lafonoteca.net: Últimos grupos de música española

César

Fri, 03 Feb 2012 21:15:47 +0100

Como homenaje a los caídos anónimos en una guerra se levanta un obelisco y se entierra debajo un soldado desconocido. Si hubiese que crear un monumento similar para reconocer a los grupos y cantantes sin nombre que lucharon y perecieron en la relativamente incruenta guerra del pop, éste sería un firme candidato a este honor.

Ignacio Sánchez Pesquera nació en Madrid y en los primeros 60 lo encontramos en su universidad haciendo Filología Inglesa. Los idiomas eran lo suyo y también se defendía bien en francés e italiano. Cantante en varios conjuntos de poca monta, su perfeccionismo excesivo le hacía durar poco en cualquier agrupación.

Va a conocer en 1963 al productor alamán Michel Schnelker, que le propone hacer traducciones y arreglos en español para algunos de sus representados, entre los que destaca Peppino di Capri o The Boys. Este último grupo era un remedo de The Beatles que anduvo por España una temporada, interpretando temas de los de Liverpool.

Nacho, persona de gran cultura musical, comienza a colaborar con la revista Fonorama, haciendo estudios musicológicos sobre canciones famosas, al tiempo que comienza a componer y sigue haciendo traducciones para covers extranjeros. Adaptaciones y traducciones con las que, por cierto, no cobró una peseta.

José Luis Alvárez, director de Fonorama, instó a Hans para que produjese un disco a Ignacio. El productor trajo unas pistas instrumentales grabadas por The Boys y nuestro cantante puso su voz. Inventaron un nombre llamativo y titularon ese sencillo: "César y sus Senadores Cantan en Español éxitos de los USA" (Cantagallo, 1964). Esos éxitos norteamericanos eran sendas versiones de "The house of the rising sun",con la que entonces triunfaban The Animals, y "Memphis Tennessee",de Chuck Berry. Sonido horrible, sello fantasmal que no editó ningún otro disco que sepamos y oscuro debut del recién bautizado César. Con otros playbacks sacados quién sabe de dónde y ya con el nombre único de César va a sacar un nuevo EP con versiones, entre otros, de The Beatles y The Rolling Stones: "La última Vez / Vuelve Junto a Mí / Nadie Respondió / Mulher Rendeira" (International, 1965). Este era otro sello espectral manejado por Hispavox.

El cantante logró tras este disco reunir un conjunto de acompañamiento con el que ensayaba en la calle Valverde y actuó por Madrid en algunas ocasiones durante 1965 y 1966.

Ignacio Sánchez se retiró, pero el incombustible Alvárez estaba empeñado en hacer de él un cantante famoso. Así que grabó una maqueta con temas internacionales y lo paseó por los distintos sellos discográficos, hasta lograr interesar a uno importante. Así apareció un sencillo con dos temas firmados por el propio cantante: "El Disco Más Viejo de mi Colección / Solo un Besito" (Regal, 1969). En este disco ya no se llama César -en realidad nunca se llamó así y nadie le llamaba por dicho nombre-; este sencillo va a aparecer firmado como Nacho. Aunque el tema principal y su premeditado aire retro se escuchó bastante por la radio, el proyecto de Nacho y su productor José Luis Alvárez no tendrá continuidad y él pondrá punto final a esta extraña carrera en la que grabó tres discos con tres nombres distintos y en tres marcas distintas sin lograr sobresalir en ninguna de ellas, a pesar de no se cualitativamente mejor ni peor que muchos otros. En fin, el perfecto cantante desconocido.

Para coleccionistas viciosos y empedernidos hay que hacer notar que existe otro cantante con el nombre de César que grabó a mediados de los 70 para Movieplay un par de sencillos.

Los Acusicas

Thu, 02 Feb 2012 07:57:49 +0100

Mauro Canut y Joaquín Rodríguez son músicos de sobra conocidos con los que no hacen falta excesivas presentaciones. Su participación en grupos míticos como Los Vegetales, Intronautas (caso del primero) o Los Nikis (caso de Joaquín) les valieron reconocimiento y crédito suficientes, casi ilimitados, como para dedicarse a lo que quisieran satisfechos ya de la labor cumplida. Amigos desde el 1983, cuando Johnny el hermano de Mauro, empezó a tocar como batería en Los Nikis, fueron protagonistas directos de una de las épocas más fecundas e interesantes del panorama musical de este país.

Para Joaquín, a la actividad frenética que supuso pertenecer a los denominados Ramones de Algete siguió una larga temporada durante la década de los 90 en la que estuvo "con la radio apagada y teniendo hijos". Es precisamente gracias a Mauro, que le hace llegar tres "embriones" de canciones para que les componga letra, que vuelve a sentir ganas de hacer música. Los temas estaban destinados para Deviot, pero Joaquín vio algo en ellos que le hicieron reaccionar: "Yo le dije que ni hablar, que eran muy buenas, que hacíamos un grupo nosotros para poderlas tocar". Además, lo que le apetece es tocar en un proyecto que empezase de cero: "Mucho mejor que haber hecho un retorno de Los Nikis, que hubiera sido patético", nos dice el ex-bajista de dicho grupo.

Para el nombre del grupo se deciden por Los Acusicas. Fieles partidarios de estirar la ironía y sarcasmo de las letras de sus canciones, o simplemente hastiados de tener que responder siempre al mismo tipo de preguntas, la información que aportaban en sus entrevistas era, en la mayoría de los casos, de dudosísima veracidad. Así uno no sabe si creer a pies juntillas que la inspiración para semejante nombre les llegó de un grupo de buscadores de geoglifos, los dibujos geométricos de enormes dimensiones que aparecen a veces de forma misteriosa en campos de cultivo.

Entre 2001 y 2002, mediante el envío transoceánico de cintas de cassette, ya que Joaquín vivía por entonces en Estados Unidos, van componiendo canciones. Ya en España, tras adquirir éste en septiembre de 2002 un 16 pistas (un korg D1600) graban los temas en su casa con baterías programadas y con Mauro al cargo de las guitarras. Dejan así preparada una lista de canciones que a la postre compondrían su primer disco "Ha Sido éste" (Hormigonera, 2003). En el mismo, la pareja contó con ayuda destacada, como fue la de Emilio, antiguo cantante de Los Nikis, que puso voz en "La clonación" o Nacho Canut, hermano de Mauro, que puso las bases en "Mi vida insustancial".

"Ha Sido éste" ofrecía muchísimas vías de agarre para quienes venían de disfrutar de los proyectos pasados de Joaquín y Mauro. Plagado de temas en los que sobre todo priman las guitarras, presentaban al oyente varios cortes de intensidad en la música y brillantez en las letras. "Apático", una de las canciones compuesta sobre esos supuestos, se acompañó incluso de un videoclip, en el que Joaquín, debidamente tapado por una cara hecha de línea de puntos, mostraba cómo se le puede ir a uno la existencia por simple desidia. Canciones destacables como "Brad es norteamericano", "Canción de relleno" o el bloque temático dedicado a atracos frustrados, delaciones con las que justificar el nombre de la banda, consiguientes estancias en la cárcel, y velados homenajes a temas de Los Vegetales, lo convierten sin duda en un más que sobresaliente debut de Los Acusicas.

El disco se editaría entre finales del 2003 y comienzos del 2004. Antes de su salida a la calle, por cuenta de la distribuidora El Diablo, Mauro y Joaquín, decididos a montar un grupo en serio alrededor de este primer empujón, comienzan a reclutar componentes. Empezarían primero con la batería. Será Alejandro Moreno -Alex- el elegido, al que encuentran en el entorno de la banda. Así nos lo cuenta Joaquín: "Sabíamos que Floren, el técnico de sonido de Nikis y Fangoria, tenía un hijo que tocaba muy bien la batería, le llamamos y quedamos para ensayar y hasta ahora". El nuevo fichaje vendría a sustituir a Dell Dimension, la eufemística manera con la que se referían a las programaciones de las percusiones en los primeros albores del grupo, cuando Mauro y Joaquín grababan "Ha Sido éste". No desaprovecharon luego cualquier ocasión para continuar con la broma siempre que alguien les preguntaba por algún batería previo que tuviera la banda: "Bueno sí, la primera, una amiga nuestra, Dell Dimension, venía de un grupo tecno-billy. El problema fue que era demasiado perfecta. Bueno, eso y que cuando se le cruzaban los cables se ponía insoportable. Insoportable de dar calambres", decía Mauro en entrevista.

Con la incorporación de Alex, además, se producía un interesante contrapeso en el seno de la banda. Entre la pareja de "héroes de los 80", el batería aporta la rabiosa juventud que necesitaba la enérgica propuesta de pop con maneras punk, que practicaban Los Acusicas. Necesitado como anda cualquier interesado en la historia de la banda por confirmar la veracidad de lo que respondían en ocasiones, Joaquín se ve ahora obligado a ratificar anécdotas como la de Alex y su padre repasando para un examen en un camerino horas antes de una actuación del grupo.

Para la guitarra fichan a Jesús Mirón, que en aquel momento se encontraba inmerso en su proyecto Baby Horror, con el que acababan de editar "Teletransportador" (Subterfuge, 2003). Annie, su pareja en el grupo y en la vida real, y él conocerían a Mauro en un concierto por amistades comunes. La invitación que le hacen desde Acusicas resultó ser muy tentadora; tanto que no se lo pensó dos veces. Joaquín nos habla de los detalles de la incorporación de Jesús: "Todo el mundo hablaba bien de él, de lo majete que era. Luego vimos que no se equivocaban". El flamante segundo guitarra de los Acusicas contaba en entrevista tiempo atrás: "Yo me uno cuando comienzan los ensayos para el primer concierto que damos, el de la sala El Sol, en la presentación del disco de F.A.N.T.A, dentro de la fiesta Música para Top".

Del concierto en la madrileña sala El Sol, celebrado en octubre de 2003, Joaquín recuerda: "Tocamos sólo 5 canciones, que era el total de nuestro repertorio". Jesús acompañaría a la banda en la gira de presentación de "Ha Sido éste", que empezaría en febrero de 2004 en Granada y que les terminaría llevando por Barcelona, Madrid etc... Precisamente, en Madrid tocarían también en el 4º Homenaje a Los Nikis celebrado en Siroco el 11 de diciembre, donde tocaron entre otros con los mismos Baby Horror, con lo que Jesús alternaría en el escenario con ambas bandas. Para el evento, Los Acusicas tenían preparada una versión de "Canto en inglés", pero no pudieron tocarla porque, como aclaraba Joaquín más tarde en el foro de internet de seguidores de Los Nikis, le comunicaron los responsables de la sala que no había tiempo para más. Jesús recuerda cuando le preguntamos que Baby Horror contó con Carlos Cavestany, responsable de Música para Top, como bajista, porque el habitual, Carlos López, tenía concierto con su otra banda (Lucky Dados).

De estas actuaciones Joaquín recuerda especialmente, sin embargo, la de Granada, donde telonearon a El Canto Del Loco: "8000 tías chillando, y nosotros no estábamos ni anunciados. Ellas no sabían nada de nosotros, pero les daba igual. Yo creo que chillaban para ir calentando la garganta para los que tocaban después".

Pero tras esta serie de conciertos y alguna aparición en televisión, como la que hicieron en el programa Música Uno de la primera cadena de TVE interpretando "Apático", Jesús terminaría abandonando Los Acusicas. Nacho Canut, hermano de Mauro, le reclutaría para Fangoria como acompañamiento para la gira de presentación del disco "Arquitectura Efímera" (DRO, 2004). En la invitación se incluye a Annie, en una labor de apoyo a la banda de Nacho y Alaska que se extendería hasta las actuaciones asociadas al siguiente disco de Fangoria: "El Extraño Viaje" (DRO, 2005).

Este trasvase de componentes entre bandas "hermanas" está lejos de producir tensiones. Valga como muestra, la valoración que nos hace Joaquín al respecto: "Jesús fue fichado por Fangoria, y eso nos hizo felices a todos, a nosotros por ser grupo trampolín y a él por empezar a ganarse la vida como Dios manda, porque con los Acusicas iba apañao". Con similar regocijo fue recibido en el campamento Acusica, tal y como quedó recogido en el diario que mantenía en su web, la edición del trabajo en solitario de Jesús, metamorfoseado en J. Horror, "Chic-O-Billy de Lujo" (Resurreción, 2005), una personal lectura de psychobilly intenso.

Con la marcha de Jesús, Mauro y Joaquín se ven en la tesitura de encontrar un sustituto para la segunda guitarra. La situación según el bajista se presentaba así: "Jesús es un gran tipo y había que fichar a otro gran tipo para no echarle de menos. Por eso llamamos a Pelayo". Javier Pelayo era guitarrista de ddt y fan confeso de Los Nikis. De seguro su sorpresa tuvo que ser mayúscula cuando recibe la llamada de Joaquín para mostrarle su admiración por el sonido de las guitarras de su primer disco: "Fumígate" (Rompeolas, 1999). Interesados como se muestran los dos por cuestiones técnicas alrededor de la música, pasado un tiempo terminarían por formar Sincutronic, una asociación de producción musical. Pero la que se produce entonces es la invitación formal para unirse al proyecto Acusica.

La entrada de Pelayo garantizaría el poder seguir apostando por una sección de guitarras intensas que arropase las letras ingeniosas que pergeña Joaquín. Sobre el estilo en el que trabaja la banda ellos mismos han hablado de "punró (sic) melódico para mentes simples". En respuesta más reciente, la que nos dieron a nosotros, mencionan: "Tres acordes, distorsionador y letras sobre tonterías, vamos lo de siempre". Letras sobre tonterías, que no letras tontas. Distinción pertinente en el caso de Los Acusicas, para los que la simplicidad de los textos y su capacidad para enganchar hablan más bien de la redondez e ingenio de su composición.

Al preguntarle a Joaquín por la cuestión de las letras reconoce abiertamente decantarse por diversión e ingenio. "Cualquier cosa menos una canción de amor". Cuando forzamos aún más las preguntas indicándole si caben las críticas o denuncias, sí encuentra argumento de defensa: "En el fondo casi todas las letras son muy críticas. Utilizamos la ironía o directamente el insulto".

Todas ellas son coordenadas estilísticas y musicales que ya estaban presentes de alguna manera en Los Nikis y Los Vegetales, lo que por otro lado quizás facilitara la apasionada acogida que tuvo el nuevo proyecto entre muchos de los miles de fans de aquellas bandas. Aspecto que nos reconoce el propio Joaquín. En su momento afirmaba que el grupo se encontraba a medio camino entre ellas: "Lógico, porque las músicas las compone casi todas Mauro, como en Los Vegetales, y las letras las hago yo, como en Los Nikis". En la misma entrevista sin embargo, Mauro parecía revolverse algo, cuando puntualizaba las influencias que reconocía haber tenido de grupos como Weezer o Foo Fighters en la música que le gustaba componer en el momento actual: "Sería un poco triste seguir haciendo lo mismo que hace 20 años pero con papada y ojeras".

La producción posterior de la banda le daría la razón al cantante y guitarrista, ya que, sin renunciar a unas señas de identidad con las que se desenvolvieron y divirtieron ya en el pasado, darían muestra del amplio margen que aún quedaba para forjar un estilo propio para Los Acusicas. Antes de demostrarlo con un nuevo disco, tuvieron ocasión de participar en recopilatorios varios. En concreto incluyeron el tema "Tu único Dios (Personal Jesús)" en el CD tributo a Depeche Mode "Devoción Por Las Masas" (El Diablo, 2004) que diseñara su distribuidora. En el disco, que se editó en diciembre de 2004, aparecían otras bandas como L-Kan, Dirty Princess, Universal Circus, Sexy Sadie, Deluxe, Australian Blonde...

Asimismo se les incluyó en un homenaje similar a Mecano, "En Tu Fiesta Me Colé" (El Diablo, 2005), en el que participaban grupos como Pauline En La Playa, Chico y Chica, Australian Blonde, Niños Mutantes, Deneuve... Los Acusicas incluyeron su visión particular de "No es serio este cementerio". En la misma, parapetados tras distorsiones y metalizaciones de la voz, ofrecen una versión del clásico de los hermanos Cano y Ana Torroja, que potencia las oscuridades y tenebrismos del tema sepulcral. Cumplían así el trámite posicionando la canción en una auténtica tierra de nadie: Ni se reconoce a Mecano ni a Los Acusicas... misión cumplida.

El procedimiento de composición de canciones para el segundo disco no debió de diferir excesivamente de la que parece rutina habitual de la banda a juzgar por el relato de Joaquín: "Mauro va canturreando la melodía de una canción que le gusta por la M30, la empieza a transformar hasta que no se parece en nada al original. Antes de salir de la M30 la tiene terminada, la graba en el móvil para que no se le olvide y cuando llega a su casa saca los acordes de lo que será la guitarra rítmica. Luego graba una maqueta con un sonido asqueroso y cantando en guanchi-guanchi y me la manda por email. Yo me la paso al iPad y cuando estoy por ahí de viaje en los hoteles, le dedico una mañana entera como mínimo a hacer una letra a la altura de la calidad de la canción de Mauro, que suele ser elevada". Lo que si variaría con respecto del disco anterior es la grabación, ya que ahora la banda era un cuarteto. Algunas de las guitarras y la batería quedan registradas en el local de ensayo, que en su momento fue el Rock Palace, y el resto queda para "el cuarto del fondo" de la casa de Joaquín. Todo el proceso llevó una cantidad considerable de tiempo, ya que el grupo trabaja en los huecos que sus ocupaciones laborales les deja. Y es que si algo tienen claro es que ya que no se ganan la vida con la música, lo único que le piden es "que no nos cueste dinero", nos dice Joaquín.

El disco, "Yo Maté A Kennedy" (Hormigonera, 2006), se editó en marzo de 2006. Producido por Joaquín y Pelayo, fue distribuido por El Diablo y contó con la colaboración de Emilio (Nikis) y Teresa Castanedo, presentadora de los telediarios de Telemadrid, para poner voces en una de las canciones: "Vestido para matar".

El título del álbum corresponde al de la canción en la que se el asesino de John F. Kennedy se declaraba culpable explicando además todo por su supuesta hipermetropía. Del tema con el que comienza, "Me gusta ser normal", editaron un videoclip, en el que aparecen de nuevo con las cabezas tapadas, práctica casi común cuando la banda aparece en este formato. No son medias de atracador, ni superposiciones de dibujo animado en esta ocasión, sino bolsas de compra con las fotos de David Beckham, la Duquesa de Alba, Ernesto de Hannover y Tom Cruise. Todos ellos, como reza la canción, persiguen llevar una vida cotidiana normal, en la que poder hacer cosas normales como las que aparecen en el vídeo: Hacer sangría en el parque, carreras de sacos, vomitar tras borracheras, mear en los árboles o quemar ventosidades... Temáticas gamberras como las de convertirse en coche tuneado, o jugar con éxitos de bakalao de Chimo Bayo, no hacen sino constatar que Los Acusicas son ya, por méritos propios, una banda con solvencia más que de sobra certificada como para garantizar ingenio, irreverencia y solidez a partes iguales. Su estilo, y su propuesta es ya perfectamente reconocible, con la debida distancia puesta de por medio respecto de las grandes bandas de las que provenían.

Reconocimiento, por otra parte, que llegaba incluso desde el extranjero. Así parece que ocurrió desde donde menos lo esperaban, cuando el propio Phil Spector quedó prendado con la maqueta que una amiga de la banda puso en el reproductor del coche en el que trasladaba al afamado productor en Londres.

La banda se entregaría entonces, con cierta pasión, todo sea dicho, en una especie de divertimento, el de componer los que denominarían bootlegs o híbridos entre temas con poco o nada que ver entre sí. Así se encargarían de mezclar en su probeta a Melody con los Rolling Stones, Offspring con Ricky Martin, Iggy Pop con Soft Cell, Undertones con Umberto Tozzi, Europe y Raphael, Alaska y Los Pegamoides con The Dandy Warhols, El Aviador Dro y Sus Obreros Especializados con AC/DC o Nirvana y Mecano. Es precisamente esta última combinación la que marcaría el comienzo de esta afición, de la que "culpaban" principalmente a Mauro en una entrevista concedida a Sonicwave: "Mauro tiene una base de datos de canciones en su cabeza de unos 100 gigas y se pasa el día escaneando el cerebro hasta que da con dos que encajan". La originalidad de estos ejercicios radicaba, además, en el hecho de que no se trataba de juegos con samplers o pistas ya grabadas, sino que la banda se dedicaba a tocar las partes de los temas originales, que además pasaban de una canción a otra casi de forma natural.

La anécdota respecto a los bootlegs la constituye el que hiciesen con un tema de Georgie Dan y el "Fight for your rights" de Beastie Boys, con Fabio McNamara a la voz, y que quedó como inédito sin incluirse en ningún disco. Sus seguidores pudieron escucharlo, eso sí, desde el myspace del grupo.

Todas las demás cerrarían su siguiente disco: "Telebasura" (Hormigonera, 2008), como temas extra, sin aparecer explícitamente anunciados al haberse regalado vía myspace previamente. Para el título eligieron según explicaban, no un alegato contra la mala calidad de la televisión, sino el resultado de salir ellos apretujados en el monitor de una de ellas.

Disco con más material de la banda en parámetros similares a los de sus trabajos anteriores y un aparente hilo argumental alrededor, no de programas de televisón, sino de películas de cine. Canciones de disfrute para el seguidor de la banda.

Las últimas noticias que tenemos de la banda consisten en una serie de temas que han ido colgando en un bandcamp para descarga libre: "La serpiente multicolor", "Bienvenido Mr. Marshall", "30226" y "Vuelve a mi mansión". Canciones que muestran a unos Acusicas en la mejor modalidad ramoniana, con música compuesta entre Joaquín y Mauro y que estaban destinadas en principio, junto con otras cuatro más, para un vinilo de 10", cuya edición sin embargo, ha quedado paralizada. Y es que según se desprende de la resignada confesión que nos hace Joaquín cuando le preguntamos por los planes inmediatos para el grupo, el ritmo de la banda ha decaído considerablemente: "Yo creo que estamos dejando morir el grupo de inanición por la pereza que nos da todo".

Desde aquí sólo nos resta desear que finalmente sigan primando las ganas de divertirse y que nos hagan llegar un nuevo cargamento de pequeñas genialidades hechas canción como han venido haciendo hasta ahora. Descuida que te lo haremos saber en cuanto esto ocurra.

Els Setze Jutges

Wed, 01 Feb 2012 14:55:51 +0100

"Tenemos que cantar canciones, pero nuestras y hechas ahora. Nos hacen falta canciones que tengan una actualidad para nosotros. Todo el mundo ha cantado hasta ahora las que podemos llamar de siempre, y de éstas, tal vez sólo las más conocidas; sin embargo hemos dejado de lado otras magníficas que corren el peligro de ser olvidadas, y quizás por culpa de una excesiva intromisión de canciones extranjeras. Es muy loable, e incluso necesaria esta intromisión desde otras tierras, pero eso no debe privar nunca que se sigan cantando las nuestras, sean tristes o alegres, sean como sean: por el hecho de ser nuestras tenemos la obligación de no olvidarlas. Ahora bien, es grave que no se hagan de nuevas, yo al menos no las he oído. Podemos atribuirlo a las circunstancias, pero de canciones se pueden hacer de muchos tipos y formas, además, estas circunstancias no pueden por sí mismas privar a un pueblo de sus canciones. Es precisamente en momentos difíciles que han nacido gran número de canciones, de las más bonitas, aquellas que los pueblos han transformado en una especie de oración colectiva

Se trata, pues, que salgan canciones de ese momento nuestro..." Así empezaba el escritor Lluís Serrahima el artículo "Ens Calen Cançons d'Ara". Publicado en enero de 1959 en la página quince de la revista Germinabit, con el paso de los años se ha considerado este texto como el manifiesto fundacional de la nova cançó. Obviamente, y como en todo movimiento artístico o acontecimiento histórico, un solo hecho no origina todo. Sino la acumulación de factores desencadenantes que trataremos de exponer a continuación.

A mediados de los años 50 España estaba sumergida en la miseria y la pobreza debido al fracaso del modelo autárquico impuesto por el franquismo. Esto cambiará a finales de dicha década con la puesta en marcha del Plan Nacional de Estabilización Económica. Dicho plan conllevó una recuperación económica que hizo que el régimen se abriera al mundo, permitiendo de puertas para adentro ciertas cosas para dar una buena imagen al exterior.

Así a finales de los años 60 se crea la discográfica Edigsa por parte de Josep Espar i Ticó, Claudi Martí, Ermengol Passola i Badia, y Enric Cirici; y posteriormente la editorial Edicions 62 fundada por Eulàlia Duran. Ambas fundamentales para desarrollar más ampliamente la cultura elaborada en catalán. Pero a la sombra de estos nombres ya existían pequeñas publicaciones de tiradas limitadas que servían de plataforma para intelectuales catalanes. Una de esas publicaciones era la revista Germinabit. Una revista nacida a instancias de un grupo de universitarios y editada por la Unió Escolania de Montserrat. A finales de 1958 el historiador Josep Benet propone al abogado Lluís Serrahima hacer un artículo dedicado sobre la conveniencia de cantar canciones actuales en lengua catalana. Así verá la luz el texto citado inicialmente.

Hay más hechos destacables que son el punto de partida de este colectivo. El mismo año de la salida del manifiesto, el valenciano Raimon graba el tema "Al vent" que será incluido en su primer EP "Al Vent / La Pedra / Som / A Cops" (Edigsa, 1963). Sin embargo no es ésta la primera grabación en catalán. Eso le corresponde a otros dos EP. El "Hermanas Serrano Cantan en Catalán los éxitos Internacionales" (La Voz de su Amo, 1958) de las Hermanas Serrano, y "Canta en Catalán los éxitos Internacionales" (Regal, 1958) de José Guardiola. Unos discos que consiguieron ver la luz gracias a las gestiones de Josep Casas Augé. Y es que logró editarlos con la autorización del régimen con la condición de que se publicaran con sus títulos en castellano.

Ya entrando en la década de los 60 se acelera todo el proceso. Se celebra, los días 5 y 12 de febrero de 1961, el primer Festival de la Cançó Catalana Ballable en el Centre Comarcal Lleidatà. En él actúan Els Pioners, siendo este evento la primera sesión de bailables en catalán de la posguerra. Meses después y en el mismo lugar se celebra el primer concierto del colectivo aún sin denominación oficial. Y en diciembre en el Centre d'Influència Catòlica Femenina bajo la denominación de La Poesia de la Nova Cançó. En él actúan Josep Maria Espinàs, Miquel Porter y Lluís Serrahima. También estaba anunciada Remei Margarit pero finalmente no pudo actuar. Este concierto es el primero donde los miembros del colectivo cantan canciones originales. Pocos meses después Lluís decide no seguir cantando siendo los otros tres el núcleo fundacional del grupo.

La presentación oficial de Els Setze Jutges como tal es el 29 de abril de 1962 en un concierto en Premià de Mar organizado por la peña barcelonista del pueblo. El nombre del colectivo está sacado de un trabalenguas que soltó Josep Maria Espinàs mientras estaban escogiendo el nombre ("Setze jutges d'un jutjat mengen fetge d'un penjat, si el penjat es despengés es menjaria els setze fetges dels setze jutges que l'han jutjat "). El nombre da a múltiples lecturas. Desde la complejidad lectora para los castellanohablantes, la denominación de jueces y el número como una muestra clara de querer crecer en un futuro.

Un mes más tarde algunos jueces conocen a Raimon. En seguida conectan, y al poco tiempo actúa con ellos. A pesar de que Raimon nunca llegara a ser miembro oficial del colectivo, siempre estará muy presente en las actividades de la formación. Así en diciembre de 1962 actúan conjuntamente en el Fòrum Vergés de Barcelona, siendo ésta la primera vez que el cantante setabense actúa ante un público más mayoritario. También ese mismo año aparecen las primeras grabaciones de los miembros del colectivo como el EP "Espinàs Canta Brassens" (Edigsa, 1962), donde dejan a las claras que una de sus mayores influencias es la chanson francesa.

Poco a poco Els Setze Jutges irán acogiendo a nuevos miembros. El cuarto componente será el psiquiatra Delfí Abella y un poco más tarde entrará Francesc Pi de la Serra. Siendo éste el primer juez nacido después de la guerra. Su incorporación se produjo de un modo bastante curioso. Ya que en una actuación del colectivo Francesc les recriminó su acompañamiento musical. Estos le dijeron que si sabía hacerlo mejor que lo hiciera. Subió, tocó la guitarra y fue admitido automáticamente.

Pero esta no era la manera normal de entrada en el colectivo. Sino la superación de un examen donde los miembros de Els Setze Jutges ejercían de jueces. Hay mucha leyenda detrás de estos exámenes. Muchas veces vistos como verdaderos tribunales inquisitorios; las pruebas, más que de nivel de musicalidad, eran para ver la compatibilidad con el grupo. En sus inicios no existían estas pruebas y la unión con el colectivo era voluntaria, pero con la proyección lograda por Joan Manuel Serrat empezaron a estilarse más. Algunos de los miembros fundacionales reconocen que no hubieran podido entrar si hubieran exigido ese nivel en el momento de su ingreso. De los rechazados, los más famosos son Pere Tàpias y Pau Riba. De este último llegaron a decir que tenía una voz horrorosa, mientras que el estilo desenfadado de Pere tampoco congenió con el colectivo.

1963 será el año de entrada de tres nuevos jueces. Se incorporan al colectivo, el irónico Enric Barbat dotado de un gran dominio del lenguaje; Xavier Elies uno de los jueces menos prolíficos; y Guillermina Motta, uno de los componentes más versátiles del colectivo. En ese mismo año, en febrero, se celebran las Matinals de Romea-Show. Donde aparte de músicos de jazz cantan gente como Grau Carol y Salvador Escamilla, junto con Remei Margarit, Josep Maria Espinàs y Miquel Porter. Todo ello bajo el lema: "Voces nuevas y nuevas melodías para gente nueva". En agosto de ese mismo año se celebra una gran fiesta en l'Ametlla del Vallès donde se otorga por primera vez el Premi del Disc Català, que se lo llevará Josep Maria Espinàs. Mientras que en septiembre durante las fiestas de la Mercé en Barcelona, Josep Maria Andreu y Lleó Borrell organizan el primer Festival de la Cançó Mediterrània.

En enero de 1964 nace el programa Radioscope de Salvador Escamilla desde donde se convertirá en promotor de la nova cançó. Ese mismo año será la entrada del noveno y décimo juez. De la valenciana Maria del Carme Girau y del barcelonés Martí Llauradó. La importancia de Martí será mayor en los años posteriores, ya que se encargaría de musicalizar algunos de los poemas del escritor Joan Salvat-Papasseit para que otros miembros salidos del colectivo los cantaran. La influencia de Els Setze Jutges empieza a ser cada vez mayor. La nova cançó llega a Lleida de la mano de Xavier Ribalta y del colectivo Can 64. Creado a la manera de Els Setze Jutges, de entre sus miembros cabe destacar al pintor Màrius Carretero.

En 1965, además de la incorporación de tres nuevos jueces más, será el año del debut discográfico de varios de los antiguos componentes del grupo. Se unen al colectivo el mallorquín Joan Ramon Bonet, la más joven del colectivo Maria Amèlia Pedrerol, y el que sería más famoso de todos ellos Joan Manuel Serrat. Además de iniciar sus carreras Martí Llauradó y Guillermina Motta, también hay que reseñar la aparición en el mercado musical catalán de Guillem d'Efak y Núria Feliu. La mayoría de los nombres que hemos ido mencionando grababan para el sello Edigsa. Pero una parte de dicha discográfica pensaba que su política era demasiado restrictiva por lo que hubo una escisión dentro del sello del cual nació la discográfica Concèntric. Ermengol Passola se hará cargo de la dirección. Y bajo este sello, Els Setze Jutges, graban su único LP "Audiència Pública" (Concèntric, 1966).

A estas alturas del partido la repercusión del movimiento de la nova cançó ya no sólo se limitaba a la esfera catalana. En España Serrat alcanzaría el número uno de ventas con el excelso EP "Cançó de Matinada" (Edigsa, 1967). Mientras que cantantes como Raimon tocaba en el Olympia parisino, y Nuria Feliú actuaba en Nueva York junto a Tete Montoliú.

Con motivo del quinto aniversario del colectivo se celebra el 16 de diciembre de 1966 una fiesta en l'Ovella Negra. En dicho evento se aprovecha para presentar a una nueva componente del grupo. Será la hermana de Joan Ramon, Maria del Mar Bonet. Siendo la única cantante en pertenecer tanto a Els Setze Jutges como a Grup de Folk. Maria del Mar formó parte de la última corriente que entró en el grupo, y que el manager Juan Molas denominó como la novíssima cançó. En un acto, que según él, servía para renovar el panorama de la canción autóctona. Los otros dos cantantes que entraron en esa época fueron Rafael Subirach y, a pesar de su desastrosa prueba, Lluís Llach.

Llach debuta con Els Setze Jutges el 22 de marzo de 1967 en un concierto celebrado en el Centre Social Catòlic de Terrassa. Y pocos meses después se celebra un acontecimiento único e irrepetible. El 25 de mayo de 1967 actuaron juntos, por primera y única vez, todos los jueces en directo. Poco a poco mientras se acaba la década la fuerza como grupo de Els Setze Jutges va desapareciendo. Los objetivos por los que se había creado se estaban cumpliendo y los miembros del colectivo entendían que ya no eran tan necesarios. Existía un amplio espectro de músicos, con un gran nivel técnico, que cantaban en catalán. Con lo que el recambio generacional estaba asegurado.

Otro elemento clave fue la decisión de Joan Manuel Serrat de cantar en castellano. Este hecho no fue entendido tanto por algunos miembros de Els Setze Jutges como por parte de ciertos sectores catalanistas. Su decisión, se interpretó como una traición a los principios naturales del colectivo de practicar el monolingüismo como resistencia a las adversidades impuestas por la dictadura. A pesar de las enormes presiones recibidas Serrat continuó con el bilingüismo; y además contó con el apoyo de gente de la cultura catalana como el locutor Salvador Escamillas o la actriz Nuria Espert.

En 1969, a raíz de la disolución del colectivo, se empieza a abandonar el término de nova cançó para denominarse únicamente como cançó. Els Setze Jutges dejaron atrás un millar de actuaciones. Teniendo una influencia que va más allá de los territorios catalanohablantes. Como podemos comprobar con la creación de otros colectivos similares como el vasco Ez Dok Amairu, el castellano Canción del Pueblo, el gallego Voces Ceibes, o el andaluz Manifiesto Canción del Sur. Posteriormente han sido reivindicados también por todo el mundo hispanohablante como, por ejemplo, los cubanos Pablo Milanés y Silvio Rodríguez. Padres, junto a Noel Nicola, de la Nueva Troba Cubana.

El 13 de abril de 2007, el Parlament de Catalunya concede la medalla de honor, en la categoría de oro, a todos los miembros de Els Setze Jutges y a Lluís Serrahima, su impulsor. Un acto tardío. Por la cantidad de años que habían transcurrido desde su formación. Como porque jueces, como Miquel Porter y Delfí Abella, habían fallecido poco antes. Guillermina Motta rehusó dicha distinción.

Con motivo del cincuenta aniversario de la publicación del artículo de Lluís Serrahima, "Ens Calen Cançons d'Ara". La revista Enderrock, junto con Cossetània Edicions, presentó un especial con artículos sobre la canción de autor y el pop en lengua catalana de los años 60 recogidos de publicaciones como Folk, Rockcol·lecció y la propia Enderrock. Además para acompañar este número especial se incluía la reedición del único álbum de Els Setze Jutges.

En este "Audiència Pública" (Enderrock, 2009) se incluyeron tres temas de aquellos jueces que, por entrar más tarde en el colectivo, no estaban en el disco original. Una reedición necesaria, de un disco descatalogado, y de una formación fundamental sin la cual no podría entenderse la música hecha en catalán en la actualidad.

Dúo Juvent's

Tue, 31 Jan 2012 22:15:42 +0100

La aparición y fulminante triunfo del Dúo Dinámico en 1959, desató en todo el país la fiebre de los dúos; una fiebre que en Cataluña adquiriría proporciones de delirio. Una decena de ellos dejaron su huella grabada en vinilo, muchos otros se contentaron con aparecer en espacios radiofónicos, festivales benéficos y algún baile juvenil. Los primeros en seguir los pasos de Manolo y Ramón fueron Kroner"s Dúo; sin embargo, los que dejaron tras de sí un mayor número de discos y gozaron de mayor fama fueron el Dúo Rubam y el Dúo Juvent"s, ambos catalanes.

El Dúo Juvent"s estaba integrado por Emili Hurger y Javier Lardín, dos chicos guapos, simpáticos, que cantaban razonablemente bien y que, como todos, tenían al Dúo Dinámico como referencia cercana y a Everly Brothers, con los que guardaban un cierto parecido físico, como sueño lejano. Sus primeras actuaciones datan de 1961 y pronto van a llamar la atención de un sello recién fundado, Vergara.

Su primer EP con cuatro temas de twist y suave rock"n"roll, "Yo Soy un Rocker / No Existe el Amor / Bailando Twist / Twist del Abuelito" (Vergara, 1962), funciona bien y su primera canción se convierte en un modesto himno juvenil con una letra que no tiene desperdicio.

Poco después de la aparición de ese disco van a participar en la selección para Eurovisión 62. Excepto un inédito Raphael y Tonio Areta, todos los participantes eran catalanes o afincados en aquella región y ellos representaban la cara rabiosamente juvenil del evento, al lado de una serie de cantantes, como José Guardiola, Hermanas Serrano, el propio Areta o el finalmente elegido, Víctor Balaguer, que habían iniciado su carrera en la década anterior. Precisamente, el dúo participó en el preconcurso eurovisivo con "Que llueva", un tema que luego nunca sería grabado en disco.

La carrera de la pareja continúa ese año y el siguiente con la edición de cuatro nuevos EP, entre los que destacó "Goody, Goody / Lolita / Wini Wini/ Dime" (Vergara, 1963), que se vendió muy bien en el corto mercado nacional de la época.

Aunque afincados en Cataluña y con actuaciones casi diarias en salas de fiestas y boites de Barcelona, Girona y la Costa Brava, las canciones de este dúo se escuchaban a menudo por la radio. La cita con Madrid era ineludible. Son contratados para actuar en la capital el primer fin de semana de junio de 1963. Pero el 3 de junio fallece el papa Juan XXIII y el gobierno decreta tres días de luto nacional. Ni pensar en bailes, así que ellos recogen los trastos y regresan a Barcelona sin haber abierto la boca. En otoño volverían para actuar en la sala Imperator y en 1964 regresarían de nuevo, logrando un éxito importante entre los jóvenes madrileños. Ellos contaban con algo tan importante, como raro en aquellos años. Tenían un conjunto de acompañamiento propio y siempre el mismo, lo que contribuía bastante a unas exitosas actuaciones.

En el número de mayo de 1964, la revista Fonorama les entrevista a fondo y les pide una definición de su estilo. Contestan: Nosotros, en un principio, empezamos nuestras actuaciones encaminadas a un estilo, pero, claro, este estilo era el que siempre había seguido el Dúo Dinámico. Al poco tiempo decidimos formar un conjunto para evitar todo parecido con ellos y contratamos a tres grandes artistas, dos guitarras y una batería, formando una especie de show y alejándonos de la línea seguida por todos los dúos que han salido hasta la fecha. Una vez creado todo esto, pues ya sabes...un poco de twist, un poco de madison, etc.".

Era inevitable para el periodista ahondar en la relación con el Dúo Dinámico, que en esos momentos eran los artistas juveniles españoles más cotizados. Emilio y Javier intentan desmarcarse: "Hemos admirado siempre al Dúo Dinámico, porque ellos empezaron un camino de dúos en España, pero no quisiéramos parecernos a ellos".

En 1964 participan en el Festival del Mediterráneo y ponen en el mercado sus últimos microsurcos, en los que además de las canciones italianas que dominaban abrumadoramente el mercado español, hacen también algún número de los primeros Beatles.

Lo cierto es que el Dúo Juvent"s planteaba un sonido, arreglos e imagen muy similar al citado gran dúo ¿Por qué entonces no lograron sobresalir como ellos? No era un tema de calidad o atractivo intrínsecos. La gran diferencia era que ellos no componían sus canciones y dependían de traducciones de temas extranjeros. Eso y un mercado copado de antemano por el Dúo Dinámico, hizo que pronto optaran por la retirada.

Las grabaciones del Dúo Juvent"s ejemplarizan a la perfección un determinado momento en la música juvenil española: el periodo de eclosión 62-65, con predominancia de solistas y dúos que intentan adaptar y adaptarse como buenamente pueden a la música que se hace en el extranjero, especialmente a los ritmos que desembarcan desde el otro lado del mar: el rock, el madison, el twist y hasta el tamouré de la Polinesia Francesa. Ha sido una odisea encontrar, siquiera parcialmente, esta discografía y nos consta que ni siquiera alguno de los miembros del dúo la tiene completa.

The Winning Numbers

Mon, 30 Jan 2012 22:43:47 +0100

The Winning Numbers son una formación beat que ejecuta un pop sixtie delicado con una gran riqueza instrumental. Realmente son un trío compuesto por: Daniel (bajo y voz), óscar (guitarra y coros) y Alberto (batería). No son del Merseyside, son de A Guarda (Pontevedra) pero reconocen influencias de The Small Faces, The Beatles, The Kinks, The Zombies y The Remains, entre otras muchas.

A finales del 2011 entregan su primer EP: "Introducing" (In Person, 2011). Un trabajo autoeditado bajo el sello In Person que fue grabado por Fran álvarez en Metrópolis (Vigo) entre mayo y junio del 2011. De las mezclas y la masterización se encarga también Fran álvarez, ayudado por la propia banda. En la grabación colaboran: Andrea Iglesias (piano y Hammond, coros), Laura Iglesias (saxo) y los coros extras de Alberto álvarez, Yhonatan Andura y Carla Sebastián.

Seis composiciones propias inspiradas en el más puro beat pop de los años 60 (el hecho de grabar con tecnología True-Stereo ayuda a plasmar el sonido de época) que destacan por su brillante ejecución y su luminosidad y frescura. Entre ellas destaca "When she was sixteen", corte del que Petit de la Crème y éxfico Art Dis realizan un interesante videoclip. Como ellos indican, su objetivo "es crear canciones alegres basadas en la melodía y el ritmo", rendir tributo con su música a una época y un lugar.

Lo cierto es que son muchas las formaciones del sur de Galicia que se inclinan por el pop sixtie y derivados como el garage o el rhythm & blues. Entre ellas podemos destacar a The Phantom Keys, The Allnight Workers y Niño y Pistola.

Raphael

Mon, 30 Jan 2012 13:19:10 +0100

Después de medio siglo de actividad musical, siempre en primera línea, se quedan cortos los adjetivos para definir a este niño de Linares que ha sabido envejecer como nadie. Icono social de los 60, artista respetado en los 70, referencia obligada en los 80... y así hasta este siglo XXI. Un cantante con buena voz y mejor cabeza que ha sabido estar al margen de las modas y a la vez, integrarse de forma natural en ellas.

Miguel Rafael Martos Sánchez nació en Linares el 5 de mayo de 1943, siendo el tercero de cuatro hermanos. Al año siguiente, su padre, ferrallista de la construcción, hace el petate y la familia se viene a Madrid, concretamente a la calle Carolinas, esquina a Bravo Murillo. De allí serían desahuciados e irían a vivir al barrio de Carabanchel. A los cinco años ya canta en un coro escolar y en 1953 representa a España en un concurso europeo de escolanías infantiles, que se celebró en Salzburgo, del que resulta vencedor. Son tiempos difíciles en los que Rafael llega a mendigar en la boca del metro.

Pasan los años y el niño que asombraba a todos cambia su voz y su estilo. Jamás ha dudado que la canción iba a ser su vida. Son años de rock y twist, pero también de canción melódica y copla. Rafael es capaz de tocar todos los palillos...y de tocarlos bien.

A finales de 1960 se inscribe en la escuela del maestro Gordillo, adonde también acuden las futuras Rocío Durcal y Massiel. Su profesor enseguida vaticina: "Esto que haces tú, no lo hace nadie. Si al público le gusta no habrá dinero suficiente para pagarte. Si no, tendrás que buscar otro camino". Gana concursos radiofónicos y canta por las tardes en un modesto local llamado La Galera. También canta a veces en un puticlub en el que actúa como pianista un muchacho llamado Manuel Alejandro, con el que traba pronto amistad.

Gracias a los esfuerzos de su mentor, en 1961 aparece por primera vez en televisión. Consigue una audición para el sello Philips. Aquella ph que había visto en la marquesina de entrada de la marca iba a quedar incorporada a su nombre, que ya sería para los restos, Raphael. Incluso para darle internacionalidad en las primeras portadas de sus discos aparecía con una diéresis encima de la e. Las oficinas de la discográfica estaban en el Paseo de las Delicias y, aunque parece ser que no estuvo muy fino en la prueba, salió de allí con un contrato bajo el brazo. Cuenta la leyenda que ese mismo día firmó también su contrato un muchacho granadino llamado Miguel Ríos.

Paco Gordillo, hijo de su maestro iba a ser su primer representante y se ocupó, de común acuerdo con Philips, de lanzar a Raphael en Benidorm. Aparece su primer EP: "Tu Cupido / Inmensidad / Te Voy a Contar mi Vida / Perdona, Otelo" (Philips, 1962), que tendrá una fría acogida. En este primer disco las cuatro canciones están compuestas por su amigo Manuel Alejandro. Será decisivo en su carrera y compondrá casi en exclusiva para él, firmando la mayor parte de sus mayores éxitos.

Pero pronto va a destapar el tarro de las esencias. Se buscaba urgentemente un cantante para ir a Benidorm. Se presentan al casting Víctor Ponti, Maribel Llaudes y Raphael, siendo elegido. Hasta cuatro canciones inscribió en el Festival, logrando algo que nunca volvería a repetirse: copar los tres primeros premios de Benidorm 62. Por este orden: "Llevan", "Quisiera" y "Cada cual". Esto se tradujo en dos nuevos extended play, que aparecerán al mismo tiempo y con numeración correlativa: "Llevan" (Philips, 1962); "Quisiera" (Philips, 1962). Todos hablan de su especial estilo interpretativo y su nombre comienza a sonar y mucho en el panorama musical.

Tras el memorable triunfo festivalero, Raphael exige un contrato más beneficioso. Philips se niega y tiene la fortuna que el sello francés Barclay, distribuido en España por Columbia, comprara su carta de libertad. Allí graba un solo disco y pasa un año de semiostracismo, que está a punto de costarle su recién iniciada carrera. Hace la primera gira por España con una memorable actuación en Gijón. De vuelta en Madrid, pasa buena parte del invierno cantando en el York Club.

En 1964, Hispavox se hace con el contrato de Raphael. En esta operación tendrá mucho que ver el director artístico de la marca, Waldo de los Ríos. Aquí se reencontrará con Manuel Alejandro para no separarse ya en muchos años, iniciando la etapa más fructífera de ambos.

El primer disco para Hispavox contiene la canción "Los hombres lloran también", que será su primer hit. En julio de 1965 participará en el Festival de La Granja, un evento organizado por el General Franco, comenzando su fama de imagen del régimen del dictador, un sambenito que le acompañará toda su vida. El 3 de noviembre de ese mismo año alquila el Teatro de la Zarzuela y da un recital. Un gesto inusitado con el que pierde dinero, pero con el que adquiere la vitola de estrella. Con los temas de ese recital aparecerá su primer LP: "Raphael" (Hispavox, 1965) del que se extraerán varios EP exitosos. Pero el disco que le va a subir definitivamente a la cumbre va a llegar con "Raphael Canta la Navidad" (Hispavox, 1965) con "La canción del tamborilero", un hit estratosférico y el villancico más vendido en España.

Por entonces no existían listas oficiales de ventas, pero sin duda alguna fue el disco más vendido durante muchas semanas. Termina el año cantando como gran estrella en el Festival de Navidad, que organiza Carmen Polo de Franco en el Teatro de la Zarzuela. La elite social con abrigos de visón se rifa al Niño de Linares. Como anécdota, referir que este triunfo le pilla en plena mili, siendo prácticamente licenciado por la vía rápida por... méritos cantores después de una entrevista entre su representante y el ministro Fraga Iribarne.

Trabajando a destajo, prepara su segundo LP "Canta...Raphael" (Hispavox, 1965), seguramente el mejor de su extensa trayectoria. Contiene dos canciones que meses más tarde llegarán al número 1 encabezando respectivos EP: "Cuando Tú no Estás" (Hispavox, 1966) y el eurovisivo "Yo Soy Aquél" (Hispavox, 1966). Además otros títulos importantes como "La canción del trabajo" o "Estuve enamorado".

Es seleccionado para ir a Eurovisión con la canción de Manuel Alejandro "Yo soy aquél". Aquello tuvo tintes épicos. Era la patria española la que mandaba su mejor guerrero a luchar en Europa, a Luxemburgo para ser más concretos. El tema es una de las mejores baladas de nuestra historia. Ocupó el séptimo puesto, pero convenció hasta el punto de ser grabada en media docena de idiomas y de propiciar actuaciones históricas y algo histéricas en el London Palladium y el Olympia de Paris, entre otras salas y platós televisivos europeos. Por supuesto el cine también llamó a su puerta y Raphael protagonizó su primera película (antes había hecho breves papelitos en alguna otra). "Cuando Tú No Estas" (Mario Camus, 1966).

Se hace difícil entender hoy lo que Raphael significó en aquella España franquista del desarrollismo y los cacareados 25 años de paz. Desde luego, trascendía lo musical o artístico. Se crearon centenares de clubes de fans en todo el país que se terminaron por agrupar en una federación con centenares de miles de afiliados, más bien de afiliadas. Sus películas eran acontecimientos locales en los pueblos españoles. Representaba el triunfo de lo español ante lo europeo. Su voz y su cara eran habituales en telediarios y una nube de reporteros y fans le seguían allá donde fuera. Raphael y Manuel Benítez (El Cordobés) eran los iconos de la vida española. Postales, discos, colecciones de cromos, revistas exclusivas, películas realizadas a mayor gloria del cantante patrio. De hecho, decir en determinados ambientes que no te gustaba Raphael, era casi un ejercicio sospechoso y antipatriótico. No todo eran flores. Los gestos excesivos del cantante, su cara de niño -de ahí le venía uno de sus sobrenombres- le granjearon fama de maricón, algo imperdonable en una España de machorrería rampante.

Cada una de sus canciones era en directo convertida en una representación teatral con temblores, calculada desmesura gestual y una entrega al público fuera de toda duda. Alardes que se sustentaban en una magnífica voz. Todo esto hacía que sus galas fueran las más cotizadas, pues pocas veces defraudaba. Durante varios inviernos el cantante ofreció tandas de recitales en Madrid sin escatimar gastos. Orquestas de treinta músicos, ballet y, un año, hasta una docena de bongoseros le acompañaron. Las entradas para estos recitales solían agotarse con antelación.

Sus gestos y dicción fueron escudriñados e imitados por cómicos y cantantes. Cuando extendía su brazo derecho hacia el cielo, impeliendo a su mano un cierto sentido giratorio, no faltaba quien decía: "Ya está cantando el robabombillas". Y es que nada de lo que hacía o decía Raphael era en vano, para bien o para mal.

En los siguientes dos años va a encadenar los triunfos en España y su nombre va a hacerse un hueco cada vez mayor en el mercado sudamericano. Tras la afrenta de Luxemburgo, que aún escocía, los capitostes del Ministerio de Información y TVE -venían a ser más o menos los mismos- deciden que Raphael debe acudir de nuevo a Eurovisión con otro tema de Manuel Alejandro, "Hablemos del amor". Viajó a Viena, donde alcanzó la sexta posición en la misma edición que ganó Sandie Shaw con sus "Marionetas en la cuerda". Esta segunda participación propició un nuevo número 1 de ventas para su EP "Eurovisión 67" (Hispavox) y sirvió de perfecto altavoz para su película "Al Ponerse el Sol" (Mario Camus, 1967). También hubo nuevo LP, formado mayoritariamente con temas cantados en dicha película: "Raphael" (Hispavox, 1967), un 33 rpm con cierto gusto a refrito, pues buena parte de los temas ya habían sido anteriormente editados en EP.

Viaja a Argentina para rodar una película producida allí, que aquí en España se titularía finalmente "Digan lo que Digan" (Mario Camus, 1967). De este film van a salir un LP decente "BSO Digan lo que Digan" (Hispavox, 1969) y un extraordinario EP: "Digan lo que Digan" (La Voz de su Amo, 1967). Estas grabaciones argentinas para EMI-La Voz de su Amo le trajeron problemas, pues fue demandado por Hispavox, con quien tenía contrato. Las aguas volvieron a su cauce y a partir de enero de 1969 Raphael volverá al redil e Hispavox reeditará todo lo que hizo para La Voz de su Amo con lo cual existe duplicidad de discos en el periodo que va de septiembre del 67 a finales del 68.

En aquellos tiempos, Raphael emprende su particular conquista americana. No se conforma con abrirse paso en el mercado sudamericano, sino que debuta con llenazo de público en el Madison Square Garden en 1967 y aparece por primera vez en el Ed Sullivan Show, al que volverá en numerosas ocasiones. Al año siguiente actúa en lugares tan remotos como Japón o Rusia. En este último país alguno de sus discos registran ventas récord.

En ese tiempo, su discográfica de siempre, evidentemente enfadada con la actitud de su cantante estrella, pone toda la carne en el asador y publica "El Disco de Oro de Raphael. Vol 1" (Hispavox, 1968). Un disco que realmente recoge lo más granado hasta ese momento. Esta recopilación tendrá continuidad con "El Disco de Oro de Raphael. Vol 2" (Hispavox, 1973). Estos discos en sus varias ediciones en vinilo y casette cosecharon un muy elevado número de ventas.

Continúan sus apariciones en la gran pantalla con un par de películas que pretenden mostrar, siquiera en la ficción, las dos caras opuestas de la supuesta personalidad del cantante. "El Golfo" (Vicente Escrivá, 1969) y "El ángel" (Vicente Escrivá, 1969), propiciando nuevas canciones, casi siempre firmadas o adaptadas por Manuel Alejandro.

La nueva década de los 70 no sienta demasiado bien al cantante. Trabajador infatigable, sigue a lo suyo; sin embargo sus LP "Aleluya" Hispavox, 1970) y "Algo Más" (Hispavox, 1971) ya no alcanzan las gigantescas cifras de ventas de antaño, aunque el primero de ellos es de una calidad media muy estimable.

Un cierto hartazgo del público tras casi una década de discos y la eclosión de valores emergentes, entre los que destacan poderosamente Julio Iglesias y Camilo Sesto, amenazan su espacio natural. Así las cosas, Raphael se prodiga en Europa y América, especialmente en México. De aquellas actuaciones extranjeras nos ha llegado un documento de primera mano: su LP "Live at the Talk of the Town" (Hispavox, 1970).

El cantante va a resentirse bastante en la calidad y originalidad de sus grabaciones, entrando en un cierto bache y manufacturando algunos álbumes ciertamente poco interesantes durante los siguientes años, con la excepción de "Le Llaman Jesús" (Hispavox, 1973), un LP que nos presenta un Raphael casi convertido en cantautor y prestando su voz a los grandes de la especialidad: Brel, Chabuca Granda, Facundo Cabral, Mari Trini...

Pero su vida va a cambiar de forma importante. El 14 de julio de 1972, en la romántica Venecia, se casa en secreto con Natalia Figueroa, periodista, realizadora de televisión e hija del marqués de Santo Floro. La prensa, airada por haber quedado al margen del enlace, carga contra la pareja. Se llega a hablar abiertamente de montaje publicitario. Bueno, hoy sabemos que el montaje pronto cumplirá cuarenta años y que Rafael y Natalia son el ejemplo de matrimonio sólido que tanto envidian otros artistas, que gritaron a los cuatro vientos que se casaban enamoradísimos y cobraron exclusivas por juntarse y separarse.

El incansable artista va a seguir grabando álbumes con temas escritos para él y con clásicos hispanomaericanos, pero las ventas en España van a decrecer. El personaje ha devorado ya al cantante y muchas veces sus interpretaciones son imitaciones de sí mismo. En 1975 va a tener su propio programa de música y entrevistas en TVE: "El Mundo de Raphael" que apenas cubre cinco entregas antes de desaparecer. Otro en su lugar se habría retirado a disfrutar de un dinero y un prestigio ganados a ley. Pero eso es para los otros. Raphael sigue grabando y trabajando cada verano con el entusiasmo de un principiante.

En los últimos 70 se toma un respiro relativo y durante un tiempo vive en México, donde rodará el culebrón "Donde termina el camino". Su particular travesía del desierto va a alcanzar su recompensa a principios de los 80.

Va a entrar con fuerzas renovadas en la nueva década y en enero de 1980 publica "Y Sigo mi Camino" (Hispavox, 1980) que contenía la canción "Como yo te amo", que rivalizó con la versión que Rocío Jurado había grabado el año anterior. Después vendrían otros títulos históricos salpicados en los LP que de forma incansable fabricaba. Canciones que vuelven a ponerlo en los mejores puestos y que sobre todo en singles se venden la mar de bien. "Qué Sabe Nadie" (Hispavox, 1981) y "En Carne Viva / Se me Va" (Hispavox, 1981) consiguen el milagro de lograr su regreso a la primera línea. Además el LP "En Carne Viva" (Hispavox, 1981) será una de los más brillantes de toda su trayectoria.

Pero las buenas ventas de todos estos discos van a palidecer al lado de las de su doble LP recopilatorio "Ayer, Hoy y Siempre" (Hispavox, 1982) que entre ese año y los siguientes va a vender cincuenta millones de ejemplares en todo el mundo, convirtiéndose en su disco más vendido. Como el oro y el platino se habían quedado pobres para reconocer esa astronómica cifra, se ideó el llamado Disco de Uranio, que tan solo Raphael y más tarde Michel Jackson y Queen conseguirían. A partir de 1999 pasaría a denominarse Disco de Diamante, reservado a ventas millonarias.

Los mediados de los 80 vienen marcados por el nombre de un compositor: José Luis Perales, que va a componer para Raphael dos LP completos. El segundo de ellos, "Yo Sigo Siendo Aquel" (Hispavox, 1985), servirá para conmemorar las bodas de plata con la música de este ídolo de multitudes. Y para multitud la que se congregó ese mismo año en el acto apoteósico de este 25º aniversario en un concierto celebrado en el Santiago Bernabéu. Las rosas de aquel año mágico también trajeron espinas y el cantante comienza a tener serios problemas hepáticos que se irán agudizando con el tiempo y que le mantendrán en algunos momentos fuera de actividad. A principios del nuevo siglo se temió seriamente por su vida, que finalmente saldría adelante gracias al trasplante de hígado en 2003, una operación similar a la que un año antes había sufrido el otro gran vendedor de discos: Camilo Sesto.

En 1987, tras casi un cuarto de siglo en Hispavox, decide cambiar de aires discográficos y ficha por CBS, que pronto iba a ser absorbida por Epic y algo después, a su vez, por Sony. En esta marca seguirá publicando LP y CD, algunos de ellos escasamente conocidos en nuestro país. En uno de esos discos, concretamente dentro de "Ave Fénix" (Sony, 1992) iba a aparecer su canción "Escándalo", que relanzaría su carrera y lo iba a popularizar entre una nueva generación de fans. Este tema ha alcanzado tal popularidad, que ya esta palabra la pronunciamos con el mismo deje que le da Raphael cuando la canta.

En 2000 volverá al trajín diario de los escenarios, poniendo en escena el musical Dr. Jekyll y Mr. Hide" (Bricuse & Wildhorn, 1997), que supuso un auténtico palizón y una piedra de toque para el cantante, protagonista y productor de este espectáculo.

El incombustible Raphael seguirá siendo mirando adelante con discos que evidencian una cierta pérdida de recursos, pero que también denotan una sabiduría de gurú de la canción. Las nuevas generaciones (más que hablar de sus hijos casi habría que hacerlo de sus nietos) van a descubrirle y se ganará el respeto y admiración de las sucesivas hornadas de cantantes. Un respeto y una gratitud que se plasmará en el CD "Maldito Raphael" (EMI, 2001), en el que interpreta duetos con Alaska, Rocío Jurado, Jeanette y otras cantantes.

En 2003 tras su casi milagrosa recuperación, otro se habría quedado en caso a sopitas y buen vino. él no, él se metería en un estudio de grabación para salir con "De Vuelta" (EMI, 2003) bajo el brazo. En el otoño de 2006, tras publicar "Cerca de Ti" (EMI, 2006) se embarca en una gira mundial, que se extenderá y ocupará buena parte del siguiente año. Una vez finalizada, sacará "Raphael, 50 Años Después" (EMI, 2009), un triple CD grabado en directo en la Plaza de Toros de las Ventas con el que conmemora sus bodas de oro con la música. Incluye duetos con sus amigos; Serrat, David Bisbal, José Luis Perales, Miguel Bosé, etc.

La lista de reconocimientos y galardones es casi tan larga como la de su discografía y le han llovido los homenajes en estos últimos años. Solo voy a citar dos por su alto significado. En el 2000 se le concedió la Medalla al Mérito en el Trabajo, en el 2006 la Medalla de Oro de las Bellas Artes, ambas con pleno merecimiento, sin duda.

Raphael es el hilo conductor de un determinado tipo de música y nadie como él ha agotado sobrenombres y adjetivos. Es un icono vivo (esperemos que por mucho tiempo) de la música y la cultura españolas.

Finalmente, tengo que agradecer a ese coleccionista apasionado y generoso llamado Mijas y a la modélica web de los fans del cantante la cantidad de material y datos proporcionados. Sin su ayuda, podéis estar seguros, esta travesía musical no habría llegado nunca a puerto.

Edward y Los Windys

Sat, 28 Jan 2012 18:34:14 +0100

Granada fue una de las ciudades más prolíficas en los primeros 60, en lo que se refiere a partos de música moderna, En la ciudad de la Alhambra con el impulso de los cuatro hermanos Sánchez de Medina nacen en los primeros meses de 1961 Los Windys. Ellos son Carlos (guitarra), Fermín (bajo y contrabajo), álvaro (trompeta) y Javier (piano). A ellos se les une Francisco Guardia en la batería y un muchacho de Jaén que estudia en la universidad granadina, Eduardo López-Huertas, como cantante. En realidad, varios de ellos son universitarios y proceden de la tuna.

El sexteto comienza a actuar en distintos locales de su ciudad, haciendo sobre todo música melódica, al estilo de las orquestinas de la época. En 1962 tocan en la inauguración de los Jardines Neptuno y se convierten en el conjunto más famoso de su ciudad. álvaro y Carlos marchan a Madrid y abandonan el grupo para ser sustituidos por Miguel Quirós (saxo y clarinete) y el guitarrista Pepín Martín. Con esta formación renovada se les presenta la ocasión de actuar en TVE. Lían los bártulos y se presentan en El Show de Torrebruno.

Ya en 1963 siguen produciéndose cambios, entrando ahora como batería Rafael Ruíz y como bajista y segunda voz, Pepe Pérez, pasando Fermín, que es el único de los cuatro hermanos fundadores que va a seguir en el grupo, a encargarse del piano. Finalmente, las baquetas cambiarán de las manos de Rafael a las de Manuel Gaspe. Su estilo va evolucionando y ahora abrazan con furor el rock y el twist, aunque siempre sin perder la referencia de los cantantes italianos.

Fichan por la casa Fontana, emparentada con el sello Philips, donde hacen sus primeras grabaciones. En mayo de 1963 no ponen en circulación un disco, sino dos EPs de una tacada. En ellos aparece en la portada el nombre de Los Windys; sin embargo, en la trasera aparecen rebautizados como Edward y Los Windys. Son dos discos en los que mezclan balada italiana, twist y rock and roll. Los dos nos dan visiones distintas del conjunto. El primero explota la vena melódica y la voz de barítono de Eduardo, mientras el segundo: "What I Say / Cuando Mueren las Hojas / Livin' Lovin' Wreck / Oh Lorely" (Fontana, 1963) es un excelente ejemplo de lo que entonces llamábamos ritmos modernos.

Aquellos discos les abren nuevas puertas y comienzan a actuar en provincias limítrofes y en la Costa del Sol, aunque por encima de todo lo hacen en su feudo granadino, donde alcanzan la vitola de figuras, a pesar de ser escasamente conocidos fuera. Son la principal atracción del festival juvenil organizado por el Diario Ideal. Realizan actuaciones con otra granadina de lujo, la cantante Gelu, a la que acompañan en varias ocasiones. También han acompañado en alguna ocasión a una juvenil Rocío Durcal.

Como estos muchachos lo hacen todo a pares, en 1964 sacan otros dos EP a la vez, no sin antes incluir otro fichaje, el del guitarra Juan Castro. Dos discos que evidencian la mejora del conjunto respecto a los anteriores. "Una Lágrima en tus Ojos" (Fontana, 1964), cover del original de Bobby Solo y el trepidante "Shout" (Fontana, 1964) de Isley Brothers son sus temas principales respectivamente. Estos discos aparecerán ya bajo la denominación única de Edward y Los Windys. Ese año reciben el premio al mejor conjunto de Granada por votación popular. El sonido del grupo es heredero de los combos de los 50, debido al uso del piano acústico y los vientos como principales elementos sonoros. Por otra parte, la modulada y grave voz de Eduardo López-Huertas suena a José Guardiola y otros crooners de la anterior década. Eso confiere al grupo, incluso en sus temas más rítmicos, un aire acartonado.

A pesar de la incontestable fama que gozan en su tierra, rivalizando con los gaditanos The Rocking Boys por el oficioso título de mejor conjunto andaluz del momento, Edward y Los Windys quedan en 1965 sin contrato discográfico y poco a poco van convirtiéndose en conjunto-orquesta, amenizando bailes por toda la zona.

En 1968, firman un contrato para Belter. Publicarán con la casa catalana un solo single: "La Senda / Mi Recuerdo y Tú" (Belter, 1968) que aparecerá bajo el nombre de Eduardo y Los Windys. Poco tiene que ver con los anteriores. Acompañamiento orquestal para dos baladas edulcoradas que simplemente intentan resaltar la voz solista y dejan prácticamente fuera de la grabación al resto del grupo. Eduardo -Edward- clausura el grupo en 1969 para integrarse en Nosotras y Ellos.

Un conjunto de nombre internacional que logró la difícil hazaña de ser profetas e ídolos en su tierra, al precio de ser totalmente desconocidos en el resto del país.

Jiménez del Oso

Tue, 24 Jan 2012 19:07:12 +0100

Jiménez del Oso fue un psiquiatra y periodista español, especializado en temas de misterio y parapsicología, director de revistas como Más Allá de la Ciencia y numerosos programas de televisión. También es el nombre que escogen Juan del Oso (bajo y coros), Cris del Oso (tambores y voces) y Rafa del Oso (guitarra y voces) para hacer ruido, para mezclar punk, surf, garage, electrónica y noise, usando lenguas tan dispares como el inglés, el italiano, el catalán o el gallego. Se trata de una de las tres bandas que formarían Rafa Anido y Cris, las otras: Los Iribarnes y Jiménez Los Santos.

La banda nace en Santiago de Compostela (A Coruña) y pronto entrega su primera maqueta autoproducida: "Jiménez del Oso" (2005). Nueve temas que destilan rock, garage y punk... velocidad e intensidad. Composiciones propias y versiones, entre las que destacan: "3000 yonkis holandeses no pueden equivocarse", "She's my woman" (Crusaders), "Destruye y mata" (Desechables), "Primero demoler y luego el poder" y "Vente en mi boca" (de las mexicanas Ultrasónicas).

La banda sufre cambios en su formación, entrando Rubén del Oso que sustituye a Juan, cambiando el bajo por otra guitarra. Se asocian con la banda punk madrileña Coprolitos para afrontar la edición del split en vinilo 7" "Coprolitos / Jiménez Del Oso" (Coprolitos / Jiménez Del Oso, 2007). El proyecto, autogestionado, fue concebido por ambas partes: "Autoeditamos los discos entre los dos grupos y ni siquiera nos planteamos buscar a nadie que lo sacara. Fue una cosa hecha entre amigos", nos cuenta el bajista de Coprolitos Alberto. Según él, consiguieron "el sonido más cochambroso que hayamos llegado a grabar jamás". Jiménez del Oso graban su parte, tres canciones, en abril del 2007 en los estudios Abrigueiro (Friol, Lugo), y en la hoja interior muestran, amén de las letras de las tres canciones con las que participan, una foto de la que parece una actuación de la banda.

Son sólo tres temas pero constituyen una cara del disco que es una pequeña sorpresa y una gran maravilla. Por momentos recuerdan a Juanita y Los Feos con una mayor carga de energía y distorsión. "Contundentes en sus arquitecturas sonoras, facturan una de las caras de sencillo más apasionantes que recuerdo" (TGL de LaFonoteca).

En el terreno de lo anecdótico resulta digno de reseñar que la edición del sencillo compartido estuvo acompañada de varios detalles simpáticos. Por un lado, y a pesar de la petición expresa de las bandas que querían los discos en verde, la empresa alemana a la que encargaron el prensaje, envió vinilos en varios tonos de verde, azules, blancos y negros. Además, para las portadas, Alberto utilizó treinta dibujos diferentes de pequeños marcianitos que encargó a la clase de niños del colegio en el que trabajaba su tía. Así, como nos apunta él mismo: "Podría decirse que cada disco prácticamente era único".

Rafa Anido se centra en su banda paralela, Metralletas Lecheras, quedando Jiménez del Oso al margen. Tras un concierto en la Sala Wurlitzer de Madrid consiguen llamar la atención de Santi Bowery Records, el cual los ficha para su sello y les edita su debut en vinilo de 12": "Melodías Para Romanos" (Bowery, 2011).

Escorbuto Crónico

Tue, 24 Jan 2012 10:53:39 +0100

Si bien es cierto que las reverberaciones de la explosión del punk surgido a finales de los 70 en las Islas Británicas llegaron a nuestra música con Madrid, Barcelona y País Vasco como focos principales, limitar toda actividad en este estilo en los 80 a estos tres escenarios sería una enorme injusticia para un gran número de bandas de otros lugares. Muchas de ellas se vieron obligadas a subsistir con limitaciones geográficas y de infraestructuras a sumar a la repulsa de instituciones y sociedad bienpensante. Grupos como los primerísimos Siniestro Total, T.N.T., K.G.B., Interterror, La Resistencia, Seguridad Social, Qloaca Letal, por citar sólo unos pocos ejemplos, surgieron de sitios tan dispares como Vigo, Granada, Valencia, Valladolid... Algunos de ellos terminaron desplazándose a la capital del estado, donde ficharían con sellos allí afincados abriéndose así camino en el panorama musical. Mucho más complicada era la situación sin embargo para aquellos que estaban fuera de la Península. Así ocurrió por ejemplo con bandas canarias como Familia Real, Ataúd Vacante o Guerrilla Urbana. De entre todas ellas parece existir consenso en atribuir a Escorbuto Crónico la condición de grupo pionero y seminal en el desarrollo de la escena punk en el archipiélago.

Formados en 1977 en La Laguna (Tenerife), se estabilizan un par de años después, como trío con Miguel Díaz -Zurda- a la guitarra, Antonio Medina -El Bola- al bajo y José Manuel Lestón -El Lisón- a la batería. Comenzaron trabajando el "rock and roll potente y clásico" con el que el guitarrista nos cuenta que se habían criado. Sin embargo, tal y como lo describe Yotti, en la biografía de la banda que incluyó para el recopilatorio "Los 80 Pasan Factura" (Rumble, 2010), el uso de las fuentes clásicas no sirve más que de medio y excusa para volcar burla y crítica para con todo aquello que les rodea.

Zurda amplía el espectro de influencias desde MC5 hasta Dr. Feelgood "mezclado con el sonido aún más duro de la ola punk del 77". En el panorama nacional no dudan en señalar a La Banda Trapera del Río como principal referente, aunque ya desde entonces, desde sus principios, funcionaron "(...) como putas esponjas. Hasta el final, seguimos mamando de aquí y allá: grupos del estilo de los Partisans y peñas de ese estilo".

El guitarrista contaba a La Opinión de Tenerife la peculiar explosión cultural vivida en la ciudad de La Laguna: "Todo el mundo quería hacer cosas culturales, había pintores, escultores, actores, etc. y yo formaba parte de un grupo amplio de 'gamberros' -así se consideraba a los que no hacíamos nada sino lo que nos daba la gana- realmente interesados en el tema musical y que estábamos a la última, que no sólo teníamos unos conocimientos amplios de toda la música afroamericana de los 60 y 70 sino que nos había llegado con fuerza la onda británica del punk de 1977".

Su bautismo de fuego se produce en otoño de 1980 en el salón de actos de la Universidad Laboral de La Laguna. Es sin embargo con el concierto que dieron un año después en el Colegio Mayor San Fernando que se sienten como grupo ya hecho. Así lo siente nuestro interlocutor: "Aquel bolo si se grabó. Todavía oyes la maqueta y te impresiona por su fuerza y como aullaba el público. Porque ahí, y a partir de entonces, las actuaciones eran demenciales con una carga de violencia e intensidad que quizás nunca conseguimos plasmar en las grabaciones en estudio."

Es precisamente en directo donde quedan registradas todas las maquetas de la primera etapa del grupo. "Nunca grabábamos maquetas en estudios ni en el local de ensayo, en parte por falta total de medios". El local al que se refiere Zurda es la "cuadra" en la que practicarían siempre, tras cambiar la casa de su padre en la que empezaron: "Una casucha en pleno casco viejo de La Laguna declarada en ruina desde los años 30 del siglo pasado que fuimos acondicionando e insonorizando paulatinamente pero respetando su pestazo a humedad, porquería y suciedad permanente e inconfundible".

En verano de 1982 se producen cambios en la formación, ya que Bola se marcha, entrando en su sustitución Miguel ángel Lestón -Chiru-, hermano de Lisón, y Jordi Marques -Jordi- se hará cargo del micrófono, labor en la que se iban turnando hasta entonces, el trío original.

A un kilómetro escaso de su local de ensayo, en la misma La Laguna, se instalaría el estudio de grabación Manzana Recording, centro de operaciones del sello Ja Ja Records. Serán los responsables de esta compañía los que se pondrán en contacto con la banda para proponerles la edición de material del grupo. Es en 1982 que con Javier Segura como ingeniero en el estudio y su hermano Alberto como productor, y en una sesión de la que Zurda no recuerda nada destacable "como no fuera una evidente falta de medios, equipo y de un productor capacitado", registran dos temas.

Como resultado salió a la calle "Documentación" (Ja Ja, 1982), un sencillo con la canción que da título al disco por la cara A y "Tieso talegos" en la segunda cara. Canción contra el abuso policial, redactada desde la supuesta posición del agente represor, desde los mismos comienzos en su formación en las labores de sabueso, "Documentación" se convertía en una de las primeras críticas contra instituciones que se editase en Canarias. Formas y maneras que no tienen nada que envidiar al punk facturado en otras latitudes, matizado quizás con las robusteces del rock callejero que apreciaban de La Banda Trapera del Río.

Meses después de la grabación del disco el relevo se produciría en la batería, de la que se ocuparía Jorge Cortizas -Kuervo-. Lisón, tras marcharse de Escorbuto Crónico, entraría en la formación original de Guerrilla Urbana. Zurda, que seguirá con guitarra, letras y coros, quedará pues como único miembro fundador del grupo.

La actividad de la banda se extiende más allá de lo estrictamente musical. Como relata Yotti en su relato de la trayectoria del combo canario, Escorbuto Crónico entra en el núcleo que forma el fanzine "CIRROSIS. órgano oficial del colectivo de grupos punks, skins y demás malformaciones congénitas urbanas de nuestra muy odiada ciudad de La Laguna". La publicación sería catalizador y cronista del nacimiento de más grupos canarios en coordenadas similares como Tiro En La Nuca, Vado Permanente, Conemrad, Rebaño de Dios...

La escena que van conformando estas bandas se cimenta en la rabia y frustración retroalimentada por la reacción en contra de un entorno que de manera claustrofóbica reprime todo intento de protesta o de simple forma de expresión de una camada de jóvenes descontentos. En el caso de los propio Escorbuto Crónico será la ciudad de La Laguna, aparentemente más preocupada por mostrar una apariencia coqueta para con el exterior, y el ambiente universitario, al que perciben como pedante y exclusivista, los blancos a los que dirigen las proclamas y escupitajos de sus canciones. Como ya hicieran en tiempos La Banda Trapera del Río con Barcelona, o terminaría haciendo último Resorte con la misma ciudad condal y M.C.D. con Bilbao, Escorbuto Crónico convertiría a su localidad en la ciudad retrete que había que matar.

Zurda indicaba en la arriba mencionada entrevista a La Opinión de Tenerife que, de algún modo, al amortiguarse toda la intensidad de rebelión política de la universidad, los grupos de punk comenzaron a ser el centro de atención a reprimir: "Para lo que había sido la escena musical hasta ese momento en Canarias los conciertos eran realmente incendiarios, la gente saltaba, brincaba, se escupían, lanzaban botellas y se lo pasaba bomba. A través de nuestras letras les hablábamos de los problemas que realmente teníamos y veíamos en la calle".

Todo se dispararía con los acontecimientos vividos durante el carnaval de 1983. Un equipo de Radio3, llegados a las islas con la intención de dar una visión alternativa de los festejos "que no fuera lo típico de las murgas", desoyendo las indicaciones dadas de las altas instancias, subieron a Escorbuto Crónico al set para actuaciones que habían montado en la Plaza de España de Santa Cruz. Así relataba el acontecimiento Zurda: "Así fue cómo tocamos para toda España y en directo. Una de las canciones era California über Alles, una versión del grupo norteamericano Dead Kennedys, y a mí no se me ocurrió otra cosa que dedicársela literalmente al hijoputa de Ronald Reagan, entonces presidente de los EEUU, el más nefasto hasta la llegada de Bush hijo... Imagínate la que se lió. Al día siguiente salió en la portada del ABC, diciendo que aquello no había derecho y tal y cual, que salían cuatro gamberros insultando al presidente de un país que era el reflejo de la civilización occidental. Cortaron cabezas y todo en RTVE".

La banda quiso aprovechar la salida del sencillo como pasaporte con el que poder salir fuera de los límites que les imponía la reclusión insular. La prensa local llegó a hablar de una posible emigración del grupo a Madrid. Ellos no desperdiciaron ocasión para manifestar su agobio: "Para buscarnos la vida tenemos que marcharnos de aquí, la gente nos responsabiliza durante las actuaciones de hechos en los que no tenemos nada que ver y donde casi siempre somos los más perjudicados".

A pesar de la buena acogida del disco y de sus ventas más que aceptables, la banda siente que el ritmo de actuaciones no es lo suficientemente bueno como para garantizar una promoción adecuada. Sin embargo ante la ausencia de otras alternativas para poder editar nuevos trabajos, acceden a una nueva grabación con el sello de los hermanos Segura.

Desde Ja Ja Records les sondean sobre la línea que sigue la banda. Zurda nos cuenta que les hicieron llegar una "demo pre-producción de cara a la grabación de un LP" para mostrarles como sonaban las nuevas canciones. Es entonces que "prácticamente en directo" registran una docena de temas, que no llegarían a ver la luz, ya que los acontecimientos no se desarrollarían según lo planeado. "Lo que ocurrió fue que al escuchar la dirección de la discográfica el material se acojonó. Aquello era demasiado, según ellos "una salvajada", y las letras demasiado "radicales" y decidieron no arriesgarse a grabarnos un disco".

Zurda comenta, quizás en un ejercicio de venganza postrera: "La demostración de que en Ja Ja Records comprendieron su error a posteriori fue que con Guerrilla Urbana, seis años más tarde, no tuvieron problema alguno en producir y editar los dos primeros discos de esta formación".

El LP no editado contenía muy buen material, con canciones que habían girado sin rubor hacia posiciones marcadamente cercanas al punk-hardcore, oi! más rabioso. Dejaban así atrás los remoloneos más rockistas de los dos temas del sencillo "Documentación", y se sumergen en sus letras en las críticas más despiadadas para con la Iglesia, militares, policía y cómo no, su La Laguna natal. Quien no tuvo en su momento problema para acordarse del presidente de los EEUU, no se echaba atrás para gritar a los cuatro vientos su intención de ir a Roma a liquidar al Papa. Una oportunidad única desperdiciada por la compañía de haber mostrado las capacidades de la escena canaria en su debido momento.

A los reveses discográficos se une el cerco policial, de instituciones y medios contra la banda y su entorno. Con varias denuncias a sus espaldas por molestias a vecinos y relacionados con una gran cantidad de alborotos y sucesos varios, las ganas de abandonar las islas se hacen acuciantes. Hasta el punto de que en octubre de 1983 terminan haciéndolo con destino al País Vasco. "La presión policial sobre los miembros del grupo había llegado a tal extremo por esa época, que tuvimos literalmente que exiliarnos casi de extranjis, pues era eso o acabar en el trullo. Iban a por nosotros".

El País Vasco de los 80 no parece un destino elegido al azar, ya que allí se está viviendo una auténtica efervescencia. Se establecen en Rentería (Guipuzcoa) "en medio de un ambiente de gran conflictividad social y política", y compartirán local de ensayo con Basura y Odio. Precisamente con miembros de ambas bandas aparecería mucho más tarde Zurda en el documental "No Acepto" (José A. Alfonso / Alberto Bocos Oyarbide, 2007). Casi recién llegados tocan en uno de los eventos históricos de todo lo que estaba aconteciendo allí: el concierto-festival anti-OTAN que se celebraría en Tudela (Navarra) y del que el guitarrista canario recuerda especialmente a unos primerísimos Barricada. Unos pocos meses después la cita sería en Arrasate-Mondragón (Guipuzcoa). "Allí compartimos escenario con R.I.P., Eskorbuto, Hertzainak, Basura y no se si Cicatriz y alguno más. La tocata terminó con una noche de disturbios y el intento de asalto al Ayuntamiento de Mondragón por la detención de un borracho". No exagera Zurda pues cuando nos dice: "En otras palabras acabamos tocando con el núcleo primigenio de lo que posteriormente se llegó a llamar, erróneamente, como Rock Radikal Vasco".

Tras unos cuantos meses de exilio vasco, vuelven de nuevo a Canarias, aunque el recorrido de la banda no sería ya muy largo. En algunos de los conciertos registrados ese año se les aprecia ciertos dejes de su estancia por el norte de España. Himnos del Athletic club de Bilbao y amagos del "Eusko Gudariak" así lo atestiguan. Su último concierto fue en mayo de 1984, tras varios meses en los que no habían tocado ya. Tuvieron tiempo antes, eso sí, de verse salpicados por el asesinato en enero de ese mismo año del dirigente de las Juventudes Socialistas de la isla de La Palma. El homicidio sería el desencadenante de una serie de medidas policiales contra la escena punk insular al haberse reconocido como sospechoso a una persona que vestía con una chupa de cuero. Prensa e instituciones acusan sin reparo a la banda y colectivos afines que, en respuesta, no dudan en formar una "Coordinadora de Grupos Punk" en su defensa. En rueda de prensa celebrada el 16 de enero, un par de días después del fallecimiento del político manifestaban: "No necesitamos navajas para ir por la vida y defender nuestras ideas".

Después del mencionado concierto de mayo cesa la actividad de la banda, o como gustaba de comentar Chiru posteriormente: "Sencillamente no quedamos para el siguiente ensayo". Sí lo hicieron para los de los proyectos posteriores de sus componentes. Jordi y Cuervo formarían Conemrad con otros miembros de Vado Permanente, mientras que Chiru primero, y luego Zurda, entrarían en Guerrilla Urbana. También terminaría en esta banda, años después, el propio Cuervo.

La historia de Escorbuto Crónico podría haber terminado entonces, quedando como un grupo fundamental para abrir la brecha del punk en un ambiente hostil, pero hundido en su condición de banda maldita. Fueron varios, sin embargo, los que creyeron necesario conceder una segunda oportunidad aumentando su legado, sacando para ello a la luz el material que no pudieron editar cuando seguían vivos. Así, el fanzine Tenerife Orín Desteñido incluyó en su nº 4 en 1987 en formato de cinta de cassette las trece canciones que debieran de haber conformado su LP. Su responsable Tito Expósito ya avisaba entonces de la mala calidad de sonido debido a que se trataba de una copia de una cinta original de unas canciones que además no se habían mezclado nunca.

Más adelante el sello de Alcobendas (Madrid) Radikal 1977 reeditaría el sencillo "Documentación"; además en dos tandas: la primera en el 2003, con seiscientas copias en vinilo negro y cien en vinilo rojo transparente. Ya en 2008 editaría medio millar de copias con un libreto incluido en el interior. Por otro lado, el recopilatorio "La Chusma No Se Rinde" (Tonto, 2003) ofrecería al oyente el LP más algún tema extraído de directos de la banda en 1981. Pieza fundamental para el seguidor del grupo, incluía libreto con entrevista a Zurda del año 2002 además de las letras y fotos. En similar filosofía, generosa en información, se diseña el ya mencionado CD-digipack de Rumble "Los 80 Pasan Factura", confeccionado de la mano de Yotti, responsable del blog del mismo nombre. El trabajo incluía el sencillo "Documentación", el LP y un tema en directo, "Peste negra blues", que no aparece acreditado. Se acompañaba todo de un libreto con la biografía de la banda y abundante material gráfico.

Todo este esfuerzo por recuperar lo producido por Escorbuto Crónico no es más que la consecuencia lógica de un ejercicio de mínima justicia para con una banda pionera y un esfuerzo por garantizar su posible escucha para generaciones posteriores.

Jiménez los Santos

Mon, 16 Jan 2012 20:42:45 +0100

Rafa Anido es una de las mentes más inquietas de la escena más subterránea gallega. Ideólogo del Galician Bizarre, ha fundado un sinfín de grupos a lo largo de su carrera. En la actualidad se ha asentado con Metralletas Lecheras, pero en la segunda parte de la década del 2000 montó bandas como Los Iribarnes, Jiménez del Oso y la que nos ocupa, Jiménez los Santos.

Una banda formada en Santiago de Compostela en la que nos encontramos a Cris (bajo, voz y teclado), Quique (voz y guitarra) y al propio Rafa Anido (tambores). Si en su anterior andadura el nombre de Los Iribarnes era un guiño a Fraga, en esta ocasión el chiste es a costa del periodista Federico Jiménez Losantos (La Cope, Intereconomía, El Mundo...).

Ellos reconocen influencias de "Siniestro Total, Wire, The Fall, La Cope y Black Flag" y definen su sonido como "Cañita Brava de tapas con Mick Collins", y su sello Discos de Mierda como "Punk mongolo. Canciones cortas que destilan urgencia, primitivismo y morriña punk a partes iguales. La cara buena de los Lost Sounds se junta con la cara-dura de los Monitors para meterse de lleno en el segundo LP de Loli and The Chones y grabar seis temas que podrían encajar perfectamente en un hipotético Bloodstains across Galicia (76-82)". Así lo suscriben en la hoja de promoción de su single 7" debut "Jiménez los Santos" (Discos de Mierda, 2008).

Un disco grabado en Villa Melocotón (Milladoiro) por Roberto Mallo que sale al mercado en edición limitada con cuatro diseños diferentes, siendo las más llamativas y originales la portada convertible en dos -consiste en un juego de dobleces por el que la cara del niño se transforma en la cara del ilustre tertuliano- y la edición especial Heavy Metal Series -parodia de la portada del "The Number of the Beast" (Sony, 1982) de Iron Maiden-. El diseño es obra de Mugretone, con ese niño tocando el tambor con tintes a "El Tambor de Hojalata" (Günter Grass, 1959).

Entre los seis cortes del single nos encontramos con su particular versión del "No te vuelvas portar mal" de Novedades Carminha y cinco composiciones propias, sucias y aceleradas, entre las que destaca su hit "Te voy a taladrar".

La formación tiene una vida breve pero intensa, ganando enteros con un potente y divertido directo que los lleva a compartir escenario con formaciones como Fabuloso Combo Espectro y Capitán Entresijos.

Rafa Anido se centra en su banda paralela, Metralletas Lecheras, quedando Jiménez los Santos al margen. Tras un concierto en la Sala Wurlitzer de Madrid consiguen llamar la atención de Santi Bowery Records, el cual los ficha para su sello y les edita su debut en vinilo de 12": "Melodías Para Romanos" (Bowery, 2011).

Vilma y Los Señores

Sat, 14 Jan 2012 21:21:01 +0100

Resulta que ni Vilma se llama de verdad así, sino que es Gema Martín Consuegra, ni Los Señores son personas sin identificar, sino que se trata de Ricardo Moreno y David Gwyn. Además ninguno de los dos es un desconocido, ya que han pertenecido a bandas como Zoquillos, Monaguillosh, Los Ronaldos, La Marabunta, Marlango, Fangoria o acompañando a gente como Josele Santiago, Quique González, Christina Rosenvinge o Nacho Mastretta. Pero a pesar de estos historiales tan impresionantes, Vilma y Los Señores se forma alrededor de Gema y de sus canciones, las que compone y canta. Resulta encima que la experiencia en estos asuntos de la cantante eran, hasta el momento de ponerse el grupo en funcionamiento, prácticamente nula.

Y es que Gema, profesora de yoga, lengua y literatura, de cuarenta años en aquel momento, contaba en entrevista al diario El Pais, no terminaba de encontrarse totalmente a gusto como docente en el instituto de Formación Profesional en el que trabajaba: "Me gustaba el trabajo pero me sentía como Wilt, el personaje deTom Sharpe, que enseñaba Literatura a chicos de Mecánica". Así que un día, en el que por lo visto llegó algo más tarde a casa, se decide a seguir clases de canto. Pero la revolución en casa no acabó ahí, ya que Ricardo, su marido, descubre las canciones que lleva componiendo desde hace ya un tiempo. "Yo ni siquiera sabía que componía y un día le escuché unas canciones y me sorprendí. Las escuchó David y enseguida quiso trabajar con ellas", contaba Ricardo a la revista World Music. Además, los dos músicos, llevaban hablando tiempo atrás de la posibilidad de hacer algo juntos. La frescura y arrojo de Gema y las canciones que "componía para pasar el rato", se transforman en la razón de ser y excusa del nuevo grupo.

Grupo que empieza a andar al comienzo del 2007. El porqué del nombre que adoptan tiene que ver con los gustos televisivos de Gema: "A mi me encanta Vilma Picapiedra desde pequeña y soy pelirroja; ellos ya tienen una larga trayectoria y con ese nombre no engañan a nadie", nos cuenta ella.

El 13 de marzo de ese mismo año están ya en disposición de dar el primer concierto. Lo hacen en la sala madrileña Costello. Es fácil comprobar que las sensaciones de aquel debut tardarán en difuminarse para Gema: "No podré olvidarlo, estaba lleno de gente y nos aplaudían sin parar. Qué alegría, no lo había experimentado nunca, ellos dos sí".

Los ensayos son en una casa, "en una buhardilla en luz de día", como le contaban a la revista Mondosonoro. Parece el marco justo en el que centrarse en el intimismo y la sencillez. Precisamente una de las claves en las que se basa el engranaje entre cantante y músicos apunta en esa dirección: "Yo estaba empezando, ellos eran expertos pero llegamos a un punto de entendimiento natural pues los tres queríamos sencillez en los acompañamientos, un sonido acústico (...) No necesitamos de muchos vatios".

Con estos presupuestos trabajan las querencias por los aires mexicanos que de siempre han gustado a Gema, las delicias a la guitarra de David, gustoso a reforzar cualquier atisbo fronterizo en la apuesta de la compositora y el espacio que encuentra Ricardo para sus percusiones y marimbas.

De las posibilidades de su propuesta se hacen eco en Karonte, que tras escucharles en una actuación les ofrece la grabación de un disco. Para el mismo, montan pronto una generosa lista de temas en el estudio Audiomatic asistidos por Jose María Rosillo. La posible desnudez de las bases sentadas por el trío se reviste con la aportación de una larga lista de colaboradores que se ponen a su lado: Pablo Novoa (Golpes Bajos) y Miguel Malla, firmantes de similares aportaciones de discos de Los Ronaldos desde su "Sabor Salado" (EMI, 1990), Nacho Mastretta, Pablo Navarro...

Con todos estos ingredientes es con lo que se cuece "Turbulencias" (Karonte, 2008), el primer disco de Vilma y Los Señores. Al estrictamente personal estilo que impregna el disco gustan de llamarlo Panamericana, una etiqueta con la que pretenden aunar "la música norte y sudamericana" que siempre le ha gustado a Gema, y el blues, soul y country que se le suponen, por añadidura, a David por su condición de californiano.

Hay incluso una pequeña pizca de siniestralidades en ciertos pasajes que bien pudiera tener su origen, más que a posibles peculiaridades de la cultura y arte mejicanos para con muertos y espíritus, en algo que según nos dice Gema, su amigo Nacho Canut le repite siempre que tiene ocasión: "Se nota que yo de adolescente era gótica y me encantaban Siouxie and The Banshees, Nick Cave...".

Es de esta forma en la que se conforma el envoltorio adecuado para unas letras para nada descuidadas: "Las letras son importantísimas para nosotros, en ellas se habla de episodios personales o historias que nos han llamado la atención". Aunque no tiene problema alguno en reconocer que "Turbulencias" es un disco marcado por las inestabilidades por las que pasaba la cantante en aquel momento, nos previene antes de lanzarnos a sacar conclusiones precipitadas. La determinación con la que se embarcó en el proyecto musical no tiene que ver con la superación de la esclerosis múltiple que le acompaña desde que tenía veinticuatro años: "No empecé a componer por ello conscientemente, pero es cierto que me ayuda a llevarlo todo mejor. Con ello me evado de pensar en cosas horribles pero no es la razón de la creación del grupo".

La acogida del disco entre prensa especializada y entorno artístico de la banda sobrepasa el mero cariño para con una principiante. De su voz, se ha dicho que es bellamente imperfecta, y que consigue extraer clásicos de las canciones que ejecuta. La audiencia más receptiva a la propuesta del grupo gusta de esa mezcla de intimismo y carácter. Gema nos describe la sala ideal en la que mejor se desenvuelven: "Locales donde el público sabe que va a escuchar música, en silencio por el bajo volumen del escenario. Suelen ser sitios con asientos y así conseguimos crear un ambiente de auditorio donde no hace falta mucho volumen. Aunque nuestro público no es numeroso si es muy respetuoso, nos escuchan y podemos hacer los matices que queremos".

Reciben la invitacion para tocar en los conciertos de Radio 3, donde pudieron mostrar las maneras con las que se defienden en las tablas. Por supuesto, Gema no encontró tiempo para preocupaciones por encarar experiencias novedosas: "La relación con la cámara fenomenal, no hubo parones para repetir y el público, maravilloso. Un amigo mío al verlo me comentó 'la cámara te quiere' a lo que yo respondí 'a mí ella me gusta, no me asusta, me divierte'.

En dicha actuación les acompañó Juan de Dios Martín como bajista y teclista, con el que se mostraron encantados, hasta el punto de proyectar la grabación de un nuevo trabajo con él. "Tempus Fugit" (Karonte, 2010) reincide en muchas de las coordenadas con las que empezó a trabajar el grupo. Por ejemplo en detalles, nada baladí, como sello, productor y diseñador, que como en el trabajo anterior es Nelson B. Aunque los tonos oscuros del ojo que preside la portada pudieran dar a entender una vuelta más en posibles torturas interiores, el caso es que el grupo coincide en señalar que se trata de un disco más luminoso anímicamente.

En lo musical presenta unos temas que salen ganando con la inclusión de un elemento más en la banda, y que siguen teniendo las mismas referencias en aires fronterizos, intimistas, sobrecogedoramente tiernos y oscuros. Que el proyecto va en serio es ya más que evidente y cada vez resulta más fácil implicar a amigos de profesión en el mismo de una u otra manera. Para "Tempus Fugit", por ejemplo, además de repetir con alguno de los colaboradores del disco anterior reclutan a Xoel López (Deluxe) para voces de apoyo o a Coque Malla, al que le piden que toque guitarras.

Juan de Dios, que es también productor, encuentra compromisos que le impiden implicarse más en el grupo. En su sustitución recurren a otro amigo, Luis García, que ya coincidiera con Ricardo en Los Ronaldos. Su incorporación se produce el 9 de marzo de 2011, en el concierto que diera la banda en un teatro de Oviedo.

Aunque entrevistados por World Music manifestaban las dificultades que impone, a la hora de salir a tocar, el hecho de que sean las propias bandas las que contratan a las salas para sus actuaciones, lo cierto es que ya han tenido ocasión de viajar a distintos puntos de la geografía española.

Se les ve cuerda para rato. A Gema la energía parece desparramársele por los cuatro costados; a Los Señores, su nueva faceta, la de buscar su sitio musical alrededor de esta madre coraje de la canción, les parece haber insuflado ganas y alegrías renovadas, y la madurez que van adquiriendo los pilares de la banda, la voz de ella, las letras, bien suyas o de Ricardo, y el refuerzo cada vez mayor de músicos de prestigio de alrededor, vaticinan que la cosa sólo puede ir a mejor.

Por si acaso Gema, digo Vilma, ya ha avisado a su técnico y productor de confianza, Jose María Rodillo, de que se vaya preparando, que ya tienen material nuevo.

La Estrella de David

Tue, 10 Jan 2012 21:42:45 +0100

David Rodríguez es uno de los grandes agitadores y experimentadores de la escena independiente nacional. De entrada formó parte de la primera generación indie en los 90, con los primigenios Bach is Dead, para posteriormente iniciar nuevos proyectos como Beef y Telefilme -con Tito Pintado-. Además de sus labores de producción -La Bien Querida, Los Punsetes- también tiene tiempo para presentarnos una nueva personalidad: la del cantautor pop que muestra su lado más íntimo y personal. Su nombre, La Estrella de David. Una estrella que brilla con luz propia.

En una entrevista concedida a Pablo Gil (Rockdelux, 2011), David explicaba los motivos que lo mueven a cambiar de tercio y componer canciones pop en castellano: "Con esto de cantar canciones de amor y en castellano lo que intento es llegar a las chicas, que son al final a las que realmente, como hombre, quiero gustar, más que a los críticos... Yo lo hago lo mejor que puedo, no tengo conciencia de que sea algo raro, sino que me parece una cosa normal. Voy cantando, diciendo cositas con mis recursitos. Yo lo veo accesible, aunque al parecer no lo es. Lo que pasa es que no me gusta encontrar una fórmula o un cliché y aplicarlo siempre, sino hacer cosas que no haya hecho antes, aunque en el fondo siempre haces la misma canción, porque el pop-rock es una cosa superidiota".

Su primera entrega como La Estrella de David llega en el 2007, "La Estrella de David" (El Ejército Rojo, 2007), de la mano de El Ejército Rojo, el sello de Los Planetas. Dieciocho canciones ideadas en casa y grabadas sobre la marcha para obtener como resultado una pequeña joya que pasó más desapercibida de lo que debiera. Un trabajo que encumbra la baja fidelidad, los pequeños golpes de efecto y los arreglos brillantes. Joe Crepúsculo aporta sus coros en el tema que abre el disco, "Tremendas amazonas", Guille Mostaza (Ellos) hace lo propio en "Bellísimos" y David recupera "Fin de año" -versión del corte de Beef que forma parte de "La Bohème" (Elefant, 2002)-.

A continuación David produce dos importantes discos: "Romancero" (Elefant, 2009) de La Bien Querida y "LP2" (Everlasting, 2010) de Los Punsetes; se asocia con Joe Crepúsculo para poner en marcha Junco & Diamante y aún le queda tiempo para preparar el segundo asalto de La Estrella de David: "Maracaibo" (Canadá, 2011). Diez composiciones propias, más una coescrita con Manu Ferrón (Grupo de Expertos Solynieve) y una versión de "La carretera", el clásico de Roberto Livi y Rafael Ferro inmortalizada por Julio Iglesias. Entre las colaboraciones nos encontramos a Ana Fernández Villaverde (La Bien Querida), Paprika Joe (Beef), Joe Crepúsculo, Spazzfrika Ehd (Za!), Jordi Irizar, Germán Carrascosa (La Otra Gloria) y Sergio Pérez (Thelemáticos), entre otros. Como anécdota decir que la fotografía de la cubierta proviene de una vieja revista de manualidades infantiles encontrada en un bar por David.

Su intención con este disco es hacer música más emocional y menos cerebral, bellos pasajes que pretenden alcanzar la emoción del oyente: "Cuento momentos de la vida que me han marcado, que me han emocionado, y de ese modo espero emocionar a los demás". Tenemos que decir que lo ha logrado con creces.

En 2012 participa en el tributo a Daniel Johnston "Coloreando a Daniel Johnston: La Historia de un Artista" (2012) con "La Motocicleta (Speeding motorcycle)". El tributo surge de dos amigos granadinos que editan un fanzine+cassette con versiones del cantautor norrteamericano a cargo de grupos indies nacionales e internacionales como Las Robertas.

María Mendiola

Tue, 10 Jan 2012 16:31:59 +0100

Cuando en 1982 Baccara se separa de forma bien traumática con la publicación de un flojo LP forzado contractualmente por RCA, sus dos componentes inician una urgente y breve carrera en solitario. Ambas desean demostrar que el triunfo del dúo les pertenece en exclusiva, minimizando el papel de la otra. Ninguna de las dos va a reeditar triunfos y ventas anteriores cuando eran la pareja femenina de moda y sus temas eran números obligados en todas las discotecas europeas. Dentro de la pobre proyección de sus respectivas carreras solistas, María Mendiola fue la que más empeño puso y la que cosechó mayores reconocimientos. Como Mayte continuó en RCA, María recaló en la potente CBS.

María Mendiola había nacido en Madrid, en 1952 y sus andanzas artísticas se habían iniciado como bailarina y posteriormente coreógrafa. Una labor que hacia 1975 le permitió entrar en el ballet de TVE. Ahí coincidió con Mayte y de allí salieron en 1977 para convertirse en una de las atracciones más cotizadas y vendedoras de la época. No me extiendo más en el apunte pues pueden leerlo con mucho más detalle en la referencia de Baccara.

Su nueva discográfica va a preparar una campaña de lanzamiento bastante potente con el LP "Born Again" (CBS, 1982), que se grabó en Alemania con los músicos que habitualmente habían acompañado al dúo y un estilo discotequero muy similar al que exhibía la pareja. El long play no funciona para nada, aunque el sencillo: "Sugar Boom Boom" (CBS, 1982) obtiene al menos una tibia acogida en el mercado español. Con todo, el sello decide dar por buenas las pérdidas y rescindir el contrato.

María Mendiola va a bajar un tanto el listón, va a regresar a España y ficha por un sello español, Movieplay. Allí va a publicar una versión discotequera del viejo tema de Neil Sedaka "Stupid Cupid" (Movieplay, 1983), que en el extranjero fue distribuido por Virgin. Ni aquí ni fuera se dieron por enterados de su existencia. Unos meses después en plena fiebre del aerobic y con un programa televisivo de máxima audiencia dedicado al ejercicio de mantenimiento, publica "Aerobic" (Movieplay, 1983). Un tema destinado a acompañar los meneos gimnásticos con toda su parafernalia de calentadores, maillots coloridos y cintas en el pelo.

Ahí se acabó por inanición la carrera solitaria de María Mendiola, pues sus dos sencillos para Movieplay no consiguieron el objetivo de reverdecer de nuevo a la rosa bácara. María comenzó a hacer revista con bastante éxito, participando en algunas producciones teatrales y televisivas del género. Ya en 1987 volvería a retomar la canción, formando el dúo New Baccara, que con distintas denominaciones y compañeras ha llegado hasta la primera década del siglo XXI.

Don Francisco y José Luis

Sat, 07 Jan 2012 16:56:17 +0100

En 1975 el grupo más vendedor de toda la década, Fórmula V, decide disolverse. Su carismático cantante y líder, Francisco de Asís Pastor, comúnmente conocido como Paco Pastor, no va a seguir el camino de sus viejos compañeros y decide emprender un nuevo proyecto musical. Al fin y al cabo, su cara de pilluelo simpático es uno de los rostros más conocidos del pop español y su crédito comercial va más que sobrado. Apenas unas semanas después de la separación de su grupo, la radio ya comienza a hablar del dúo Don Francisco y José Luis, anunciando su próximo lanzamiento.

La otra mitad de la pareja es José Luis Moreno Recuero, que en 1974 ya había compuesto para Fórmula V algunas canciones, como "Feria" y "El hombre de poligoma". También había hecho sus pinitos en solitario con un par de sencillos publicados bajo el sobrenombre de Gypsy.

El sello Novola los ficha rápidamente. Ellos se lo curran y Paco se harta de explicar en radios y revistas que esto no tiene nada que ver con su anterior trabajo, que ahora es un hombre serio, que ha madurado, que quiere hacer pop acústico, que sus letras van a tener un contenido social importante, que junto a su nuevo compañero se ha convertido en un cantautor. Y todo aquello era cierto; sin embargo, la afición esperaba otra cosa de uno de los paradigmas de la pachanga española y el cambio de mentalidad de la audiencia se presentaba complicado.

El lanzamiento discográfico se apoya en dos patas. De un lado el single "Necesitas Saber Caer / Situación Coyuntural" (Novola, 1975). Por otro lado, todo un LP con composiciones propias: "Don Francisco y José Luis" (Novola, 1975), con canciones interesantes como "Ilustrísimo poder", que es casi un alegato con tintes autobiográficos de Paco, o "Mil estrellas en un calcetín". Una de las canciones previstas era "El sexocarril", que va a ser censurada, prohibida y es reconvertida en "El hombre lobo", con letra menos explícita. Pero el invento no funciona y a pesar de apariciones televisivas, presentación en Madrid y páginas en papel couché, no venden casi nada.

¿Cuál es el problema? Sus canciones no eran malas ni exentas de atractivo. Pero la pareja había llegado al pastel acústico con evidente retraso. Sus canciones estaban en línea con las de de otros dúos como José y Manuel o Víctor y Diego, con arreglos y líneas melódicas similares a grupos triunfadores como Santabárbara o Solera. Pero todos los nombrados habían vivido su máximo esplendor en años anteriores. Esa veta ya estaba agotada y del pastel acústico no quedaban ni las migas.

Al siguiente año van a publicar un nuevo sencillo, "El Tren del Amor" (Novola, 1976), que no es otra cosa que "El sexocarril" anteriormente censurado. El primero de sus singles no había tenido un recorrido comercial largo, pero al menos se había escuchado mucho, siquiera por la curiosidad de conocer la nueva propuesta de Paco Pastor. Este segundo, ni eso. Pasó sin pena ni gloria y poco antes de cumplir un año de edad, el dúo se deshace sin aspavientos.

Ambos van a continuar su carrera. Paco Pastor publicará un long play en solitario, mientras que José Luis grabará con este nombre un sencillo para convertirse a renglón seguido en el ácido humorista, Pepín Tre, un personaje que él mismo autodefine como charlatán pop y que pervive hasta hoy día.

En la estructura del dúo, Paco presentaba la voz principal y la referencia más reconocible, mientras que José Luis quedaba en un segundo plano aparente, ya que él se encargaba de las letras y colaboraba activamente en los arreglos. Don Francisco y José Luis han dejado un puñadito de canciones hoy olvidadas, que seguramente en otras circunstancias y voces podrían haber disfrutado del éxito que se les negó. Un loable intento de evolución personal y artística que no llegó a calar en el público.

Larsen

Thu, 05 Jan 2012 16:13:38 +0100

Larsen, una de las bandas míticas y seminales del punk primigenio que se hizo en Madrid en la década de los 80, era sobre todo un grupo de amigos desde críos. Las anécdotas que nos relatan sus miembros cuando les convocamos para recordar aquellos primeros momentos no corresponden a situaciones vividas en oscuros garitos o bares con estridente rock and roll como música de fondo. Difícilmente podía ser así, ya que ninguno de ellos superaba los catorce años de edad cuando deciden montar un grupo de punk-rock. "Recuerdo a los chavales de mi edad jugando con gorros de vaquero y pistolas y yo tocando con mis botas y llenos de chapas", nos cuenta Ricardo Roca -Rana-. De lo que nos hablan, sin embargo, es de accidentes en bicicleta, lesiones al arrojarse a piscinas, casi-asfixias con pitos de matasuegras, de su afición y habilidad para hablar al revés cuando se trataba de que el resto no se enterase de lo que hablaban entre ellos o de cuando decidían hacer el vacío al que volvía del baño.

Y es que José Luis Rodríguez -Pollo-, José Luis Salcines -Monje-, Rana y Gonzalo Fuentes -Mosca- se conocen de los fines de semana que pasan en Cerceda (Madrid), donde van sus padres y donde ellos aprovechan para oir los discos que sustraen de sus hermanos mayores. De sus preferencias nos habla Monje: "Nos dio muy fuerte por Beatles, AC/DC, en fin los clásicos". Deciden, de forma casi natural, empezar con un grupo de música. Pollo se haría cargo de la guitarra, Monje sería el cantante, Rana el bajo y Mosca se haría con las baquetas.

Para los ensayos se las apañaron para insonorizar un local de un pequeño club social que les dejaron en el pueblo. Ninguno de ellos tenía formación musical seria alguna. Tan sólo Pollo menciona los rudimentos adquiridos en el mano a mano que se traía con Mosca cuando tocaban juntos la guitarra en su casa. "Al Rana le enseñé las primeras notas y el bajo de 'Another one bites the dust' de Queen, que está chupado". Desatado, una vez que le hemos tirado de la lengua para que nos hablara de sus primeros pasos nos dice: "Yo me afinaba de manera que no había que poner acordes. Tocaba como si fuera un bajo, pero usando todas las cuerdas. Así desarrollé un estilo muy particular de tocar la guitarra con mucho ataque, basado principalmente en mazazos de mano derecha". Mosca se acordaba, en el texto que escribió para Wikipedia, de los primeros movimientos con su amigo para irse haciendo con los respectivos instrumentos: "Me acuerdo de irnos a la calle Preciados de Madrid a pedir pelas los dos. él con su guitarra (...) y yo le acompañaba pasando la gorra para que echasen pelas, ya que todavía no tenía batería". Sería más tarde que llegara a adquirir una, pagándola a plazos.

Los ensayos son en realidad motivo y excusa perfectos para organizar verdaderas fiestas con toda la pandilla de amigos que les rodean. Todo acorde con el espíritu que gobierna el comienzo del grupo y la que sería su trayectoria posterior. "Larsen no era un grupo de música de cuatro chavales, sino que (...) era un grupo de quince colegas que se lo pasaba de puta madre", contaba Mosca en su relato.

Es precisamente en este ambiente de bromas en el que surgen los motes con los que se identificarían desde entonces. Alguno tendría su origen en una foto de grupo en la que aparecen apoyados en una pared entre empujones. La posición de manos y piernas de Ricardo le hace ganarse el apodo de Rana. Mosca viene de las gafas de sol que gustaba utilizar Gonzalo, Monje de los cortes de pelo de José Luis (Salcines) y finalmente Pollo recibió el suyo como consecuencia de unos altercados que mantenía la pandilla con otros rivales, que le dedicaban una sonata al guitarrista. Como nombre para la banda, escogieron la denominación técnica que los especialistas del sonido dan a los acoples que aparecen cuando se coloca un instrumento cerca de los amplificadores. El efecto que se denomina con el apellido del técnico danés que lo descubrió les pareció ideal para el nuevo proyecto.

Una primerísima formación del grupo incluiría a Juan Luis, refuerzo con una segunda guitarra, al que no le importaba contribuir con punteos a las canciones siempre que era posible. Monje recuerda esta cuestión técnica: "Chirriaba un poco porque nuestros primeros temas eran un pelín ramonianos (dos ó tres notas, no dábamos para más) y los punteos eran, en fin, extraños".

Los primeros conciertos tuvieron un marco de lo más familiar, en el entorno de la urbanización donde vivían con sus padres. Pollo precisa que el bautismo de fuego no fue técnicamente dentro de la misma, ya que no a todos los vecinos les encantaba la idea de tenerles metiendo ruido por la zona. Tuvieron que irse a un prado de los alrededores sacando cables desde el cuarto de baño de la casa de Pollo. Aunque tienen sus problemas para dar una ubicación exacta para la que pudiera haber sido su actuación con un público algo más general comenzaron en los pueblos de los alrededores de aquella zona de la sierra madrileña. Una de esas actuaciones es la que dieron en la plaza de toros de la misma Cerceda, que Pollo aún recuerda en el blog SinPunktoFijo por el intento de un "garrulo borracho" de regarles en el escenario con la manguera utilizada para mojar la arena del coso. Sólo la reacción a tiempo de sus allegados desde el graderío parando al inconsciente libró al grupo de perecer electrocutados.

Es en formación de quinteto como se presentan al Villa de Madrid de 1981, un certamen musical para grupos noveles en el que se premiaba al ganador con la grabación de un sencillo. No lograron ganarlo. Tampoco en su segunda participación, un año después, con Juan Luis ya fuera de la banda. Antes de volver a intentarlo, sin embargo, el grupo daría una serie de conciertos por la capital. Uno de ellos tuvo como escenario el Rock-Ola madrileño, donde consiguieron arrancar saltos, pogo y empujones entre la audiencia. En el que dieron en la sala Marquee, tuvieron a Kike Turmix (N-634, The Pleasure Fuckers) como espectador de excepción. Tras ver su actuación les ofreció la posibilidad de editar un sencillo.

No fue ésta de todas formas la única oferta que recibieron, ya que Paco Pérez Bryan, presentador por entonces del programa de radio El Búho, tras escuchar las maquetas que puntualmente le pasaban los integrantes de Larsen, se ofreció de mediador con una compañía grande. "Creo que hablaba de WEA". Sin embargo, por una u otra razón siempre se torcía la cosa.

La relación con el periodista musical se inició con el trasiego del grupo al programa para pasarle las canciones que grababan en cintas. Monje nos cuenta que solían editar muchísimas maquetas en el local tocando en directo. "Yo me sentaba con las piernas cruzadas en el suelo con el cassete encima y cantaba directamente a un micro, mientras toda la música entraba por el otro micro". A pesar de lo deficiente del sonido, el material era radiado con asiduidad en el programa de El Búho. "Sí, nos movimos mucho para dar a conocer a Larsen", nos dice Mosca acordándose de que iban "cada dos por tres" a los estudios de Radio 3 para que pusieran sus canciones. Rana recuerda divertido, por su parte, la relación que entablaron con el locutor: "Le llevamos una maqueta y le hicimos gracia. A partir de ahí, nos metíamos en El Búho por la cara casi todos los viernes, creo que era".

Desanimados de los contratiempos con la compañía de discos que les ofrecía Paco Pérez Bryan, deciden escuchar la propuesta que les hacen desde Spansuls para editar un disco. Eso sí, en ese momento estaban en semifinales del Villa de Madrid en su edición de 1982, y deciden esperar a firmar nada para no quedar descalificados del certamen. Pese a todo no conseguirían llevarse una edición especialmente complicada por haberse unificado diferentes estilos y modalidades en un único premio. Aún así no guardan un recuerdo especialmente amargo con su participación en el concurso, del que recuerdan la sorpresa que se reflejaba en las caras del público que les veía actuar, asombrados por la energía que eran capaces de desplegar en escena.

Lo que resultaría a la postre mucho menos gratificante fue la relación con Spansuls. Cuando echan la vista atrás nos confiesan abiertamente: "No quisimos esperar. Puede ser que metiéramos la pata porque después Spansuls nos tuvo congelados meses". Pollo se refiere a que la grabación que tenían apalabrada para ese verano no se realizó hasta principios de 1983. El sello trataba de ahorrarse los costes del estudio y la banda no pudo entrar en Trak, en Madrid, hasta febrero de 1983. "¡No!" (Spansuls, 1983) se grabó en dos sesiones de unas 6 horas cada una. "Realmente nos sobraron unas 8, ya que hicimos todos los temas del tirón, sin muchos cambios", recuerda Monje. El cantante también rememora de aquellas sesiones la colaboración de amigos para hacer las voces de la manifestación inicial que se oye en "Frontera francesa", el tema que dedican a nuestros vecinos del otro lado de Los Pirineos, o los efectos que sugirió el técnico para el comienzo de "Lucha contra el tecno", la canción con la que cierran el disco.

El maxi, uno de los primeros discos de punk del Madrid de los 80 junto con "Ya Está Bien" (Spansuls, 1982) de La UVI, tardaría en salir unos 7 meses más, lo que no hizo sino acrecentar el recelo de la banda para con el sello. A pesar de ello, quizás gracias a los manejos de Spansuls, Larsen vio como el disco llegó a ser el número 17 de la lista de Los 40 Principales, el programa musical de la radio. Rana nos reconoce abiertamente la aparente incompatibilidad entre los presupuestos del punk y la comercialidad de una emisora como las que le radiaba, pero aun así dice: "¡Pero molaba!". Recuerda haber acudido a la gala de El Gran Musical, "cuando tocaba Olé Olé con Vicky todavía". También se regodea contándonos detalles de la experiencia: "Las pasó putas el colega locutor para entrevistarnos. Contestábamos con monosílabos a sus preguntas y le huíamos descaradamente por el escenario". Mosca, por su parte, nos habla de su sorpresa cuando escuchaba el tema "Frontera francesa" como sintonía cuando en los telediarios sacaban noticias sobre el conflicto de los camioneros españoles en la frontera al intentar transportar sus mercancías por territorio francés. Cuando le preguntamos al respecto, no duda en coincidir con su compañero: "¡Molaba todo lo que estaba pasando!".

De la época de la edición del maxi, Pollo nos habla del concierto dado en el instituto de La Paloma del barrio de Estrecho en Madrid. "A mitad de actuación sacamos un muñeco hecho con unos pantalones vaqueros y ropa cosida, tipo espantapájaros relleno de bolas de papel; en la camiseta del muñeco ponía: "Soy un matón de Rock-ola" en alusión a la curra que le dieron a Mosca y otros colegas algunos matones de Rock-ola, que estaban el día de marras currando en la Morasol. Tiramos el muñeco a la peña que lo destrozó mientras tocábamos "Noche de destrucción en el Rock-ola". A continuación empezaron a volar sillas, gente y hasta barras de pan con embutido. Panadería Bollería Nuestra Señora del Karmen, que tenían que salir a tocar a continuación, no pudieron tocar, porque el concierto se suspendió".

No mucho después darían una actuación en primavera-verano de 1983 con Los Coyotes junto al edificio del desaparecido periódico madrileño Pueblo. "En plena efervescencia de nuestras maquetas en el Búho de la radio, antes de subir al escenario lo habían pintado con spray y ponía "Larsen vas a morir"". Los responsables de la misma eran una banda de heavies que tuvieron una trifulca con los seguidores del grupo. "Había mucha gilipollez de lucha entre estilos musicales (...) pero al final terminaron todos tomándola juntos".

Larsen había cambiado su campamento base, una vez que los padres de Pollo venden la casa en Cerceda, desplazando primero su local de ensayo a Ascao, donde tuvieron que convivir con "olor a rata muerta" y yonkies que les entraban con machete en mano. Consiguen salir de allí cuando Paul (OX Pow), prácticamente vecino de Pollo, le ofrece compartir su local de ensayo, Faiko, situado en Embajadores. ése sería el local definitivo hasta la disolución final del grupo. Es allí además donde reciben las visitas habituales de los componentes de La UVI.

Poco después de la edición de "¡No!" se produce la marcha de Monje. Justo antes de comunicar su decisión al resto, apalabra con un amigo de la pandilla, Chema Ortega, la sustitución al micro. "Chema era colega desde el principio, venía a nuestros ensayos, se conocía todos los temas perfectamente y encajaba con la idea de Larsen. Como dijo que sí y los demás también, el cambio se hizo muy rápido".

Preguntado por las razones de su salida del grupo, Monje nos da dos motivos principales. El primero tiene que ver con el comienzo de sus estudios universitarios. La banda tiene por delante un plan algo apretado de actuaciones, con viajes a Huesca, Cataluña y Euskadi, con la consiguiente pérdida de tiempo para alguien que tiene planeado estudiar. También nos habla de cuestiones relacionadas con el estilo de la banda. él, que era el responsable de las letras de las canciones, constata la evolución que estaban experimentado hacia temas más oscuros. "La música del Pollo era muy guitarrera para este estilo. La verdad es que las canciones luego quedaron muy bien, creo que las mejores que hicimos mientras yo estuve en Larsen, pero no era lo que yo quería; andaba buscando una onda más Bauhaus, más Joy Division, y eso en Larsen era muy complicado". Todo ello le llevó a dejar la banda a finales de 1983, justo cuando el grupo se encuentra grabando un video para "Vomitas sangre", uno de los temas del maxi "¡No!"; video que por otro lado no llegarían a terminar.

Por su parte, Chema, protagonista directo en el que se inspiraron para la letra de "Nacido de la pota de un punk", por sus repetidas vomitonas sobre un cactus que tenían en el local de ensayo, nos cuenta precisamente sobre el ya mencionado concierto en Huesca, una de las primeras ocasiones que tuvo de actuar en directo con Larsen: "Salí un poco ciego al escenario. Creo que después del concierto me encontraron tirado por la calle". Pollo recuerda que dicha actuación tuvo lugar frente a un grupo de camioneros "hiperputeados por los franceses en la frontera".

El cambio de cantante no afecta a la dinámica de la banda que pronto se ve con nuevo material con el que afrontar grabaciones para preparar un nuevo disco. El problema era que las cosas con Spansuls, la compañía de discos, no terminan de arreglarse. Uno de los responsables del mismo, Sardi, desaparece sin dejar rastro, quedando su socio, Perico, como único rostro visible para tratar con las bandas que llevan. Pollo nos comenta que el estudio que les buscan para grabar las nuevas canciones, Colores, no es más que un intento por parte del sello para arreglar las cosas con el grupo. A pesar de las aparentes buenas intenciones, los acontecimientos no se sucedieron como a Larsen le hubiera gustado. "Grabamos el disco y otra vez la misma historia; meses esperando y el disco sin salir. El caso es que editan el single como adelanto del LP y ahí queda la cosa". El sencillo al que se refiere Pollo es "Requiém / El Payaso" (Spansuls, 1984), disco con dos canciones que indicaban efectivamente que el grupo avanzaba musicalmente hacia otras coordenadas algo diferentes a las de su primera entrega.

Realmente supieron a bien poco, sobre todo porque no habría más material de Larsen con la banda en activo. Spansuls había dejado sin pagar el estudio donde habían grabado, con lo que los dueños del mismo se negaron a entregar el master. Tras una serie de conversaciones con ellos, el grupo decide en invierno de 1984 grabar canciones nuevas, pagando ellos mismos de su bolsillo el precio especial que les hacen en Colores. Centrados pues en perfilar un posible nuevo disco, aun teniendo uno retenido y sin muchas posibilidades de poder sacarlo a la calle, no se dejan abatir por las adversidades con las que se iban encontrando. De hecho están bien cerca de fichar por DRO, "pero al final Servando Carballar se echó atrás en el último momento". A pesar de todos los esfuerzos la banda se encuentra de nuevo con más canciones que terminarían en el trastero sin poder ver la luz.

La actividad del grupo se resiente pues, y aunque se siguen viendo los fines de semana con las mismas ganas de pasarlo bien, lo cierto es que los ensayos se ralentizan enormemente. Mosca y Pollo empiezan a tocar en el local de vez en cuando con Steve Prescott, ex-componente de The Insane, que se había mudado a Madrid y andaba sin compañeros con los que tocar. Pollo tomó prestado el bajo de Rana para acompañarle. No duró sin embargo demasiado esta colaboración internacional, pero lo que sí cuajó algo más fueron los ensayos que, como guitarra, empezó a hacer con Brasi y Manolo de La UVI. Ambos vivían una especie de recuperación de la mítica banda tras el descanso que se tomaron después de editar "Ya Está Bien". Al guitarra la oferta de tocar con ellos le llega en un momento crucial: "Quería volver a mi estilo más puro. Nos habíamos metido demasiado en el rollo siniestro o afterpunk. Estaba bastante harto de tocar eso, y ensayar con La UVI, otra vez en plan Pistols, UK Subs... fue definitivo para mi. Entré en una dinámica muy buena con la guitarra otra vez, empecé a sentirme a gusto volviendo a las raíces".

Lo que finalmente germina de aquellas sesiones es el inicio de un nuevo proyecto: Commando 9mm, una de las bandas cruciales en el punk-rock, no ya de la capital, sino de todo el panorama patrio. En perfecta simbiosis, Manolo y Pollo, resultaron ser figuras claves que dejaron, en el tiempo que funcionaron juntos, amplia muestra de lo que es entender el rock de guitarras poderosas.

Los movimientos, que en términos prácticos resultaron todo un acierto para Pollo y Mosca, tuvieron sin embargo consecuencias para sus compañeros, ya que su marcha supuso el acta de defunción para Larsen. Siendo como fueron siempre una banda que había funcionado como la pandilla de amigos que habían sido desde el comienzo, se enfrentaban a los que sin duda eran los momentos más tensos de su aventura musical conjunta. Rana, uno de los damnificados, comparte con nosotros sus impresiones sobre aquel momento: "Supongo que el Pollo y el Mosca necesitaban hacer algo más profesional y lo cierto es que la última etapa de Larsen estaba siendo tediosa. Ninguno de los dos LPs que se grabaron habían encontrado salida y la frecuencia de los ensayos se iba reduciendo cada vez más. Imagino que encontraron en Manolo UVI la supuesta profesionalidad que no veían en el resto de Larsen". Prosigue a modo quizás de reproche velado que ha perdido gran parte de la amargura que hubiera podido tener en su momento: "No obstante podían haberlo hecho un poco mas elegante... punk pero elegante. Siempre he creído que se precipitaron. En cualquier caso, eso carece de importancia ahora".

Pollo consciente de las consecuencias de su elección, no se esconde a pesar de los años transcurridos: "Me jodió mucho por el Brasi que era un buen colega y nos llevábamos de puta madre, y me jodió muchísimo por Rana y Chema. Desde aquí les pido perdón si les perjudiqué al tomar la decisión que tomé en mi caso. Nunca les haría daño por nada del mundo, pero ya no se puede cambiar nada, es lo que pasó y soy parte responsable de ello". Mosca no ve en todo aquello un parón del grupo: "En ese momento el grupo necesita evolucionar, seguir. Teníamos que dar un salto o nos quedábamos atrás... y de ese salto nació Commando 9mm".

Sobre Larsen empieza entonces a actuar el manto con el que quedan cubiertas las cosas con el paso del tiempo. En un demoledor y quizás rutinario proceso por etapas, se les condena primero al olvido que trae el parón de toda actividad. Siguió después una lenta pero paulatina gestación de la correspondiente épica alrededor de la banda, con un máximo notable con la edición de material inédito en 2001. Coincidiendo con el regreso de Commando 9mm tras un parón, Pollo consigue que Potencial Hardcore edite un CD a partir de canciones que tiene en cintas de diversas etapas de Larsen. "Larsen" (Potencial Hardcore, 2001), producido por el guitarrista y masterizado por Isma (La Broma de Ssatán) es una recopilación inevitablemente dispersa, pero que proporciona material más que interesante. Es posible encontrar un par de temas de una maqueta grabada todavía con Monje al micro y canciones de las que el seguidor de la banda habría debido encontrar, de no haberse torcido las cosas, en los dos LPs que nunca se editaron. El proceso de recuperación y aprovechamiento de los temas fue laborioso debido al precario estado de las cintas que conservaba Pollo: "Estaban hechas una mierda y tenían mucho ruido de soplo". Se volcaron al Q BASE digital en un estudio y se depuró la edición en la fábrica de Tecnodisco de Alcorcón (Madrid). La salida a la calle del CD motivó además el rencuentro de algunos de los miembros de la banda, que habían perdido contacto con el paso del tiempo.

A pesar de lo corto de su trayectoria y producción discográfica, el peso de Larsen en lo que vino después, al menos en lo referente a la escena punk de este país es más que evidente. Fue una de las bandas encuadrada en una ciudad volcada incluso institucionalmente en otras formas y estilos de vivir musical y artísticamente los vientos de la transición democrática, muy diferentes a los suyos. Ellos y grupos como La UVI, OX Pow, La Broma de Ssatán o Espamódiscos fueron coetáneos de la Movida Madrileña a la que veían "musicalmente más blanda" o como entretenimiento de "niños pijos", y pagaron su gusto por el punk con el menosprecio del resto. Condenados a no encontrar sitios donde tocar o a llevar existencias de corto recorrido en los que, como le ocurrió a Larsen, las ediciones de sus discos eran el resultado de agotadoras batallas con los correspondientes sellos.

Jugaban en desventaja además frente a los grupos que surgían de las escenas punk mucho más potentes que la madrileña que se habían organizado tanto en Cataluña como en el País Vasco. Frente a estos últimos sin embargo, Larsen se enfrentaba desde posiciones mucho más favorables que algunos otros paisanos, ya que con temas como "Frontera francesa", "El remedio fue peor" o "Política internacional", resultaba complicado acusarles de falta de pegada en sus canciones frente a las rabiosas proclamas de la mayoría de las bandas vascas. Así nos los hacen ver inmediatamente cuando nos adentramos con nuestras preguntas al grupo en estas cuestiones. Aunque llegaron a tocar con RIP o Eskorbuto, en la sala En Vivo de Fuenlabrada (Madrid), creen que la etiqueta de Rock Radikal Vasco llegaría algo después de Larsen. Pollo recuerda bien el concierto con RIP. Fue en la sala Imperio en el madrileño barrio de Vista Alegre en el verano de 1984 con Chema de cantante. "No se llegó siquiera a la media entrada. Desmoralizante; era precisamente en ese momento en el que necesitábamos el apoyo de la gente y no ahora, que no paran de decir gilipolleces de ¿para cuándo un concierto de Larsen? Y toda esa mierda. Mi opinión es, pudisteis estar en el momento justo y no lo aprovechasteis. ¡No vengáis ahora con mamoneos de este tipo!"

Rana tampoco va mucho más allá en posibles teorías sobre colaboración o reconocimiento de escenas separadas geográficamente en aquellas ocasiones en las que compartieron escenario: "Algún concierto en el que coincidimos y en esos momentos tampoco estaban en condiciones de establecer comunicación alguna". De hecho se muestra escéptico a conceder más crédito del necesario a los análisis realizados años después de la actividad musical de aquella época: "Siempre he creído que estas cosas se crean a posteriori. En aquel momento nadie creía estar haciendo historia o estar en medio de un movimiento cultural de relevancia".

El tiempo ha convertido a Larsen en una referencia fundamental de aquella época, y no hemos resistido la tentación de preguntar a los mismos protagonistas por las razones, que en su opinión provocaron semejante status. Coinciden todos ellos en lo paradójico que resultaba ver la energía que eran capaces de mostrar en el escenario a pesar de su corta edad. Y es que realmente eran unos críos. Rana nos dice: "Hazte una idea: Mi firma en el contrato de Spansuls no vale una mierda; tenía 13 años cuando firmé y cuando se grabó el disco". Monje, que ve cierta revalorización de la banda por el empuje que tuviera en su momento Commando 9mm, se muestra perplejo: "Nunca sé que pensar del "éxito" (relativo) de Larsen (...) No creo que en aquel momento fuéramos más conocidos que La UVI o Espasmódicos, pero al final hemos acabado todos en el mismo saco". Rana habla, para justificar el reconocimiento que luego logró la banda, de "la creatividad infinita del Pollo" (al que además no duda en calificar como "el mejor músico punk de España") "unida a la contundencia a la batería que le metía el Mosca y el estilo personalísimo del Monje algo tendrá que ver también". Termina refiriéndose a la "frescura, espontaneidad, fuerza e inconsciencia" de Larsen como señas de identidad esenciales responsables de su repercusión final. Es más que probable que nada de eso hubiera sido posible de no haber sido, ante todo, un grupo de buenos amigos.