que había desarrollado una carrerita discográfica como chica ye yé, breve, intensa y bastante fructífera.

El grupo se reúne a las órdenes de Javier Aguirre para rodar la película: "Una Vez al Año ser Hippy no Hace Daño" (1969). En ella dan vida a un conjunto musical que, con la representación del siempre sufrido Jose Sazatornil, aspira a comerse el mundo, pero que gustosamente rebajarían el listón de sus pretensiones a comer a diario. La historia comienza con un trío que recorre garitos de playa cantando temas sudamericanos bastante pasados de moda. Flor de Lis y Los 2 del Orinoco son Conchita Velasco (Lisarda), Alfredo Landa (Ricardo) y Manolo Gómez Bur (Silvestre). En la Costa del Sol se topan con un go go boy, que sablea a las suecas y a todo vecino que se deje. Se trata de Tony Leblanc (Johnny). Les convence para que se reconviertan en un grupo pop, transmuten su nombre por el de Los Hippyloyas y digan estar recién llegados de Liverpool. El cachondeo y la caspa están servidas en una comedia patética donde las haya que intenta parodiar a los conjuntos musicales de la época y, de paso, poner en solfa, las costumbres sociales del cerril desarrollismo hispano basado en el turismo de mucho sol y pocas pelas.

El único EP engendrado por el singular cuadrángulo musical es naturalmente "BSO de la Película Una Vez al Año ser Hippy no Hace Daño" (Belter, 1969). Un vinilo de tal catadura solo podía estar avalado por Belter, paradigma de la garrulería musical y de los más bajos instintos sonoros.

De las cuatro canciones, destaca sin duda "Love, love, love", que tras varias escuchas, uno llega a la conclusión de que, sin querer, hicieron una muestra de sicodelia barata como nunca se oyó por estos lares. Frank Zappa y sus Madres del Invento o los inefables The Fugs se hubieran relamido con esta pieza. Del resto, apuntar que la interracial "Los negros con las suecas" no es otra cosa que una versión bufa de "Los chicos con las chicas". The Brisks ponen sus instrumentos en algunos de los temas para que la cosa suene lo mejor posible, tarea ardua dada la entidad de los cantantes.

Tras este atentado, el cuarteto se disolvió para dedicarse a sus quehaceres cinematográficos y teatrales. Los aficionados a la música respiramos tranquilos y agradecimos este gesto de Los Hippyloyas, que de esta forma nos evitó nuevas vomitonas.

Lemuripop

Mon, 07 May 2012 20:51:18 +0200

Lemuripop son Germán Coppini (Siniestro Total, Golpes Bajos) y Alex Brujas (Stereoskop, DJ del New Order Club de Madrid). Una nueva aventura del incombustible Germán Coppini que nace a finales del 2006 con un objetivo claro: emprender un viaje a través del pop y la electrónica sin renunciar a una clara influencia de los años 80.

El proyecto retoma desarrollos del último trabajo en solitario de Coppini: "Las Canciones del Limbo" (La Ecléctica Madrileña, 2006), un disco distribuido por Nuevos Medios con canciones electrónicas recopiladas desde 1999, que incluye una versión del "Centro de gravedad" de Franco Battiato, y que escaló al número diecinueve de la lista de mejores álbumes nacionales según la revista Efe Eme. A las historias contadas por Coppini hay que añadirle el entramado electrónico armado por Brujas, que acerca a Lemuripop a formaciones como The Human League, OMD, The Postal Service o New Order.

Su primer trabajo llega en el 2008, "Primo Tempo" (Warner, 2008) es una grata sorpresa, un disco en el que la lírica de Coppini brilla con los sintetizadores de Brujas. En la grabación colaboran Sonia Erice (Coros) y Antonio Pastora (batería). Un encuentro acertado entre desarrollos tecno pop -"Tuaregs", "Israel"-, cortes cercanos al pop rock -"La llama de la felicidad", "Las buenas palabras"- y un brillante pasado -como último corte del disco se incluye una atractiva remezcla del clásico "Fiesta de los maniquíes" (Golpes Bajos) que fue el germen de donde surgió todo este proyecto-.

Su método de trabajo es sencillo: "No tenemos un método infalible. De momento hemos empezado un poco a probar, es el primer tiempo, el primo tempo. Cuando yo conocí a álex en octubre o noviembre de 2006, me puso cosas que él había estado haciendo, un poco para ver la posibilidad de poner letra a alguna de ellas. Ya a partir de ahí creamos un sistema de trabajo, y es el que nos ha funcionado para este disco pero no descartamos métodos diferentes. De momento, él trabaja unas bases musicales bastante armadas y luego a partir de ahí se trabaja en una melodía, vemos cómo enfocarla, y yo directamente me pongo a escribir el texto" comentaba Coppini en reciente entrevista en Hipersónica.

En el 2012 llega su segundo larga duración: "Todas las Pérdidas Crean Nudos" (Lemuria, 2012). Catorce nuevas canciones en las que mantienen el pulso con la electrónica y el pop, y en las que Coppini sigue dando muestras de su brillante lírica. Realmente Germán siempre ha seguido su propio camino, nunca ha dejado de experimentar ni de componer canciones, y siempre ha continuado dando vueltas de tuerca y abriendo nuevos caminos en una perpetua carrera de fondo... y ello, no cabe duda, es muy de agradecer.

Fast Food

Sun, 06 May 2012 22:54:10 +0200

Dice Javi Fast Food entre bromas que su banda, Fast Food, sólo le ha traído disgustos. No puede ser verdad, claro. Es verdad que ha sido mucho el tiempo, dinero y esfuerzo invertido en el proyecto, y a pesar de la lucha por mantener una estabilidad, tantos los cambios de formación alrededor suyo, que bien se puede decir que Fast Food es su grupo. La manera en la que reacciona indignado cuando considera injustas o demasiado fácilmente vertidas las críticas recibidas; la satisfacción que reconoce obtener cuando da con la estrofa adecuada; el escape que dice conseguir para toda su "mala leche" y frustraciones con la música que compone... todo ello hablan bien a las claras de que Fast Food representa algo más que una de las bandas en las que haya podido tocar.

Para los comienzos musicales recurrió a los que tenía más cerca: su compañero de pupitre del instituto, Castro, quien se encargaría de las guitarras, y otros tres amigos del barrio (el del Pilar de Madrid). Con ellos forman en 1991 Pinheads. Javi, por su parte, se hizo con un bajo imitación a un Fender Precission con el que se proponía imitar a sus ídolos Sid Vicious y Dee Dee Ramone. El repertorio de la banda consistía principalmente en versiones de punk: Ramones, Sex Pistols, M.C.D., Eskorbuto, Andanada 7 , D.O.A. ... El bagaje de esa primera experiencia se resume rápido: "Mucha cerveza, muchas risas y poco más. Fue un grupo de aprendizaje y duró el tiempo que el resto del grupo tardó en cansarse de ir a los ensayos".

No fue éste el caso de Castro y Javi, que siguen interesándose por descubrir más música y más grupos. Frente al resto de la banda que se conforma con la oferta nacional tipo Parabellum o 37 Hostias, la pareja de amigos empieza a rastrear por "toda la historia del rock and roll". No es de extrañar pues que sintieran ganas de montar una banda nueva. Javi le ofrece a Castro en verano de 1993 unirse a él en otro proyecto diferente. "No tenía nada mejor que hacer, así que se apuntó sin pensarlo". Juntos inician una etapa de búsqueda de actuaciones por bares, principalmente por el barrio madrileño de Malasaña. No tenían ni batería ni repertorio propio definido, y ante la necesidad de dar un nombre a los dueños de los locales, eligen Fast Food. "Les decíamos a todos que tocábamos en plan Devil Dogs". Pero realmente no llegarían a tocar casi nunca, ya que siempre les pedían alguna maqueta para comprobar qué tipo de música hacían.

Su gestación como banda se producirá en el caldo de cultivo que prepararan bandas como La Perrera, The Pleasure Fuckers, Snap!, Wipe Out Skaters, Shock Treatment... Además, jóvenes como eran, tienen claro qué les movía: "Cuando eres un chaval, vivir el rock and roll es lo mejor que te puede pasar. Todavía no tienes que preocuparte de pagar facturas ni tienes que dar muchas explicaciones. Todo nuestro mundo giraba en torno a la música. El resto, sencillamente, no importaba".

En uno de aquellos bares en los que intentaban tocar, La Granja Margarita, situado en el barrio de Huertas, conocen a Rubén, bajista de Piolines al que le había atraído sobremanera la camiseta de Screeching Weasel que Javi se había confeccionado de forma artesanal. Tras entablar conversación con el dúo, termina ofreciéndose como batería para el conjunto. Es ésta formación de trío la primera con la que empezaría su andadura Fast Food. Además de resolverle la cuestión a las baquetas, la entrada de Rubén supuso para el grupo encontrar también un lugar donde ensayar, ya que les abrió las puertas en el centro social ocupado El Gato Salvaje situado en Vallecas. La razón es que él había colaborado en el pasado en su montaje. Los recuerdos de Javi del que fuera su primer local era que el squat funcionaba bastante bien. No se molestaba a los vecinos e incluso salió en la televisión en un documental de los de entonces: "Sale hablando Rubén y luego Fast Food tocando un tema, 'Now and then', que nunca llegamos a grabar".

La lista de referencias que definen el sonido que quiere la banda abarca a Ramones, Angry Samoans, Zero Boys, Buzzcocks, Screeching Weasel, Misfits, Hard-Ons, Black Flag. Las labores de composición serían pronto patrimonio de Javi, para el que la cuestión tiene su importancia. En un principio las canciones vienen definidas por unos parámetros bien concretos: "Todas en inglés, de estructuras bastante simples, de corta duración, con melodías evidentes y con letras que intentaban ser graciosas sin conseguirlo", nos cuenta. Con la misma sinceridad nos confiesa que los tres andaban demasiado verdes.

El debut en directo se produce el 30 de septiembre de 1994 en la ya mencionada Granja Margarita. Compartían cartel con Frogger, Piolines, DDR, Tocadiscos Humanos y Positi Caústico. De un concierto cuya entrada costaba cien pesetas, el entonces bajista de Fast Food recuerda hasta los títulos de las canciones que tocaron. Hubo hasta una versión de Zero Boys ("Tryin" harder"). "El resto eran canciones en su mayoría mediocres o directamente malas. Todavía no había aprendido a hacer canciones decentes". De toda la lista, en la que había temas como "Pizza de calimocho", "My girlfriend is a hooligan" o "Helen"s in love with the fishmonger", sólo aprovecharían tiempo después una: "Rubber love". "El concierto en sí fue una mierda, aunque no tengo un recuerdo muy nítido de aquella noche, pero estuvo cachondo ver mi mano sangrando abundantemente tras arrancar tres de las cuatro cuerdas de mi bajo", recuerda nuestro interlocutor.

Al año escaso de la formación del grupo, tuvieron la oportunidad de incorporar a Gonzalo, en palabras de Javi, un batería más solvente que Rubén, que en realidad en su grupo original era bajista. Aunque se trató de una decisión dolorosa, el ofrecimiento del nuevo batería, amigo además, resultaba demasiado tentador.

Las primeras grabaciones de Fast Food que vieron la luz fueron para contribuciones en recopilatorios como el CD "El Ataque de la Gente NOT" (NOT, 1995), en el que participaron con una demo "Kissin" friends", o el disco de banda sonora "B.S.O. Killer Barbies" (Subterfuge, 1996), en la que incluían la canción "El ascensor". El primero de ellos pertenecía a su primera maqueta "16 Forever" (1994). Sería con un compartido con Aerobitch, "No Beer Left" (Punch, 1995), como llegaría el estreno en forma de trabajo más extenso. El disco lo editaría Punch Records, el sello de Laura y Mario Bitch, cantante y guitarra respectivamente de Aerobitch. Con ellos precisamente llegaría a tocar Javi durante un tiempo. Se incorporó a la banda a principios de 1996 tras recibir la oferta de Laura, que veía complicado compatibilizar micrófono como voz principal y el bajo. "Siendo amigo suyo y gustándome el grupo mucho, no podía negarme. Mi seudónimo en el grupo era Bitch Boy". En lo que a cuestiones técnicas se refiere, Javi reconoce que su participación en Aerobitch le vino muy bien porque le permitió practicar un hardcore punk y punk-rock agresivo que con Fast Food sólo exploraba de forma puntual. La conexión entre ambas bandas se intensificará aún más cuando Gonzalo pasó a encargarse de la batería en los dos grupos (también participaría en Frogger), ante la salida de Enano Ramone de Aerobitch.

Nuevamente con Punch Records, repetirían sólo un año después para editar otro disco compartido entre dos bandas, en esta ocasión junto a Sugus: "Ataque Punk-Rock" (Punch, 1997). A los dos pildorazos que incluirían en el sencillo, seguirían una participación en un recopilatorio de la misma compañía "Loose Drive" (Punch / No Tomorrow, 1997), donde aparecería su "Ella vino del espacio exterior", y sobre todo el primer larga duración de Fast Food, "Soy Un Ramone" (Punch, 1997). El disco es la gran puesta de largo del grupo. Generosa lista de temas de vigoroso punk-rock, algunos de sus primerísimos momentos como grupo, con ganas de mostrar su amor por guitarras aceleradas, cuestiones entre chico y chica e insolentes ganas de pasarlo bien. Su admiración patente por los Ramones terminaría no obstante por pasarle cierta factura, pues supuso un agarradero fácil con el que evaluar la música del grupo. Javi siempre se ha revuelto contra lo que califica como una asimilación demasiado rápida y simplista para con el sonido de Fast Food. Admitidos por supuesto como una referencia válida ("¿Cómo no van a serlo? ¡Si han sido los más grandes!") no duda en defender con uñas y dientes una mayor amplitud de miras para la propuesta de la banda: "Nuestra admiración no es del tipo queremos ser iguales que ellos, una réplica. La influencia de Ramones en Fast Food es la misma que te puedas encontrar en Nuevo Catecismo Católico o en Suzy y Los Quattro, por ponerte un par de ejemplos bastante distintos".

En entrevista años después contaba del disco: "Por un lado, me siento orgulloso, pero por otro, han pasado muchos años, y son unas grabaciones que me cuesta mucho escuchar; estábamos un poco verdes". Hablaba además de "ejecución demasiado atropellada", y sonido "bastante plano". Concedía como evidentes las influencias de Ramones, Screeching Weasel, Mistfits, Queers y Angry Samoans. "Es el disco menos Fast Food de todos los que tenemos... y la gente se cree que eso somos nosotros". A pesar de todo el disco de debut de Fast Food supuso la posibilidad para el grupo de darse a conocer fuera de la capital. No sólo en España además, sino que llegó a venderse también en EEUU, Alemania, Italia y Japón donde, según contaba Javi, se convirtió en un clásico del género.

Al igual que todo el material de esta primera etapa de la banda, las canciones de "Soy un Ramone" se grabaron en los estudios Reactor de Lavapiés. Propiedad de Servando Carballar (El Aviador Dro y Sus Obreros Especializados) era, a juicio de Javi, "un estudio pequeño, con un equipo pasable, pero con un técnico -Moncho Campa- que se las apañaba para sacarles el mejor partido". Fue allí donde se grabó gran parte del punk que se hizo en la capital en la época.

Tanto Gonzalo como Javi participarían en un LP, un sencillo y un 10" de Aerobitch. Sin embargo los dos decidieron a la vez dejar de tocar con ellos. Lo hicieron poco antes de iniciar una gira que tenían apalabrada con Shock Treatment. Javi nos cuenta que sus razones para tomar semejante decisión tenían que ver principalmente con el tiempo, y dinero en ocasiones, que le estaban suponiendo las frecuentes salidas fuera de Madrid. "Yo no me lo podía permitir porque estaba dejando de hacer eso mismo con Fast Food para hacerlo con Aerobitch, y Fast Food era mi primer grupo, mi prioridad".

La salida de ambos tuvo consecuencias en lo que a su relación con el resto de Aerobitch, y por tanto de Punch Records, se refiere. Laura y Mario, que tomaron casi como deserción la marcha de los dos músicos, rechazaron su ofrecimiento para hacer la gira y prefirieron cubrir las vacantes lo antes posible. El deterioro en las relaciones, que tardarían un tiempo en restablecerse, se traducirían en el cambio inmediato de discográfica con la que editaría Fast Food sus trabajos posteriores.

Con las primeras grabaciones y las que llevaron al LP "Soy Un Ramone" se inauguraba la alternancia entre español e inglés para las letras. Inicialmente todo era en inglés, "hasta que me dí cuenta de que las letras eran una basura". Pero parece que tampoco así las cosas terminaban de funcionar: "Comprendí que no consistía únicamente en cambiar de idioma para que las letras mejoraran (...) Así que comencé a tomarme más en serio el asunto". Desde entonces, y aunque supusiera un esfuerzo extra, Javi, trabaja esa faceta compositiva de manera cuidadosa: "Cuesta mucho más encontrar palabras que encajen en cuestión de acentos (algo que me empeño en cuidar al máximo) y que suenen bien incluso cuando lees la letra sin escuchar la música, pero el resultado es mucho más gratificante".

ésta es la línea por cierto seguida para Martin Max, el seudónimo que adoptaría Javi para un proyecto en paralelo iniciado unos meses después de la publicación de "Soy Un Ramone". En 1998, Fast Food sufriría un cambio importante en su estructura. Entraron Héctor (Los Rombos) para hacerse cargo de una segunda guitarra y Miguel, que sería el nuevo bajista. Javi pasaba a ser el guitarra principal y voz solista. En este formato de cuarteto llegarían a funcionar en diferentes actuaciones en directo, aunque no terminasen grabando nada. Temas para ello desde luego tenían y además, como anunciaban tras su primer LP, Fast Food planeaba una importante apertura de su paleta estilística para dar cabida a influencias de "los 60, power-pop y de grupos de chicas, aparte de otros más estrictamente punk-rock". Pero, en vista de que el ritmo del trabajo en la banda se estaba ralentizando, principalmente por lo reciente de los cambios de formación y de la salida del LP anterior, casi todo el nuevo material pasó a engrosar el debut de Martin Max. Nos contaba Javi que, de otra manera, hubiese tardado muchísimo más tiempo en ver la luz. Para el nuevo proyecto contó con la colaboración desde Fast Food de Gonzalo a la batería y de Héctor más tarde, llegándose a tener hasta tres formaciones diferentes.

A finales de 1998 se decide parar con Fast Food. Algo cansados del "encasillamiento ramoniano" que mencionaban en entrevistas, Martin Max supone una válvula de escape ideal con la que poner tierra de por medio. Se dedican con ahínco al disco del nuevo grupo. La carrera de esta nueva aventura, sin embargo, apenas duraría un par de años y correría paralela a la de Recargables, el combo que montaría Javi con la misma gente con la que había parado Fast Food, y que llegaría a durar hasta verano de 1999. De estilo también más amplio que el grupo seminal, y con una participación mayor del resto del grupo a la hora de componer, el cansancio existente entre ellos impidió que se llegara a grabar nada: "Entramos a los estudios Reactor a grabar nuestro primer LP para Poliester Records en el verano de 1999 y a los dos días nos salimos porque las cosas no estaban funcionando bien. Estábamos hasta los cojones los unos de los otros. Eso puso fin al grupo". La enfermedad que le diagnosticaron a su padre y el cansancio le quitaron las ganas de seguir tocando. No salían las canciones y dejó de escribir.

El parón duraría hasta 2001, momento en el que empezó a hacer canciones pensando de nuevo en Fast Food. Un año antes habían participado en el recopilatorio de Rumble Records "Never Trust A Punk Vol. 2" (Rumble, 2000) con la canción "Black flag". El retorno a las actividades fue resultado del toque de corneta que realizase Javi para aunar fuerzas alrededor suyo y reflotar Fast Food en el verano de 2002. Para la ocasión no reclutaría a los tres compañeros con los que había parado la banda unos años antes, sino que, con idea de agilizar las cosas, empieza en forma de estricto dúo con Luis Begutus a la batería. Luis ya había tocado puntualmente la guitarra con el grupo en alguna sesión de grabación pasada alrededor de1996, y tocaba con Sugus, banda de la que era miembro fundador. Javi por su parte, se encargaría de bajo, guitarra y voz en este reinicio del grupo.

Se gesta así el nuevo LP de Fast Food, "And The World Keeps Turning" (CB, 2003), prueba palpable de que el grupo vuelve a dar señales de vida. Definido por Javi como "disco gris y bastante más agresivo que el primero, reflejo anímico con el que los temas habían sido escritos", es un trabajo de punk rock áspero y mucho más combativo de las maneras que se le suponían al grupo. Además, las letras empiezan a ganar consistencia. De las correspondientes a este disco Javi manifestó en su momento: "Hay letras en las que trato temas muy personales y otras en las que simplemente robo ideas de otros y me las llevo a nuestro terreno". Grabado en octubre de 2003 en los estudios Reactor y masterizado un par de meses después, la nueva entrega acreditaba además la participación de Castro, que volvía de nuevo para hacerse cargo de la guitarra, y en algunos momentos el bajo. De la sesión en los estudios recordaban cierto caos, ya que las instalaciones andaban paradas en aquella época, y su técnico, Moncho, accedió a registrarles los temas como un favor personal. El CD salió autoeditado bajo las siglas de CB (Comida Basura), ya que no veían claro que hubiera sello interesado que se quisiera "mojar" por ellos.

El grupo ha vuelto con ganas, y aparte del endurecimiento en el sonido entran en actuaciones para presentar el disco. Pasada la resaca de estos conciertos ven más temas suyos en nuevas ediciones. Así contribuyen con "Menos de una semana" para el recopilatorio "La Era Pop Vol. 2" (A.G.A. Records, 2004), un encargo que les llegaría de un fanzine. Se refuerzan además con nuevos elementos llegados de Sugus, entrando Koke -Head Power- para hacerse cargo del bajo. Así, Javi pasará en exclusividad a la guitarra.

Con esta formación de cuarteto deciden acelerar plazos en lo que a nuevas apariciones se refiere. Madurar todo para un nuevo LP les va a llevar demasiado tiempo y Javi tiene ganas de seguir tocando. Además tiene claro que los veinte temas que tiene preparados los quiere utilizar en el disco largo, tal y como había planeado. Se decide pues editar entre tanto un mini-CD: "Había que sacar algo que nos permitiera tener una excusa para seguir dando bolos, sino la gente se olvida de ti muy pronto". Compone en un par de semanas dos canciones con letras totalmente en inglés: "Sweet and sour" y "How low will you go?", adapta un par de temas de Jackie De Shannon y se recupera alguna versión que hicieran en directo. La oferta se completó con sobrantes de grabaciones para discos anteriores. Esos fueron los mimbres con los que se tejió "Funny Beats & Little Bites" (Animal, 2005).

No niegan desde el grupo por tanto el carácter de transición del nuevo trabajo, lo que no resultó en menoscabo alguno de su calidad. Las canciones abrían una interesante ventana al pop energético con utilización de numerosos arreglos: cellos, teclados, campanas, voces femeninas... El disco se grabó en Mejorada, cerca de Madrid, en los Heatroom, con Karim Burkhalter como responsable técnico. Javi nos cuenta que había seguido la pista del trabajo del ingeniero en discos previos como el de debut de Fortune Tellers: "Me molaba mucho el sonido que sacaban a los grupos que pasaban por allí". Terminaron contentos con el trabajo que hicieron con su "Funny Beats & Little Bites".

Si en el disco anterior las letras se habían caracterizado por su repentina amargura y crudeza, este nuevo trabajo vuelve a relajar este apartado. Y es que por lo general no es Fast Food una banda de la que haya que esperar críticas de corte político o social. Javi nos confirma que no es este el objetivo de la banda: "En el punk-rock no busco nada en concreto, es un simple vehículo que te ayuda a plasmar sensaciones concretas del momento en que las canciones son compuestas (...) Nuestra manera de entender la música tiene bastante que ver con intentar evadirte un poco el día a día de mierda". Al larga duración seguiría una contribución a un recopilatorio del mismo sello Animal Records, el "Animal Party" (Animal, 2005), en el que participaron con dos canciones extraídas del disco anterior, aunque una de ellas, "When you walk in the room", incluía una toma alternativa de voz.

El período de transición que estaba proyectado que cubriera el mini-CD incluyó incluso un cambio de formación. Luis Begutus y Koke Head Power terminaron saliendo del grupo; llegó un momento en el que no encontraban tiempo para compaginar su presencia en Sugus y Fast Food. Castro, en una más de sus entradas y salidas, también se va. El recambio llega de la mano de The Ant (Sparky Darth Vaders) al bajo, Edu (The Fastlane) a la batería y Ricardo Tyrd a la guitarra. The Ant, seguidor del grupo, nos cuenta que el primer contacto con el núcleo duro de la banda le llegó con la llamada telefónica que Javi le hizo a mediados de 2005 con la que le ofrecía entrar en Fast Food. Volvió emocionado a casa aquel día: "¡Imagínate, alguien de quien eres fan, te llama para que formes parte de la banda!". De todas formas los ensayos empezarían meses más tarde, y su primer concierto fue a mediados de 2006 en Albacete. La alternativa en Madrid sería a finales de año.

No fue una etapa de inactividad del grupo ya que tocaron bastante por todo el país para asentar el sonido con los nuevos integrantes. Poco antes de empezar a preparar el nuevo disco, sin embargo, Javi decide prescindir de Tyrd, al entender que en las ocasiones en las que salen de Madrid a actuar, su actitud le distancia claramente del resto de la banda. El guitarra había iniciado una nueva etapa como miembro de Middlefingers en lo que tocaba con Fast Food, y tras su salida terminaría integrando una de las últimas formaciones de TDeK.

Es como trío pues que se graba el CD "Electric Romance" (Rumble / Música Para Top / CB, 2008) y un sencillo, "Surfin" Dora" (Rumble ,2008). Las canciones para ambos discos se grabaron en mayo y agosto de 2007 en los Rockaway Studios de Castellón, bajo la asistencia técnica de Coky Ordoñez (Shock Treatment, Depressing Claim, Suzy y Los Quattro, Reactivos). Javi, que se declara amigo del músico e ingeniero de sonido desde mediados de los 90 no ahorra piropos acerca de las posibilidades técnicas del estudio: "Está acondicionado por el inglés Philip Newell, toda una eminencia en acústica. Además el equipo del que disponen es impresionante. Para que te hagas a la idea, si esos estudios estuvieran en Madrid en vez de Castellón, ni nosotros ni los sellos para los que grabamos nos podríamos permitir trabajar en ellos". Interesados por los detalles técnicos de los que habla el cantante y guitarrista, le preguntamos por el método de grabación. "Nada fuera de lo habitual", nos responde. "Grabamos, por orden, baterías (con guitarra y voz de guía), luego bajo, después guitarras rítmicas y a continuación voces principales. Una vez tenemos esto, el resto, arreglos de guitarras, teclados, coros... No salemos hacer una maqueta con los temas antes de ir al estudio, aunque alguna vez lo hayamos hecho. Pero siempre tengo anotados en mi cuaderno de grabación todos esos pequeños detalles que, de no ser así, posiblemente se olvidarían luego. Aunque se graba en digital, en Protools, tanto la mesa como una buena cantidad de los procesadores son analógicos. Eso hace que el sonido tenga cierta calidez especial".

Disco con temas llenos de armonías vocales, con nostalgias adolescentes de punk-rockers callejeros y letras, capítulo en el que Javi guarda especial cuidado, con bastante gancho. "Electric Romance" saldría coeditado además de por el propio grupo, por Rumble Records y Música Para Top. La conexión con Pablo López, responsable de Rumble, se remonta al primer disco de Aerobitch. La grabación se realizó con dinero del grupo, y posteriormente, ante el interés de las dos compañías, terminaría saliendo como una jugada a tres bandas. El sencillo "Surfin" Dora" que acompañaba al CD, incluía precisamente el tema que había sido cofinanciado por las tres partes.

Preguntando a Javi acerca del formato de sencillo, descubrimos a un firme partidario: "Los 7" tienen algo especial, no sé exactamente el qué, pero lo tienen. Son pura magia concentrada. Si no fueran tan caros de fabricar y tan poco rentables, nos pasaríamos la vida publicando cosas en ese formato".

Otro de los temas de "Electric Romance", "Latino kids in leather jackets", entraría también en otro recopilatorio "Open 24 Hours" (Diner Junkie, 2009).

No habría de pasar demasiado tiempo para que el grupo volviera a encarar la grabación de nuevo material, con una idea clara en la mente: principalmente "para tener una nueva excusa para salir a tocar". De sesiones en Rockaway Studios preparan un mini-CD con tres canciones y dos versiones: "Summer hit", una adaptación al español de un tema de los italianos Phonoramas, y una visión personal, mucho más electrificada que el original de "Starry eyes", tema de Roky Erickson, el que fuera líder de los 13th Floor Elevators. Con todo ello preparan el CD "Cohete a tu Corazón" (CB / Ayuken, 2009), un trabajo que aparecería con la etiqueta compartida del grupo y de Ayuken Records. Javi nos explicaba que a pesar de que financieramente el disco corrió a cargo de la banda, la operación se explicaba por el vínculo que les une con su manager, responsable de Ayuken y además, familia de Javi. No era la única versión que registraron en su viaje a Castellón, ya que también adaptarían el "Make up your mind" de Parasites para enviárselo al propio Dave Parasite, encargado de gestionar la edición de un disco homenaje para la banda.

Rumble Records era la primera opción que consideraron para "Cohete a tu Corazón", pero la urgencia que tenía el grupo en sacar nuevos temas hizo que se desestimase al comprobar que dado lo ocupado que estaba el sello con cosas pendientes hubieran tenido que esperar varios meses. Sin embargo, lo que si salió a la calle en el sello madrileño fue el compartido "Lights Out" (Rumble, 2009) con Sonic Surf City. Fast Food disponía en ese momento, de unas canciones (la revisión actual de su tema antiguo "Embrujada" y el inédito "Polaroid") que aunque inicialmente se habían grabado pensando en un disco a medias con The Guts, terminaron empleándose en esta otra entrega.

Gran parte del material editado en estos trabajos de 2009 muestran a una banda que se desenvuelve a las mil maravillas en armonías vocales, arreglos y detalles varios que les delatan como perfectos conocedores y amantes de estilos fuera del estricto campo del punk-rock que han practicado desde sus comienzos.

De la proyección del grupo fuera de nuestras fronteras habla el acuerdo firmado con la compañía japonesa SP Records, sello actual de la misma junto con Rumble Records. La fe en Fast Food les llevó a editar "Party Of Three" (SP, 2010), un CD exclusivo para el mercado de aquel país que recoge nuevas tomas de viejas composiciones sacadas de los dos primeros discos del grupo. La acogida del trabajo de los madrileños en el mercado oriental es buena, con ventas y críticas más que aceptables. Si a todo ello le añadimos el trasvase, en pequeñas cantidades, que el sello está haciendo en Italia y EEUU, el balance para un disco principalmente en castellano es más que favorable.

Los proyectos a corto plazo además no pueden ser mejores: edición en unos meses de un sencillo compartido con los australianos Batfoot destinado al mercado japonés y la reedición en formato CD del primer LP, "Soy Un Ramone", con un buen puñado de temas extra de regalo. Javi no habla pues sino maravillas de un sello que "se está convirtiendo en referencia en Japón, al igual que lo fue 1+2 en su día". No extraña oirle decir lo encantado que están de ser compañeros de viaje de la discográfica en este esfuerzo de expansión que están acometiendo.

En el 2010 se produce un cambio en la batería. Edu lo deja por diferencias musicales. Sus raíces venían del hardcore, y como nos cuenta Javi, terminó algo cansado de la fijación de este último por imponer la máxima simplificación posible a las baterías. En su sustitución entra Eu The Rocker, que también toca en 27 Horas y Piko. Antes de irse sin embargo, Edu grabaría con el grupo los dos temas que aportarían al compartido con los italianos Manges: "Waikiki beach" y la versión de "Sueño de verano", una canción de Depressing Claim que popularizase Shock Treatment. "Are Piigs" (Rumble, 2012), una auténtica belleza desde su presentación, sería el resultado de la actividad más reciente de la banda.

Fast Food continúa con ganas. Javi nos habla de la edición de un nuevo LP, y entre bromas, tiempo atrás manifestaba un inquebrantable deseo de seguir tocando: "Tenemos que echarnos a la carretera de una vez. Me muero de ganas de palmar pelas y cargar todo el equipo después de cada concierto que has dado para veinte personas...". Preguntado en su momento por el balance de todo lo recorrido por la banda hasta el momento, Javi hablaba de "un buen puñado de momentos", de poder decir con la cabeza bien alta que han "grabado varios discos de los que aún no nos avergonzamos". Este recorrido terminaba de todas formas con una creencia en firme: "Estoy absolutamente convencido de que lo mejor está por llegar". Estas ganas de seguir batallando nos aseguran que seguiremos oyendo de Fast Food en muy poco tiempo.

Def Con Dos

Sat, 05 May 2012 17:38:42 +0200

Nos acercamos a una de las bandas más irreverentes, polémicas y controvertidas del panorama nacional en los últimos veinte años. Provenientes del cuadrante noroeste de la península (concretamente en Vigo) con el indiscutible liderazgo de César Strawberry (César Montaña de nombre real), nos han regalado letras afiladas, destructivas, reivindicativas de la nada, venenosas y puñeteras como las mordeduras de una cobra.

Manolo Tejeringo (guitarra), Peón Kurtz (voz), Kiki Tornado (batería), J. Al ándalus (bajo), Juanito Sangre (voz), Cesar Strawberry (voz) componen la formación inicial del grupo, llamado primeramente Freddy Krueger y los Masters del Universo, el grupo coincide en 1989 con el también vigués Julián Hernández de Siniestro Total les ayuda a grabar su primera maqueta llamada "Primer asalto" (1989) en la que incluyen dos temas propios y una versión de Public Enemy, todo editado en cassette y cuando digo todo quiero decir tan sólo 200 copias.

No obstante la semilla estaba sembrada y empezó a germinar, ese mismo año de la mano de Hernández publican su primer LP "Segundo Asalto" (DRO, 1989) pese a que el público no respondió todo lo bien que se hubiera deseado las críticas fueron buenas, la prensa destacó el buen hacer de una banda de raperos no raperos pero tampoco metaleros, que aúnan en sus discos referencias a Marvel, Sam Peckinpah o David Lynch y que se atreven a criticar las actitudes del islam haciendo referencia directa al escritor Salman Rushdie. Entre canción y canción la banda publicitó diferentes locales comerciales (principalmente bares y tiendas) que ayudaron a la financiación del disco, haciendo ellos mismos los jingles.

Esas buenas críticas llamaron la atención de DRO, que les ficha para seguir sacando discos, asimismo la banda consigue que reediten su álbum anterior (lo había editado un sello del propio Julián Hernández que pertenece a la compañía); en 1991 aparece "Tercer Asalto" (DRO, 1991); en la que además de temas nuevos pudieron reeditar las canciones de su primera maqueta "Primer Asalto" (1989); gracias al apoyo de la compañía consiguen actuar en Italia en un festival actúan de teloneros en el único concierto de RUN D.M.C. en España, haciéndose gracias a sus discos y estos sonados directos un hueco entre el mundillo del hip hop nacional.

En 1992 el director de cine Alex de la Iglesia contacta con ellos para que se encarguen de la banda sonora de su película "Acción Mutante" (1993), de esta colaboración nació una buena relación que más adelante dio frutos, pero además conocieron al dueño de los estudios BOX, Eugenio Muñoz, que les ofreció grabar con él su siguiente disco "Armas pal Pueblo" (DRO, 1994), no obstante antes de eso se darían algunos cambios: sale del grupo Kiki Tornado que estaba a cargo de las baquetas, recoge el testigo Little Boy, también entran dos guitarristas en la formación; Juanjo Melero y Juanjo Pizarro, que le darían un sonido mucho más metalero al grupo. Antes de eso, en 1993 Strawberry participó como actor en la película de terror-humor "La Matanza Caníbal de los Garrulos Lisérgicos" (Antonio Blanco / Ricardo Llovo, 1993).

A finales de 1994 se embarcan en una gira por toda España llamada "Gira de apoyo a la vasectomía", y se suceden más cambios: en esta ocasión J. Melero abandona la banda y le sustituye Kamarada Nikolai.

Ya en 1995 ve la luz "Alzheimer" (DRO, 1995) en el que se atreven a cantar un par de temas en euskera y gallego (recordemos que es un disco de tirada nacional), y donde cristalizan algunos de los temas más recordados y exitosos de su carrera como "Pánico a una muerte ridícula", "Poco pan", "El coche no" o la polémica "De Cacería" en la que cuentan la historia de dos ex combatientes del Vietnam que desahogan sus frustraciones vaciando el cargador de sus AK-47 sobre la inocente clientela de un McDonald"s. También este año abandona el grupo Juanjo Pizarro, es sustituido por Manolo "El Guanche", y más tarde por el argentino Julián "Gautxito".

En plena gira vuelve a contactar con ellos Alex de la Iglesia, y les dice que tiene una peli estupenda entre manos, y que ellos tienen que tocar el tema principal. La peli no es otra sino la exitosa "El Día de la Bestia" (1995); la promoción del grupo gracias a su intervención en la BSO los catapulta a la fama, y la compañía decide recompensarles tras volver de gira por Europa. Graban "Ultranemia" (DRO, 1996) en el que siguen usando temas de actualidad para escandalizar al personal, especialmente en "Quemé el Liceo", haciendo referencia al desastroso incendio del teatro barcelonés. La recompensa de la compañía es el permiso y el apoyo para crear su propio sello, que se llamará Bruto.

Durante todo 1997 el grupo se vuelca en el proyecto de descubrir y ayudar a nuevos talentos, producen a NARCO y los invita a ir de gira con ellos; en plena gira Kamarada Nikolai abandona la banda y se reincorpora a ella Juanjo Pizarro.

En 1998 tampoco publican nada, pero la actividad de la banda sigue siendo frenética: se van de gira por México, producen a los argentinos A.N.I.M.A.L y a los brasileños Raimundos. Tras volver de su periplo mexicano tienen la oportunidad de ir a tocar a varios festivales en EEUU, comparten escenario con NOFX, Rancid, Deftones o Bad Religion entre otros; no obstante el nuevo disco no termina de llegar, empieza a aparecer el cansancio tras 9 años sin parar. Por fin se meten en el estudio y aparece "De Poca Madre" (DRO, 1998) en el que sorprenden por la pérdida de parte de la acidez de antaño, incluyendo incluso un tema de apoyo a las mujeres maltratadas. Su correspondiente gira los lleva de vuelta a EEUU, también vuelven a tocar por Europa, tienen buena acogida en Francia, Bélgica y Holanda.

En 1999 ocurrió lo que muchos se temían después de la actividad tan frenética de los últimos años: la banda anuncia una separación temporal, durante ese tiempo César Strawberry sigue inmerso en otros proyectos; aparece como colaborador en el late night show "Maldita la Hora" de Máximo Pradera (programa que fue eliminado de la parrilla ante los resultados de audiencia, y es que competir con "Crónicas Marcianas" era muy complicado); además formó una banda paralela llamada Strawberry Hardcore. También tuvo tiempo de dedicarse al cine tanto en la faceta de director como la de productor, incluso se atrevió a actuar en "Gente Pez" (Jorge Iglesias, 2001), la banda deja como despedida el recopilatorio "Dogmatofobia" (DRO, 1999).

En 2001 se usa su tema "Tuno bueno el tuno muerto" en la película "Tuno Negro" (Pedro L. Barbero / Vicente J. Martín, 2001). Hubo que esperar cinco años para volver a ver material de la banda, en 2004 aparece "Recargando" (DRO, 2004).

La actividad del grupo es cada vez más pausada, aparece la primera novela de Strawberry -"Besando la Lona" (Ediciones Irreverentes, 2005)- y la banda vuelve a la carga con su primer disco en directo: "6 Dementes Contra el Mundo" (DRO, 2006), en el que registran toda la fuerza de sus temas más míticos y los más novedosos, con una profesionalidad envidiable.

Vuelven a colaborar con el mundo del cine, aportando en la BSO de la película "No Digas Nada" (Felipe Jiménez, 2007). Dos años después aparece "Hipotécate tú" (DRO, 2009) en donde muestran una conciencia social mayor. Además de eso participan en la BSO de la película "A Todo Gas 4" (Justin Lin, 2009).

Su último trabajo ha sido "La Culpa de Todo la Tiene Def Con Dos" (DRO, 2011) que han producido para conmemorar sus veinte años de carrera, el pack es muy completo y consta de una caja con un disco recopilatorio, un disco tributo, un DVD y un libro con la biografía del grupo.

Ciertamente el grupo ha madurado, ha tomado una conciencia social con los años que antes no tenía (cosa que los hacía mucho más divertidos, más extremos que incluso los punkarras); por otro lado ahora son más profesionales y su carrera tras veinte años está más pausada pero dando pasos más sobre firme.

Maria del Carme Girau

Thu, 03 May 2012 18:19:40 +0200

Els Setze Jutges fue un colectivo musical pionero que impulsó el movimiento de la nova cançó. De este colectivo salieron grandes nombres de la canción que pasaron a la historia de la música de este país como Joan Manuel Serrat, Lluís Llach o Guillermina Motta. Pero también cantautores que tuvieron una efímera, pero interesante, trayectoria. Entre estos últimos nos encontramos a Maria del Carme Girau, nacida en 1940 en la localidad valenciana de Simat de la Valldigna. Su breve incursión musical se produjo cuando ésta residía en Barcelona, ciudad a la que se trasladó para estudiar Farmacia.

Maria del Carme conoce a Lluís Serrahima, escritor del artículo "Ens Calen Cançons d'Ara" que se considera como el manifiesto fundacional de la nova cançó, gracias a una amiga en común admiradora del colectivo. Un sábado por la tarde Maria del Carme les dice, tímidamente, que si puede interpretar alguna canción acompañada de su guitarra. Canta el tema popular "Cançó de bressol" y asombra tanto por su voz como por su dominio de la guitarra. Posteriormente les enseña algunas composiciones propias inacabadas. Los demás le animan a continuar por ese camino pero que para ingresar en el colectivo necesita más repertorio. A la semana siguiente se presenta con tres temas nuevos y se convierte de pleno derecho en miembro de Els Setze Jutges.

Su incorporación se produce en enero de 1964 convirtiéndose así en la novena juez y entrando el mismo año que el barcelonés Martí Llauradó. Maria del Carme fue la única valenciana en Els Setze Jutges, ya que otros cantantes valencianos como Raimon u Ovidi Montllor, a pesar de estar muy unidos a todo este movimiento, nunca fueron integrantes de facto.

A los pocos meses de su incorporación en Els Setze Jutges graba su primer EP "Canta les Seves Cançons" (Edigsa, 1964). Cinco temas compuestos por ella misma y que cuentan con los arreglos de Manuel Cubedo. Lluís Serahima escribió en la contraportada del vinilo: "... Debo decir que creo plenamente en las canciones y en las posibilidades de Maria del Carme. Su voz suave, quizás aparentemente ingenua, tiene una íntima fuerza expresiva y la letra y la música de sus canciones forman una unidad que no se encuentra fácilmente en los que hacen canciones. Escuchad con atención y encontrará como la alegría y la tristeza se mezclan y nos dan la alegría de haber encontrado esta nueva presencia en nuestra canción."

Al año siguiente graba su segunda referencia, el EP "Canta les Seves Cançons II" (Edigsa, 1965). Su evolución es más que evidente, las letras de este disco están mucho más trabajadas y musicalmente se acerca al jazz. Un tema de este EP, "L'arbre sec", es incluido para representarla en el único álbum de Els Setze Jutges, "Audiència Pública" (Concèntric, 1966).

Si hacemos caso a los rotativos de la época, la popularidad de Maria del Carme era bastante grande. A raíz de un recital que dio en Banyoles La Vanguardia escribió "(...) Empezó el programa con la presentación del conjunto Els Xerracs, quienes interpretaron dos canciones modernas de acusada actualidad que agradaron al numeroso público. Seguidamente actuaron los componentes del grupo Els Setze Jutges, Marti Llauradó, Maria del Carme Girau, Francesc Pi de la Serra y Joan Ramon Bonet, que consiguieron un clamoroso éxito en conjunto y principalmente Maria del Carme Girau, que cautivó con su armoniosa voz, y Francesc Pi de la Serra, por el contenido de sus canciones...". Más comedido se mostró el mismo diario meses después cuando actuó en el Palacio de la Música junto a Raimon, Núria Feliu, Jeanette Ramsay, Jacinta, Els 4 Z, Latin Quartet y los jueces Joan Ramon Bonet y Joan Manuel Serrat. "...Maria del Carme Girau cuenta con muchos partidarios, bastante de los cuales debían de encontrarse en el Palacio de la Música el sábado, por lo mucho que sonaban los aplausos. Las canciones de la señorita Girau tienen encanto pero dada su configuración ejercen mayor impacto en la intimidad, ante auditorios reducidos..."

Su tercer y último disco es "País Valencià. Cançons Tradicionals" (Edigsa, 1966). En donde Maria del Carme homenajea a su tierra y al cancionero popular. Joan Fuster escribiría de ella a colación de este álbum "... Y la voz de Maria del Carme Girau es una voz joven, fresca, absolutamente espontánea. No tiene nada de estudiada ni de académica, y responde a la clara libertad de una mujer de pueblo que canta como quiere unas canciones que son suyas por herencia y por instinto."

Destacar de este disco que Maria del Carme es una de las primeras cantautoras que se fijan en el cancionero popular. Bien es cierto que otros lo habían hecho de un modo tangencial. Por ejemplo Josep Maria Espinàs cantaba "A la vora de la nit" que se basaba en el tema popular "El mariner", pero no era lo más común. Un año después Joan Manuel Serrat le seguiría con el LP "Cançons Tradicionals" (Edigsa, 1968). Pero no será hasta las primeras grabaciones de Maria del Mar Bonet, en el sello Concéntric, que el cancionero popular no será referencia en un cantautor.

La conexión entre Maria del Mar y Maria del Carme no acaba aquí. Y es que el sello Edigsa rechazó a la Bonet gracias a la mala experiencia que tuvo con Maria del Carme en cuanto a que las tareas de promoción no había sido del todo satisfactorias para la editora. Y Edigsa no quiso volver a trabajar con otra cantautora no profesional.

Al mismo tiempo que Els Setze Jutges se separan, Maria del Carme tiene que trasladarse a Vigo. Por lo que su carrera musical queda interrumpida para siempre. En 1998 verá reeditado todo su material en el recopilatorio "Les Cançons Dels 3 EP's" (PM, 1998), siendo, junto a Joan Ramon Bonet, los dos únicos jueces que verán reeditado todo su trabajo en CD.

El 13 de abril de 2007, recibe del Parlament de Catalunya la medalla de honor, en la categoría de oro, junto a los demás miembros de Els Setze Jutges.

Los Gemelos

Tue, 01 May 2012 12:58:53 +0200

Allá por 1933 nacen en Madrid, los hermanos Julián y Santiago López Hernández. Buenos estudiantes y con el hobby común de la música. Siguen en la Universidad Complutense las carreras de Ingeniería y Arquitectura respectivamente. Poseedores de buenas voces y con una cualidad innata para tocar la guitarra y una larga serie de instrumentos de cuerda pulsada: bandurria, charango, requinto... encuentran su lugar natural en la tuna, concretamente en la Tuna Universitaria de Madrid. Con ella actuaran durante la segunda mitad de los 50 por toda España y visitarán varios países europeos. También grabarán sus primeros discos, siempre dentro de esta peculiar asociación musical estudiantil.

Con los diplomas de licenciatura recién estrenados, viajan a Estados Unidos para ampliar estudios y también para hacer actuaciones como dúo. En este país y Canadá tendrán ocasión de conocer a las primeras figuras del folk. Su repertorio entonces se basaba ya en temas hispanoamericanos y en menor medida en canciones populares españolas.

En 1960 regresan a España. Su maestría con las guitarras y la conjunción de sus voces no pasan desapercibidas y destacan poderosamente en actuaciones radiofónicas y cara al público.

Un modesto sello les va a servir la oportunidad de grabar ya como Los Gemelos. "Mustapha / Day-O Banana / Ansiedad / Mango Vendo" (Carillón, 1960) será su primer EP. Temas sin relación alguna entre ellos con el único nexo común de estar de moda y una interpretación a base de voces y guitarras españolas solamente.. Incluidos a la ligera en la pléyade de dúos que entonces proliferaban, poco tenían que ver Los Gemelos con el Dúo Dinámico y Kroner"s Dúo. Su pasión era la canción hispanoamericana y a ella va a estar dedicada íntegramente su segundo microsurco: "La Flor de la Canela / La Galopera / Tata Dios / El Gavilán" (Carillón, 1960). Pero su sello les insta a adoptar en sus discos un estilo más en consonancia con los gustos jóvenes del momento. Canciones procedentes de los primeros festivales, baladas italianas o suaves temas de Paul Anka, por ejemplo.

Durante 1961 editarán cuatro nuevos EP bajo el título genérico de "Festivales Españoles de la Canción", aunque ni mucho menos todas las canciones incluidas en ellos tenían procedencia festivalera. En la contraportada de todos ellos aparece la misma leyenda publicitaria: "Santi y Julián, Los Gemelos, artistas jóvenes y universitarios, se han colocado en muy poco tiempo a la cabeza de nuestros pequeños conjuntos de la canción. Un original modo de decir y un extraordinario sentido del ritmo, convierten sus interpretaciones en algo siempre nuevo y atractivo. Una reciente gira por Canadá y Estados Unidos ha madurado su estilo del que en cuatro volúmenes dedicados a los festivales españoles de la canción, nos dan magnífica muestra. Todos los arreglos vocales e instrumentales son de los intérpretes y ellos mismos son los que cantan también las versiones a cuatro voces". En los citados cuatro volúmenes mantienen la instrumentación basada en sus dos guitarras y en algunos casos suenan un tanto forzados y a contraestilo. Siempre que pueden, incluyen algún tema mexicano o sudamericano, que seguía en sus actuaciones su hábitat natural.

Aquel mismo 1961, una famosa actriz teatral llamada María Dolores Pradera da unos inciertos primeros pasos en el mundo de la música y tras un par de discos de nula repercusión, pone sus ojos en aquella "Flor de la canela" que primero Los 3 de Castilla y poco después Los Gemelos habían grabado. La canta con orquesta y supone su primer gran triunfo musical, pero quiere conocer a aquellos dos muchachos. El flechazo es instantáneo. Los Gemelos abandonarán su propia carrera para convertirse por décadas en las sombras de la Pradera. Al tiempo, ella se alejará de su prometedora carrera dramática para dedicarse casi por completo a la canción.

Desde 1964 sus guitarras y sus coros serán acompañamiento exclusivo de esta cantante que, como ella ha dicho tantas veces, debe buena parte de su éxito a Los Gemelos. De esa colaboración saldrían: "Amarraditos", "Fina estampa", "El rosario de mi madre" y tantas otras canciones que saltaron el Atlántico para formar parte de nuestra herencia colectiva. También acompañarán en aquellos años a otra gran dama de la canción española, Nati Mistral. Con trajes oscuros, camisas blancas, corbatas de seda o pajaritas de terciopelo; abrazados a sus eternas guitarras, Los Gemelos serán el contrapunto elegante y discreto de recitales, giras y apariciones televisivas de María Dolores Pradera. Durante los 60, uno más delgado y otro más grueso trenzando arabescos sobre las seis cuerdas, durante los 80 dos personajes salidos del pincel de El Greco con perilla y traje negro.

Acompañantes de lujo, grabarían con otros artistas, destacando el LP hecho mano a mano con Los H.H. y sobre todo el "Recital Hispanoamericano" (Hispavox, 1975) por Raphael y Los Gemelos. Este disco daría pie a una serie de memorables recitales en el Olympia de París, en los que el cantante va a prescindir de su habitual orquestón para presentarse únicamente acompañado por las guitarras españolas y las voces de Santi y Julián, capaces por sí solas de llenar teatros de varios pisos.

Pero Santiago y Julián López también tenían vidas al margen de la música. Ambos destacaron en sus profesiones y Santi sería durante muchos años profesor primero en la Escuela y después en la Facultad de Arquitectura. Precisamente esta vinculación vital a la universidad madrileña les lleva a fundar y dirigir la Orquesta de Pulso y Púa de la Universidad Complutense.

Al margen de su carrera como acompañantes, en la penumbra del segundo plano. grabarán dos LP como guitarristas. El primero de ellos, eminentemente folk será un poco conocido "A través de España" (Zafiro, 1970) en el que adaptarán distintos aires populares de nuestro país. Sin embargo, su mejor trabajo vendrá algo después, en 1976, con "Santiago y Julián" (Zafiro, 1976), una mágnífica muestra de música orquestal con las dos guitarras como protagonistas y arreglos de Pedro Iturralde.

En 1993 falleció Santiago. Su hermano siguió actuando en recitales, formando grupo con otros buenos músicos; pero ya nada fue lo mismo y se retiraría unos años después de los escenarios. Mención especial merece el esfuerzo recopilatorio de Rama Lama que rescataría del olvido los olvidados discos del dúo, publicando en 2004 el recopilatorio "Todas sus Grabaciones en Discos Carillón" (Rama Lama, 2004).

Fasenuova

Mon, 30 Apr 2012 20:50:34 +0200

"Maltrato ruidista extremo, ritmos repetitivos y envolventes, esqueletos de melodías rotas por repentinas descargas de gritos salvajes. Conciertos que dejan un rastro de sensaciones insanas y rezuman una extraña atmósfera de peligro". Así se presentan Fasenuova, grupo formado en Mieres (Asturias) en el 2006 en el que nos encontramos con Ernesto Avelino y Roberto Lobo. Un dúo experimentado que deja atrás proyectos como étika Makinal, mediados los años 80, o Hegemonía y Goodbye en los 90. Una formación al margen de modas y tendencias que bebe de Throbbing Gristle y Esplendor Geométrico y declara que realmente hace rock and roll. Lo suyo es el ruido eufórico, el sonido industrial facturado con sintetizadores y moduladores fusionado con el rock más primitivo.

"Nacemos en el ruido y crecemos con el ruido, pero nuestra misión no es el ruido; a nosotros nos gusta la música. A veces somos más noise y a veces más rock, pero lo que queremos sobre todo es ser libres. Nunca ocultamos nuestras influencias y por la experiencia que tenemos acumulada podemos sonar como muchos grupos; siempre lo hemos dicho, aunque estamos aquí para ser nosotros", afirmaba Ernesto en una entrevista de Carlos Barreiro en la Rockdelux (2011). Una búsqueda de la libertad que pretende ante todo cambiar la realidad a través de la música y el lenguaje.

Su relación con el grupo americano Angel Dust culmina con el disco compartido "Angel Dust / Fasenuova Split" (Ozonokids, 2007), editado por el sello catalán Ozonokids, impulsado por el prolífico Arnau Sala (Les Aus). La portada consiste en una funda de DJ, y una tinta serigrafiada en la portada hecha por Robert Francisco. Limitada a 250 copias en negro y 250 copias en blanco, numeradas a mano. Juntos se embarcan en una gira por España y Portugal que tiene su momento cumbre en el Primavera Sound (2007).

En 2011 llega "A la Quinta Hoguera" (Discos Humeantes, 2011), editado por Discos Humeantes -Fantasmage, Chiquita y Chatarra, Ansaldo Tropical...- exclusivamente en vinilo 12". Uno de los grandes discos del 2011, un electrizante acetato de ruido post-industrial más accesible y menos experimental que el primigenio split. La voz de Ernesto Avelino sigue sonando con fuerza y severidad, pero menos cruda y violenta, y los ritmos industriales mantienen su esencia pero pierden agresividad. Además, el sello asturiano reedita el descatalogado split con Angel Dust, "Ortigas Publicas w/Angel Dust" (Discos Humeantes, 2011), añadiendo los temas extra "B.B.A.A." y "Bailando contra el bafle".

Los de la Torre

Fri, 27 Apr 2012 13:25:22 +0200

Sin solución de continuidad siguen la actividad de Los 4 de la Torre, pudiendo afirmarse que ambos son el mismo grupo. Si aquí los separamos, es debido al leve cambio de nombre y al cambio de sello discográfico. Por tanto el grupo quedaría formado por los tres hermanos De la Torre, por orden de edad: Emilio, Carlos y Juan.

A Belter le gustan poco los cambios y los tres hermanos están un poco hartos de ser arquetipos de pachanga y basura sonora y desean dar a su carrera un cambio, siquiera ligero, de planteamientos que modernice su música. Su apuesta por el ska, un ritmo jamaicano, lejano, que introducen en España. Debutarán con el sencillo "Fans/ ABC ye yé" (Belter, 1966), al que seguirá: "Fans" (Belter, 1967), que contiene en su segunda pista: "Operación sol", su primer contacto con ese ska que luego prodigarían de manera poco ortodoxa.

Obligados por Belter, perpetrarán todavía algunos discos merecedores de figurar en puestos de honor en el trash nacional, pero que con la ayuda televisiva se escucharon mucho. "Marionetas en la Cuerda / Señor López" (Belter, 1967) y canciones como "Estoy de Rodríguez" se llevan la palma. Pero junto a bodrios y versiones de baja estofa, tienen el acierto de impulsar en España, el nuevo ritmo jamaicanodel que pronto se convertirán en maestros. Aunque ya habían iniciado el asunto el año anterior, sería con discos como "Bailando el Ska con los de la Torre" (Belter, 1967) y otros posteriores con los que cimentarían el nuevo ritmo. También grabarían un par de EP en catalán con traducciones de canciones que antes habían cantado en castellano.

A finales de 1967 fichan por Vergara, otro de los grandes sellos catalanes. Allí debutarán con el sencillo "Con los Ojos Abiertos / Rosita" (Vergara, 1967) un disco poco conocido dentro de su discografía al que pronto seguirá un éxito relativo "Los Dalton / Molino al Viento" (Vergara, 1967) en un año ciertamente frenético.

Su nueva marca les lleva a hacer versiones de éxitos extranjeros. Canciones como "Help yourself" de Tom Jones son interpretadas con pocos miramientos. Aún menos escrúpulos demuestran en sus siguientes discos en los que vuelven a los más bajos instintos verbeneros. "Vuelve la raspa", "Casatchock", "Yo te Diré / Pepa Bandera" (Vergara, 1969) marcan la cuesta abajo del grupo, que a partir del último de los singles citados incluirán dos nuevos miembros, un guitarrista y un cantante.

Alargarán a trancas y barrancas su carrera discográfica hasta su último sencillo: "Rosa María" (Ariola, 1972). Pero Los de la Torre seguirán en su doble faceta de hombres de negocios y músicos. Regentarán salas de fiestas en las que bajo la dirección musical de Juan de la Torre actuarán con diferentes formatos que van desde trío a big band. Grabarán en los años 70 algún disco para Belter con el nombre de Tinglado y en 1982 pondrán definitivo punto final a su quehacer musical. Solo Juan continuará al pie del cañón dirigiendo diferentes orquestas y espectáculos.

A Los de la Torre (y a los 4 de la Torre) se les ha vapuleado sin miramientos hasta reducirlos casi a conjuntos de chiste. Su imagen de oficinistas en tarde de farra o sus atuendos uniformados, sus canciones de folleto de agencia de viajes del desarrollismo han sido ridiculizados en diferentes libros y artículos. Bueno, puede que todos esos comentarios no vayan muy descaminados; sin embargo, hay que tener en cuenta que fueron los iniciadores de un estilo pachanguero al que grupos como Los Albas o Los Diablos sacaron importantes dividendos.

Fantasmage

Wed, 25 Apr 2012 01:10:57 +0200

Fantasmage es un dúo de garage punk formado en Vigo en el 2011 en el que nos encontramos a Daniel Nicolás (batería y voz), de los extintos Indómitos, y a Andrés Magán (guitarra y voz), un artista polifacético que se dedica al diseño gráfico -es el responsable de portadas como "Año Santo" (Mushroom Pillow, 2010) de Triángulo de Amor Bizarro y el segundo recopilatorio Galician Bizarre-, participa en fanzines como Honeybloom y Firecream, y formó parte de Anenome -banda que podemos encontrar en el recopilatorio "Galician Bizarre" (2010)-.

Estamos ante un combo adrenalínico que cuenta con guitarra, batería y voces como únicos ingredientes. Con ellos desarrollan un sonido personal que bebe influencias de The Fresh & Onlys, The Black Angels o The Oh Sees.

Poco después de su formación, la excusa fue ejercer de teloneros de Davila666 en Vigo, presentan la demo "Fantasmage" (2011) con los cortes: "Vuelta a empezar", "Huesos", "Metido entre sombras" y "Ella es un espectro". Un trabajo grabado y mezclado por Manu G. Sanz (Indómitos) en su casa en Tomiño (Pontevedra) "con la ayuda de un puré de legumbres sano y riquísimo". Con ella levantan una gran expectación dentro de la escena más underground (es elegida por la revista Mondosonoro Galicia-Castilla y León como mejor demo del año) y Discos Humeantes decide editarles un larga duración. De la mano del sello asturiano, casa de bandas como Chiquita y Chatarra o Ansaldo Tropical, llega "Fantasmage" (Discos Humeantes, 2012).

El contacto con Discos Humeantes se establece vía Raúl de Fabuloso Combo Espectro, que le pasa la maqueta a Pablo de Discos Humeantes y a las pocas horas les llega un mensaje con la propuesta de grabar el disco.

Doce cortes incisivos grabados de nuevo con la ayuda de Manu G. Sanz, "es muy amigo nuestro y confiamos en él al 100%. Además el sabe perfectamente que sonido queremos y tiene una sensibilidad para la música fuera de lo normal, así que no dudamos ni un segundo a la hora de grabar con él" comentaban en una reciente entrevista en la web Desconcierto.

Centrados en la presentación del disco, Fantasmage también participan en el segundo volumen del recopilatorio "Galician Bizarre" (Galician Bizarre, 2012).