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Los Putos Frimans

Tue, 18 Jun 2013 07:49:58 +0200

El sonido minimalista y pausado que Adri y Fer hacían con su grupo madrileño Esquimales les venía impuesto de alguna manera por querer tocar ellos dos solos "tres instrumentos sin artificios tecnológicos". Tenían que apostar por "silencios y tiempos lentos" desembocando en lo que gustaban de llamar hard pop. Quizás por ello, de forma totalmente natural, al intentar explorar el polo opuesto, terminaron cayendo en la "pura velocidad del hardcore punk". Si se embarcaban en un nuevo proyecto sería no "para inventar nada, sólo para tocar a toda hostia y gritarle en la cara a la gente, exteriorizando al máximo", con idea de huir del carácter introspectivo que caracterizaba a Esquimales.

Con esta premisas, El Mulo, a quién conocían de haber tocado juntos, que profesaba admiración incondicional por Eskorbuto y The Clash y que "estaba chalado" se ajustaba perfectamente al papel del cantante. Asignada la batería para Adri y la guitarra para Fer, se hicieron con Edu y Pebels, para el bajo y la segunda guitarra respectivamente.

Eligen el nombre de Lo Putos Frimans, "en referencia a lo difícil, o imposible, que es ser verdaderamente libre" y comienzan los ensayos en marzo de 2011. A falta de local propio, utilizaban los Scooby Do que llevaba Javi de Aneurol 50.

Apenas un par de meses después, con las primeras canciones aún sin su forma definitiva, tocarían el 14 de mayo de 2011 con Bit Of, banda casi hermana con la que llegarían a compartir guitarrista, Pebels. Es precisamente por esas fechas que graban su primera maqueta "Los Putos Frimans" (2012), que sin embargo no vería la luz hasta mucho después, en septiembre de 2012. Trabajarían con Alejandro Garán en los Estudios Sonora de Majadahonda (Madrid). Se trataba de rocoso y denso punk-hardcore en entrega de 7 pildorazos que nunca superaban los dos minutos con la garganta arisca de El Mulo como denominador común y cierta irreverencia en las letras, que en algunos casos, como en las logradísimas "Ensucia la ciudad" o "Punk por aburrimiento" hacen pensar en La Stasi. Las guitarras por su parte, tan pronto suenan a 4 Skins ("Bebidas espirituosas") como se lanzan a la carrera más descontrolada ("Bombas de chocolate").

De todas formas, y aunque repetirían concierto con Bit Of, esta vez en la sala Fax el 16 de marzo de 2012, la banda no se asentaría totalmente hasta septiembre de 2012. De hecho cuando se les pregunta por su primer concierto, no dudan en referirse como debut en serio al concierto del día 11 de octubre de 2012 en el Triangle Club, esto es la sala Nasti, de Madrid junto a Challenger. Repetirían poco después el 3 de noviembre del mismo año en la sala Wurlitzer Ballroom tocando con Los Mártires de Uganda .

Poco después, en diciembre de 2012, grabarían los temas con los que se conformaría "Zero" (Without / Rumble, 2013). Las nuevas canciones saldrían en forma de CD en marzo de 2013. La edición con Without Records, sello gestionado por la gente de Bit Of, salió de forma natural.

El debut de Los Putos Frimans, que ellos denominarían "un EP temático", por tanto sin nombre específico salvo números para las canciones, rezuma una apreciable carga dialéctica, incluso didáctica, apuntando directamente al individuo como verdadero motor de cualquier rebelión. Música constructiva -que no destructiva- con las aristas propias del punk sin concesiones para con el oyente, con letras inspiradas en la reivindicación de una revolución social propuesta a partir de "el cambio de cada individuo a través de la autocrítica".

Reconocen lo mucho que les atrae la música de bandas como Yocasta, Somos la Herencia, Alberto Azul, Biznaga, Sex Führers, The Parrots, Pan y Toros, Juventud Juché, Sudor, Los Nastys... aunque se confiesan deudores sólo de Minor Threat.

El día 15 de marzo de 2013 tocan con El Pardo en el RRRCub de Madrid, actuación tras la cual El Mulo, su cantante, comunica a sus compañeros de forma totalmente inesperada su intención de dejar la banda. La noticia, que pilla por sorpresa al resto, supone la parada brusca de las actividades de Los Putos Frimans.

Falcons

Mon, 17 Jun 2013 19:40:26 +0200

érase una vez un conjunto llamado Grupo 15 nacido en Manacor que durante toda la década de los 60 se ganó la vida en salas de fiestas y hoteles de la isla de Mallorca. Grabó discos de versiones españolas de temas famosos y centró su actividad en amenizarle las noches a los guiris de paso por su isla. Como tantos otros artistas baleares de la época, cambiaron talento artístico por la relativa seguridad económica emanada de la ramplonería comercial. En 1974 el Grupo 15 tira la toalla y la verbena veraniega apaga definitivamente sus luces.

No transcurre mucho tiempo, pues en diciembre de 1974, dos de los componentes de aquel grupo: Rafael José Aguiló (batería) y Josep -Pep- Nadal (bajo) formarán una nueva banda junto a dos componentes de Harlem, otro grupo mallorquín mucho menos conocido: Damiá Tomás (cantante, guitarra, mandolina) y Josep Portell (teclados). Habían nacido Falcons. Músicos veteranos, en la treintena, con miles de horas de escenario.

En 1978 se trasladan por un tiempo a Madrid y su estilo, cercano al de las grandes bandas norteamericanas de la Costa Oeste, impacta. Varios sellos se interesan por sus servicios y en septiembre de aquel año aparece "Terciopelo y Fuego" (Philips, 1978). Uno de esos temas redondos que se hacen comerciales sin hacer la mínima concesión a la comercialidad. Una balada elegante, de acabado impecable y un cierto barroquismo formal. La respuesta al nuevo grupo es sorprendente hasta para ellos. Cinco semanas en la cabecera de Los 40 Principales y el número uno absoluto de ventas justo en la última semana del año.

Falcons borda los tiempos lentos gracias a la voz nítida y algo quejumbrosa de su cantante, los lechos de teclados, los ritmos conducidos siempre con discreción, la guitarra a menudo descarada y el toque justo de coros etéreos. Por otro lado, sus directos resultaban convincentes con una calidad instrumental fuera de lo común.

Ante la buena acogida del single se acelera la publicación del LP "Falcons" (Philips, 1978). Se hacen dos versiones de las canciones. Como curiosidad, apuntar que se registran en inglés y aparecen firmadas por King, Zanack y Valentino. ¿A qué no adivinan quiénes son realmente estos mendas? Pues King, el letrista inglés, es el incombustible Eduardo Bartrina, Zanack es José Luis Armenteros y Valentino es Pablo Herrero. En la versión española, que será la que aquí se publique, la letra se le adjudica a José Luis Recuero.

Tras el morrocotudo triunfo de "Terciopelo y fuego" y el magnífico sonido exhibido en el primer long play, no es tarea fácil mantener el tipo... y las ventas. "Deja Todo y Vente a N.Y." (Philips, 1979) será el segundo single. Una pieza cantada a varias voces de marcado sonido acústico que recuerda a Neil Young y compañía. No aguanta una comparación con su triunfal sencillo anterior y, claro, tampoco aguantó ni de lejos el nivel popular y económico señalado por el grupo. Se publica un segundo largo, "Falcons II" (Philips, 1979), un trabajo hecho con sapiencia y honestidad pero falto de ese imperceptible atractivo necesario en cualquier disco aspirante al éxito. Las baladas marca de la casa suenan ahora vacuas y repetitivas. La épica del año anterior bordea la cursilería en este momento.

Al año siguiente harán un nuevo intento, tirando de ritmillos comerciales rayanos con el pop más comercial y la música disco. "Como Tú" (Philips, 1980) se defendió aceptablemente como single y fue más radiado y bailado que vendido. En cambio, el tercer LP titulado igual que su canción más representativa, "Como Tú" (Philips, 1980), vendió menos que sus dos predecesores.

Los acontecimientos, los nuevos estilos musicales y el lastre de su monumental "Terciopelo y fuego" obligan a la retirada de una banda desmoralizada que ve pasar en blanco el año 1981 con cada vez más escasas galas y afronta su último año, 1982, sin discográfica.

Falcons, seguramente de forma injusta, han pasado a la historia de la música española como grupo de una sola canción. Yo resaltaría el haber de su tremenda profesionalidad y su gusto por el trabajo bien hecho. En su debe hay que anotar su incapacidad para evolucionar y la pérdida de fuelle interpretativo con el paso del tiempo.

Cró!

Mon, 17 Jun 2013 17:40:35 +0200

Cró! forman parte del colectivo La Metamovida, en el que nos encontramos grupos tan diferentes y al mismo tiempo tan prometedores como Unicornibot, Guerrera, Why Go, Buogh!, Durarará!!, Es un árbol y los propios Cró! Se trata de un colectivo musical que aúna bandas de las ciudades de Vigo y Pontevedra dentro de la escena alternativa, underground... o llámale x. Es decir, bandas que funcionan lejos de los circuitos comerciales.

Como explican en la web del colectivo, "La Metamovida surge en en 2011 alrededor de la 'Orquesta Metamovida'; agrupación que bajo el concepto de la improvisación conducida reune a los miembros de las 7 bandas. Desde entonces, tocamos juntos, organizamos festivales, conciertos, (auto)editamos, tocamos, hacemos ruído, gritamos, practicamos el canto gutural, dinamizamos y promovemos actividades, en general, con el objetivo de crear una estructura que implique a otros artistas de campos como la fotografía, la ilustración, el audiovisual y el musical".

La banda está constituida por David Santos (bajo), Cibrán Rey (batería), Rubén Abad (guitarra y voz), Xavier Núñez (teclados, voz) y Borja Bernárdez (visuales en tiempo real). Y desde su inicios se han dejado llevar por la improvisación, el jazz, la música clásica, el rock y las ambientaciones profundamente personales.

David Santos nos comenta que "todos nos conocíamos de alguna manera, o bien porque tocábamos juntos, como Rubén Abad Guitarra y yo en Tá y Es un árbol, o lo habíamos hecho en el instituto, o en algún bar... El caso es que un día coincidimos todos en una jam y decidimos que teníamos que montar algo y así empezamos a quedar para tocar. Los ensayos empezaban por la noche y acababan casi de día. La cosa fluyó y en seis meses compusimos, grabamos y presentamos nuestra primera maqueta de 200 ejemplares que hicimos a mano. Tras la presentación de la maqueta yo me fui casi un año a Copenhague pero ellos siguieron quedando y dieron algún concierto a trío y me mandaban temas y la cosa seguía...".

Cuando David vuelve de Dinamarca, graban su primer disco: "Cró!" (Cró!, 2009), completamente autoproducido y comienzan a presentarlo por toda Galicia, Madrid, País Vasco, Barcelona, Francia... "Fue por esa época que conocimos a Unicornibot en un concierto en el que tocaban con Za! y Les Aus en Vigo. También conocíamos a Why Go y Buogh! y a todos nos movían un poco las mismas cosas así que un fin de semana quedamos para pasárnoslo tocando. Ahí nació la Metamovida primero como orquesta de improvisación y luego como colectivo que aunó a todas las bandas del círculo en que nos movíamos y en el que todos compartimos experiencias, problemas, ideas, giras, etc.", nos comenta David.

"Siempre tocamos todo lo que podemos y tanto en los ensayos como en los conciertos solemos hacer un tema improvisado, así que teníamos mogollón de improvisaciones grabadas y decidimos hacer algo con ellas". Ese algo no es otra cosa que "Dime que Quedó Grabado (Improvisaciones)" (Cró!, 2011), edición digital en la que colabora el dibujante Alberto Larrañaga con el diseño.

Un año después entregan su segundo LP, "ONKALO" (Cró!, 2012), editado gracias a un crowdfunding de casi doscientas personas. El disco, editado tanto en CD como vinilo, lo presentan por Alemania (Zappanale Bad Doberan, Berlín, Offenbach), Francia (Lille, Verfeil, Causade), Portugal (Porto, Festival de Jazz de Sines, Barcelos, Bragança, Monçao), País Vasco, Sevilla, Puerto de Santa María (Cádiz), Badajoz, Barcelona, Zaragoza, Madrid, Asturias... En la actualidad están preparando la grabación de su tercer disco de estudio.

Un aspecto muy a tener en cuenta son sus directos, un espectáculo audiovisual apoyado por video en tiempo real. Es decir, no se trata de proyecciones aleatorias ni estrictas con el tiempo sino que los clips de video son ajustados y manipulados durante el concierto de forma natural y musical. Las proyecciones interpretan la música y la inspiran, generando sensaciones y ambientes que envuelven al público a lo largo de todo el espectáculo.

Yolanda

Sun, 09 Jun 2013 14:04:55 +0200

En 1966, en Barcelona, echa a andar el sello Victoria. En ese arranque su escudería cuenta con dos conjuntos, un coplero y una chica ye-yé. Un presupuesto modestísimo, muchas ganas y en los boxes, el director musical Vicente Sabater.

Esa chica ye-yé a la que antes aludíamos se hace llamar Yolanda, un nombre entonces considerado exótico; sin embargo, su documento nacional de identidad dice que se trata de Mercedes Peñalver Guzmán, nacida en Jaén en 1946.

La familia de Mercedes siguió el flujo natural de la demografía de la época y a principios de los 60 se afinca en Barcelona. Allí, Mercedes se introduce, gracias a su buena voz y a su palmito, en los ambientes musicales juveniles, actuando siempre que puede en festivales y programas radiofónicos cara al público.

Sabater se fija en ella para el nuevo sello donde en primera instancia publicará "La Catedral de Winchester / Ahora o Jamás / La Salud / Dame Pan" (Victoria, 1966). En la contraportada del disco se da pábulo internacional al asunto afirmando que estas piezas son hits en Inglaterra, Italia, Francia y España respectivamente. Se trata de un buen EP con el que Yolanda demuestra tener una de las mejores voces del ye-yé español y con unas orquestaciones por encima de la media. La cantante logra ser a principios de 1967 la primera del nuevo sello en aparecer en un programa musical televisivo, concretamente en Telerritmo. Los dos temas que más se escuchan son el cover español de "La catedral de Winchester" de los británicos New Vaudeville Band y la dicharachera "Dame pan", que sería su canción más conocida. No obstante, la canción más interesante es "La salud", una composición del imprevisible Serge Gainsbourg.

Ya en ese primer microsurco la apodan como "La Voz que Acaricia", denominación que aparecerá de nuevo en su segundo EP, "Yo no Vivo sin Tu Amor / En Mí Podrás Confiar / Dame Pan / Tú, Yo y una Flor" (Victoria, 1967). Su segundo disco tendrá ya peor salida comercial que el primero, siempre dentro de circuitos secundarios de promoción y distribución. Su pista principal viene ocupada por la versión española de "I couldn"t live without your love", popularizado el año anterior en Inglaterra por Petula Clark.

Victoria prescindió de ella en 1968. Poco más sabemos de esta ye-yé de segunda fila. Siguió actuando algún año más bajo el nombre de Yolanda Youthful por la zona de Barcelona. Con este sobrenombre aún grabaría un sencillo en un oscurísimo sello, "El Día Más Feliz / Me Gusta el Otoño" (Aquarium, 1970), que no alcanzó la menor notoriedad.

Nos quedan de ella dos EP sorprendentemente bien interpretados que nos hacen reflexionar sobre las grandes dificultades de destacar a partir de un sello pequeño. Una vez más se demuestra aquello de que quien no tiene padrinos, no se bautiza.

Vicente Parra

Sat, 08 Jun 2013 13:02:00 +0200

Se han dado bastantes casos de estrellas de la gran pantalla que han intentado, casi siempre con escasa fortuna, saltar del celuloide al vinilo. Normalmente se trata de actrices. Por citar sólo españolas, encontramos a Conchita Velasco, Elvira Quintillá, Victoria Abril, María José Cantudo... También ellos han probado suerte en el mundo de la música y es ahí donde nos encontramos con Vicente Parra Collado.

Nacido en el pueblo valenciano de Oliva en 1931, pronto encaminó sus pasos hacia Madrid y hacia los escenarios. A los 18 años ya formaba parte de la compañía de Luis Prendes. Enseguida llamó la atención su elegancia, debutando en la película "Vuelo 971" (1953) de Rafael J. Salvia. Compagina cine y teatro con producciones de poco relumbrón. Su primer protagonista lo hace en "El Expreso de Andalucía" (1956) de Francisco Rovira Beleta. Antes había compartido cartel con Antonio Molina en "El Pescador de Coplas" (1954) de Antonio del Amo.

Su consagración vendría con el papel de Alfonso XII en "¿Dónde Vas Alfonso XII?" (1958) de Luis César Amadori y su secuela "¿Dónde Vas Triste de Ti?" (1960) de Alfonso Balcázar. Esas películas lo convierten en el galán por excelencia del cine español, un auténtico número uno en su profesión. Su cara llena las revistas de la época y Vicente aprovecha el tirón para adquirir un lujoso piso en la Gran Vía madrileña, cerca de Plaza de España, dónde viviría por mucho tiempo. El personaje real marcará ya toda su trayectoria.

En el cénit de su fama es tentado por la industria musical. Debuta con un EP, "Vicente Parra Canta Para Usted" (Hispavox, 1960), encabezado por el cover de "Venus", el monumental éxito mundial del pasteloso Frankie Avalon. El resto del disco está ocupado por temas de compositores españoles, siempre en clave de canción melódica. El nuevo cantante demuestra poseer una voz bien timbrada y de muy corta extensión. El disco queda como una ocurrencia de improbable continuidad. Y en cambio el cine se iba a empeñar en demostrar lo contrario. A las órdenes de Rafael Gil rueda en 1961 la película "Cariño Mío" y ahí Vicente va a cantar la canción que da título a la cinta y que aparecerá en el EP "Cariño Mío / Te Tengo que Encontrar / El Príncipe Azul / Con las Manos Vacías" (RCA, 1962). Este segundo microsurco, cargadito de boleros, va a venderse mucho mejor, convirtiéndose en un hit en aquellos albores de la música moderna en España. Poco después protagonizaría la versión cinematográfica de "La Verbena de la Paloma" (1963) de José Luis Sáenz de Heredia, donde cantará varias canciones que no aparecieron, que sepamos, en disco alguno.

Su mal disimulada homosexualidad va a jugar en su contra y oscurecerá su carrera artística en una época dominada por la machorrería rampante. Sus películas van a espaciarse y a perder entidad hasta casi desaparecer a finales de los 60. Bardem lo recuperará para "Varietés" (1971) como partenaire de Sara Montiel. Luego vendrá la muy premiada y poco conocida "La Semana del Asesino" (1972) de Eloy de la Iglesia.

Muchos años después de sus escarceos discográficos, volverá al redondel negro con "Yo que He Sido Rey..." (Diresa, 1976), cantando y recitando temas compuestos para él por Manolo Galván y Juan Pardo. Canciones de cuidadas letras, escaso calado melódico e interpretación con ciertos ribetes de cantautor.

En los 80 volverá al teatro alejado ya de sus habituales papeles de galán, interpretando a autores tan dispares como Miguel Mihura, Jacinto Benavente o Graham Greene. Su última obra sería "El Pícaro" (1992) de Fernando Fernán Gómez. También se despediría del cine, diecisiete años después de su anterior trabajo, con "Tranvía a La Malvarrosa" (1996) de José Luis García Sánchez. Sería un pequeño papel coral para una gran figura que fallecería poco después, el 2 de marzo de 1997. En cuanto a su carrera musical, no pasó de ser una anécdota intermitente. Evidentemente no era lo suyo, aunque sus primeros discos soportan una escucha, cosa que no puede decirse de todos los actores españoles o extranjeros que en un momento dado se agarraron al micrófono.

Cuerpos y Almas

Sun, 26 May 2013 00:00:37 +0200

Los dúos masculinos siempre gozaron de gran prestigio dentro del pop español. Este formato va a reverdecer en el primer lustro de los 70 merced a parejas como José y Manuel o Víctor y Diego. Cronológicamente, justo en medio de ambos surgen Cuerpos y Almas. Es preciso anotar que ese segundo florecer de estos dúos no tiene su origen en formaciones españolas de la década anterior, sino en la enorme influencia de Simon & Garfunkel en los músicos de toda una generación.

Armando Riesgo Pérez-Dueño (guitarra y voz aguda) y álvaro Fernández Cueto (guitarra y voz grave) habían coincidido desde niños en el instituto. A finales de los 60 habían formado parte de alguno de los multitudinarios grupos de folk que tanto proliferaban por la capital de España y finalmente, hacia 1970, habían decidido formar un dúo para interpretar sus propios temas.

Su debut discográfico se produce con "Samba, Samba" (Regal, 1971). Una canción dentro de los parámetros del folk pop más sofisticado con acompañamiento orquestal que se completaba en la cara B con un tema de Andrés do Barro: "A unos ojos verdes". Hoy nos suena a pachanguita con ínfulas, pero entonces los apuntes de percusión y flauta en un elaborado final y las armonías vocales resultaban ciertamente novedosas en nuestro panorama. El disco se comporta satisfactoriamente en el mercado y se asoma de puntillas a las listas de ventas.

En 1972 publicarán dos nuevos sencillos de calidad; sin embargo, venderán muy poco y pasarán del todo desapercibidos. Eso dará al traste con el proyecto nunca cumplido de grabar un long play. EMI rescindirá el contrato al final de ese año y el dúo estará en un tris de desaparecer. Especialmente interesante es su canción "Katy, ¿Dónde Estará?" (Odeón, 1972) en plena onda Paul Simon.

Pero CBS da sus primeros pasos en España y está haciendo aquella temporada bastante fichajes. Cuerpos y Almas tienen allí una segunda vida que comenzará con el single "Hoy Estoy Sufriendo" (CBS, 1973) con producción de Eddy Guerin. El dúo sufre una renovación que lo acerca a la música comercial de la época, preludiando a Pecos. Vuelven a adquirir una cierta notoriedad, pero siguen sin alcanzar el triunfo rotundo.

Pasarán casi dos años sin nuevas publicaciones hasta que rehacen su trayectoria de la mano de "Rosalía" (CBS, 1975), una composición propia que se convertiría en su tema más vendido y recordado. Aquellos Cuerpos y Almas imbuidos de aires folk rock se nos muestran cercanos a Fórmula V. Las letras que destilaban un cierto contenido social son ahora un barrio de lugares comunes. Vendrá después la extraña "A un Toro" (CBS, 1975), una de sus mejores canciones que no revalidará las ventas anteriores.

Son demasiados años de esfuerzo correspondido solo a medias. Su marca tampoco está por la labor de seguir apostando por Armando y álvaro. Con un pie ya fuera del sello publicarán su último sencillo: "Sin Saber Por Qué" (CBS, 1976), una canción de buena factura vocal y poco tirón que supone el adiós.

Nos quedan los pequeños discos de un dúo que componía bien y cantaba mejor, pero que no alcanzó ese tema mágico que lo catapultara a lo alto del hit parade. Buen gusto vocal, sacando todo el partido a unas voces contrastadas, letras intimistas en ocasiones influidas por un pacifismo militante y músicas un tanto repetitivas fueron sus herramientas habituales. Estuvieron oscurecidos un tanto en sus últimos tiempos -los más fecundos de su carrera- por la aparición de Solera, Víctor y Diego o Cánovas, Adolfo, Rodrigo y Guzmán que navegaban por los mismos rumbos y en los que ellos mismos antes habían influido no poco.

Templeton

Sat, 25 May 2013 20:00:58 +0200

Detrás de Templeton nos encontramos a álvaro Martínez (voz), Brian Hunt (guitarra y voz), Santiago Castillo (guitarra y voz), Javier Carrasco (teclados y voz), Pablo Bordas (bajo) y Gonzalo Mamano (batería).

En cuanto al nombre tenemos que decir que es un pequeño homenaje a las series de TV de su infancia en general y al Equipo A y al apuesto galán Templeton Peck en particular.

Aunque la banda se forma en 2002 en Torrelavega (Cantabria) no es hasta el 2008 cuando irrumpen con fuerza en escena al alcanzar la final del Proyecto Demo y en 2009 nos entregan su primer trabajo: "Exposición Universal" (Subterfuge / Arindelle, 2009). La razón principal es que en estos años no podemos hablar de un grupo constante, más bien de un grupo de amigos que pasaban los veranos aprendiendo a tocar, aprendiendo a hacer canciones bonitas, emocionantes. Cuando se establecen en Madrid es cuando la banda crece y da un paso adelante. En estos años, David T. Ginzo (bajo, teclados, coros) forma parte de Templeton.

Entre sus influencias reconocen clásicos como The Beatles, The Byrds, The Kinks y bandas más cercanas en el tiempo como Low. En su primera entrega, nos encontramos con canciones inmediatas como "Brasil" o "Las casas de verano e invierno", pero la banda presenta un reverso más ambiental, oscuro e incluso psicodélico -"La marcha nupcial" o "La La La (Los niños de San Ildefonso)"-. Los juegos vocales, las guitarras con reverb y distorsión, los vientos suaves y las cuerdas delicadas son un señas de identidad.

La espera por su segunda entrega es más corta y tres años después llega "El Murmullo" (Templeton, 2012).Un discograbado en el estudio de Paco Loco en El Puerto de Santamaría (Cádiz) en abril del 2011 con Hans Krüger (Delorean). De la masterización se encarga Mario G. Albeni en Kadifornia Mastering y en su grabación colaboran Belén Lucena (violín), Llibertat Aguilar (chelo), Angela Solís (viola), David Guillén (trompeta), Antonio Torres (saxo) y el propio Paco Loco (guitarras y percusión).

El grupo muestra una mayor madurez, el tiempo no pasa en balde, y cocina un disco cargado de matices a fuego lento, con mimo y dedicación. Lo suyo es revitalizar lo clásico tirando de personalidad.

Brian Hunt, al mismo tiempo, inicia carrera en solitario de la mano de Limbo Starr tras su paso por Kidsgofree, Russian Red y Half Foot Outside; Javier Carrasco hace lo propio como Betacam.

Grampoder

Mon, 13 May 2013 18:01:09 +0200

Martin Wu y LeRoi son dos viejos conocidos de la escena gallega en general, y de la compostelana en particular. Con un pasado en bandas como Fame Neghra y Stay Pretty, ambos tienen un pasado común en The Homens, una formación con un exquisito gusto por la melodía instantánea, la efervescencia en los coros y los desarrollos power pop con aires sixties, garage y post punk.

Tras dejar a un lado The Homens, en principio se trata de una parada técnica porque Xocas (batería) se marcha a vivir fuera. LeRoi se embarca primero en Mato Grosso -punk experimental, intenso y contundente- con los que entrega el interesante "Blanco Perfecto" (Mato Grosso, 2011) para, posteriormente, asociarse con Martin Wu para dar forma a Grampoder en 2011. Deciden economizar elementos, escuchar música muy variada -Yo la Tengo, Gruff Rhys, The Shins, Pete Seeger, Deerhunter, Michel Cloup Duo, Aries...- y "luego sonamos como podemos".

Su primera entrega, "Golf Whiskey" (Discos da Máquina, 2013), llega de la mano de Discos da Máquina, el hogar de bandas como Das Kapital y Ataque Escampe. La idea es hacer música fácil de transportar, música de guerrilla... "Hacen rock portátil, pop campestre, folk psicodélico, punk acústico, hardcore comeﬂores. Su set cabe en un Seat Ibiza y dicen que tanto pueden tocar en el Carnegie Hall como en el hall de un piso de protección oficial. De hecho, en su corta trayectoria ya tuveron ocasión de actuar en bares, restaurantes, chiringuitos, museos de arte contemporánea, trasteros y salas de estar. Porque el concepto es ese: hacer buenas canciones, con melodía, energía y compromiso, y poder adaptarlas a cualquier escenario".

La grabación tiene lugar en los estudios A Ponte (Santiago DC) en febrero de 2013 con Tomás Ageitos; de la masterización se encarga Dr. Chou y de la producción la propia banda. Marcos Paino aporta programación y bases en "Champagne", "Helsinki" y "Minas de Auga".

Diez canciones en las que se cuestionan el negocio actual, "un ladrón que roba a un ladrón que roba a un ladrón"... cantan en "Capitalismo (mise en abyme)", y se acuerdan de esa extraña personalidad del ciclismo llamada Robert Millar que al retirarse se evaporó por completo.

Lea Zafrani

Sun, 12 May 2013 14:35:30 +0200

A los trece años inicia una carrera que duraría toda la vida, aunque apenas haya tenido repercusión fonográfica. Sus primeras apariciones sobre un escenario fueron haciendo papelitos teatrales, pero enseguida la canción sería su ocupación.

Había nacido a principios de los 40 en el humilde barrio de Alcaravaneras, en Las Palmas de Gran Canaria y sus primeros pasos los dio bajo el nombre de Lidia Guillén. Su primer destino profesional serio lo encontraría como vocalista en la Orquesta Mejías, donde se curtiría como cantante, bailarina y showoman. Después actuaría con asiduidad en Marruecos y Argelia.

Antes de cumplir los veinte se casaría con el futbolista de la Unión Deportiva Las Palmas, Jaco Zafrani (su verdadero nombre es Jacob Azafrani). Su marido era un judío francés de Larache, religión que ella abrazaría a la par de su apellido, que ya formaría parte de su nombre artístico. Sigue a su marido en el peregrinaje por diferentes ciudades españolas y francesas para establecerse temporalmente más tarde en Madrid.

Le surge la posibilidad de participar en el Festival de la Canción de Mallorca y grabar su primer EP, "Las Chicas de Formentor / Sin un Adiós / Marionetas en la Cuerda / Mi Amor Es Azul" (Marfer, 1967). Aquellas "Chicas de Formentor" ocuparían uno de los primeros puestos del evento y sería su canción más conocida, propiciándole una cierta fama a nivel nacional. Siempre en la misma onda aparecería el single "Festivales 1968" (Marfer, 1968), que incluía una versión del eurovisivo "La, la, la". Publica un nuevo EP de contenido variado: "Congratulations / Balada de un Sueño de Amor / La Historia de Tu Amor / Mis Ojos Puestos en Ti" (Marfer, 1968). Un disco curioso en el que conviven Eurovisión, la primera versión española de la después archiconocida "Can't take my eyes off you" y hasta una ensoñación clásica basada en el "Sueño de amor" de Liszt. En la portada de este disco tomaría ya su imagen de pelo corto, tintado en rubio platino y pegado a las sienes, que la definiría durante muchísimos años.

Vivía su año de mayor producción y en verano pasa por la casi obligada cita de Benidorm con un tema de Mario Sellés que daría lugar a su cuarto disco: "Yo Amo / El Amor a la Tierra" (Marfer, 1968). En la cara B, aparece una de las varias y distintas versiones que se han hecho adaptando una letra a la célebre página para guitarra clásica: "Romance anónimo".

Aún haría alguna grabación más que solo se distribuyó con carácter promocional por emisoras de radio, avalada por Mario Sellés, un compositor con el que trabajó aquellos años con asiduidad.

La maternidad la apartó de unos escenarios en los que se desenvolvía con gran soltura. Regresó a Las Palmas, donde en 1969 dio un recital en solitario en el Teatro Pérez Galdós de dos horas de duración a modo de despedida. Desde allí en la década de los 70, al mundo entero. Su primer paso fue un breve contrato en Puerto Rico, que se extendería a Méjico y duraría casi dos años. Se afincó un tiempo después en Extremo Oriente, actuando en night clubs y teatros de variedades de Japón, Singapur, Tailandia y Filipinas. Su repertorio era ahora el clásico de music hall con especial atención a la música sudamericana: tangos, boleros, rancheras, etc.

A finales de los 70 esta luchadora de la canción se reinventa como vedette de revista, triunfando con la producción "Belleza y Humor" con la que giró por toda España y con la que permaneció ocho meses ininterrumpidos en el mítico Pasapoga de la Gran Vía madrileña. Más tarde vendrían otras revistas y actuaciones que se extenderían hasta bien entrados los 80. En esta década regresará a América, actuando incluso en el Madison Square Garden.

De regreso a su isla, viviría un semirretiro roto en innumerables ocasiones, pero sin registrar apenas nuevas grabaciones. En una entrevista, la ya otoñal Lea Zafrani diría que de lo único que se arrepiente es de no haber cuidado mucho más su faceta discográfica, absolutamente abandonada y que no guarda relación con su larga trayectoria sobre las tablas, donde ha sido y, esporádicamente, aún es un auténtico animal de escenario y donde ha alternado de tú a tú con varias generaciones de intérpretes españolas e hispanoamericanas: Olga Guillot, Salomé, Rocío Jurado...

De sus discos nos queda la añeja imagen y el añoso sonido de las chicas ye yé de mediados de los 60 con versiones de éxitos foráneos y poniendo siempre voz y carne a los muchos festivales de la canción que al socaire del turismo inundaron el mapa ibérico. Pero Lea Zafrani ha sido mucho, mucho, más que todo eso, a pesar de los escasos vestigios en forma de redondo vinilo que nos ha legado.

Gato Pérez

Thu, 09 May 2013 11:51:39 +0200

Xavier Patricio Pérez (Buenos Aires, 1951 - Caldas de Montbui, 1990), conocido artísticamente como Gato Pérez, fue un músico hispanoargentino esencial para apuntalar el género de la rumba catalana. Destacó por sus poéticas letras, siempre con un ojo en las calles de una efervescente Barcelona, que combinaba con una música de corte mestizo y popular. Al tiempo, volteó la imagen del cantautor, fundiendo sus textos en ritmos ágiles, casi siempre bailables.

Estudió bachillerato en un colegio inglés, y pronto despertó una tremenda pasión por la música y los coches (siempre quiso ser piloto de rallys). A los doce o trece años ya cantaba canciones de The Everly Brothers. Creció entre mujeres -"Todo sexo femenino"- y con una adoración absoluta por su abuelo.

Xavier llegó a España en plena adolescencia con su madre, según recuerda ella misma en el documental "El Gran Gato" (2003) de Ventura Pons, el 28 de abril de 1964. Su padre había hecho antes el mismo trayecto. Su progenitora no olvida lo mucho que tuvo que pelear para convencerlo, ya que tenía buenos amigos en Argentina. Llegó a encerrarse para no tener que hacer el viaje, pero tras duras negociaciones aterrizó en la Ciudad Condal.

Su amigo Javier Mariscal recuerda al Gato con cariño y explica que "fuimos dos de los que llegamos antes de que muriera Franco, y buscábamos un espacio de libertad". Para ellos, "Barcelona era una ciudad bellísima, como una señora maravillosa que habían escondido en un armario. El puerto se metía por dentro de Las Ramblas, que era como el útero de una mujer. Había noches que veíamos mafiosos con sus trajes y sus pistolas". A la Ciudad Condal dedicaría una buena parte de sus canciones, convirtiéndose en una suerte de cronista musical. El periodista Jordi Turtós recordaba en la revista Ritmos del Mundo que "la rumba incorpora a Barcelona a partir del Gato, él incorpora esa escenografía barcelonesa a las canciones".

Xavier tuvo clara su vocación por la música y dejó los estudios. Tras una experiencia con su amigo Rafael Zaragoza -Zarita- en el grupo Revelación Mesmérica, a finales de los 60 probó suerte en Londres, volviendo con las manos vacías. A su regreso se empapó del ambiente musical barcelonés y de la efervescencia vital y cultural que se vivía en salas como la Zeleste, a la que homenajeó en "Ebrios de soledad".

Tras participar de otra nueva aventura con el grupo country-rock Slo-blo, Xavier formó en la segunda mitad de los años 70 junto a gitanos catalanes el combo jazz-rockero Secta Sónica, un grupo que facturó una música atrevida y experimental en el que las guitarras tenían el principal protagonismo. Editaron dos álbumes, "Fred Pedralbes" (Edigsa, 1976) y "Astroferia" (Edigsa, 1977); ambos reeditados por el sello barcelonés Picap en 2010, cuya labor es necesario reconocer.

Conocedor en profundidad de la tradición de la música popular de su país natal (tango, milonga, bolero), el Gato no se conformó con este proyecto y buscaba un género en el que pudiese plasmar toda su narrativa de barrio, próxima a lo que hace Rubén Blades con la salsa, de un modo profundo y a la vez accesible. Una noche se acercó a las fiestas del barrio de Gràcia y los sonidos le enamoraron: se prendó de la rumba, y dio un volantazo a su carrera musical. Su primer disco bajo el nombre de Gato Pérez, "Carabruta" (Belter, 1978), fue una muestra de que comenzaba a encauzar su enorme talento para componer, aunque no le dejó satisfecho y sufrió una depresión tras su publicación.

Afortunadamente, el Gato tenía claro lo que quería hacer y siguió insistiendo. "Romesco" (Edigsa, 1979) -reeditado por Picap en 2007-, discazo con una filosofía humanista y libertaria, tuvo una mayor aceptación y la poderosa discográfica EMI lo fichó por cinco años. "Atalaya" (EMI, 1981) todavía subiría el nivel con canciones como "Gitanitos y morenos". Llegó a despachar veinticinco mil copias en España y América Latina.

Sus discos posteriores tuvieron una menor repercusión. "Prohibido Maltratar a los Gatos" (EMI, 1982) se editó, tras un primer percance de salud, "bajo los efectos del agua mineral sin gas". "Flaires de Barcelunya" (EMI, 1983) fue el primer álbum íntegro en catalán. "Música" (EMI, 1983) tenía buenas canciones pero pecaba de cierta inconsistencia. En "Ke Imbenten Eyos" (EMI, 1984), Gato coqueteó con el funk, y en "Gato x Gato" (Picap, 1986) -reeditado por Picap en 2003- homenajeó a Barcelona. En "Ten" (Picap, 1987) -reeditado por Picap en 2003-, el músico hispanoargentino se dejó seducir por la pegada de las bases electrónicas. Entre medias colaboró en la banda sonora de la película "La Rubia del Bar" (1986) de Ventura Pons, también reeditada por el sello barcelonés en 2003.

En 1988 mostró otra faceta y firmó como productor el disco "Estrellas de Gracia" (GBBS, 1988), en el que se reunieron algunos de los nombres más destacados de la rumba del barrio barcelonés.

El Gato no llegó a alcanzar un éxito acorde con su talento y en "Fenicia" (Guapa, 1990) -reeditado por Picap en 2007- trataba de ganar el corazón del público con canciones nuevas y algunos éxitos de discos anteriores. Fue el último disco de estudio -se editaron a título póstumo recopilatorios como "El último y el Primero" (K Industria Cultural, 1996) o "Rumbero" (EMI, 1999)- de un artista de pies a cabeza.

Un tipo, recuerda Jaume Sisa, que dominó los tres palos de la sabiduría vital: "Atalaya, biblioteca y calle, decía el Gato. La atalaya era el coco, saber tener en ciertos momentos una visión distanciada y clara sobre las cosas". Un músico que cantó letras festivas y amargas, pero sin negociar jamás unos ritmos populares y alegres. Un infarto de miocardio se lo llevó en 1990 y la gran "Se fuerza la máquina" resultó premonitoria: "Este género divino, esta música excelente / que es la música del pueblo, con la que baila la gente / tiene un gran problema, amigos, tiene un serio inconveniente / exige tantas energías que la salud se nos resiente".

Keltia

Mon, 06 May 2013 18:28:00 +0200

Keltia fue un efímero dúo, compuesto por Xosé Ramón Gayoso y álvaro Someso, que se decantó por el folk gallego con cierta cadencia pop. Decimos efímero porque realmente solo nos dejaron un LP antes de desaparecer: "Choca Esos Cinco" (CBS, 1978).

Se decantan por un sonido acústico, arropados por Pedro Guerrero (guitarras acústicas y mandolinas) y Joaquín Blanco (gaitas, whistles, bombardas, flautas, cromornos y percusión), quienes colaboran en la grabación. Entre las diez composiciones que componen el álbum nos encontramos con adaptaciones de poemas de Rosalía de Castro -"Maio longo", "Adiós ríos, adiós fontes" y "Doce sono"-, versiones de José Afonso -"Choca esos cinco"- y cantigas de Alfonso X "El Sabio" -"Millo verde"-. Del LP se extraen dos singles: "Choca Esos Cinco" (CBS, 1978) y "Vuelvo a Casa" (CBS, 1979).

Las adaptaciones de los poemas de Rosalía de Castro no alcanzan el nivel de las de Amancio Prada ni remontándonos atrás en el tiempo a las de Los Tamara. Son interpretaciones correctas eso sí -"Doce sono" es la más acertada-, pero poco interesantes. La producción es muy simple, predominando desarrollos muy lineales a base de guitarra y flauta.

La aventura es breve y los dos miembros del grupo se dedican a otros menesteres. Xosé Ramón Gayoso trabaja en la TVG desde el mismo día de su inauguración, 25 de julio de 1985, ejerciendo como presentador hasta la actualidad. Ha participado en Entre Nós, Boa Noite, Lúa Nova, O Veciño do Xoves, Corazonada, Adiviña Quen Ven Esta Noite y Pensando en Ti. Con Luar, programa en el que participa desde el 92 hasta la actualidad, alcanza su mayor éxito profesional. Como anécdota decir que fue Campeón de España de lanzamiento de martillo en 1975.

Los Watts

Sat, 04 May 2013 19:36:20 +0200

A mediados de los 60 se formó un núcleo duro de grupos catalanes de rhythm and blues que imitaban como podían a las grandes bandas inglesas de la especialidad y en ocasiones componían sus propios temas: Los Polares, Los Jóvenes, Los Go-Go, Los Zooms, Los No o Los Watts. Otros, los menos, procedían de diversos puntos cardinales, caso de Los Archiduques asturianos, Adam Grup valencianos y Los Grimm madrileños. Ninguno de ellos duraría mucho, pero todos dejaron estimables muestras dando cuarenta y cinco vueltas por minuto en los tocadiscos.

En el número 34 de la revista Fans, allá por 1966, aparece en portada el siguiente titular: "The Watts venden sus huesos para comprar guitarras eléctricas". Personalmente, pensé que debía ser muy incómodo tocar sin esqueleto y que la imagen física de la banda se iba a resentir no poco. En el interior aclaraban que esa venta se realizaba a una facultad universitaria y no se haría efectiva hasta el fallecimiento de los dueños. La noticia dio la vuelta a una España entre perpleja y divertida. Lo que logró rápidamente es un plus de publicidad para este nuevo grupo sabadellense.

Los primitivos dueños de los esqueletos eran Antonio García Romera, Joaquín Catalán, ángel Guardia, Juan Navarro Montoya y Buenaventura Fabregó. El nombre de Los Watts comenzó a sonar por causas extramusicales y enseguida un sello quiso sacar tajada del asunto. Publican dos EP en la misma semana: "Girl / Balla Balla" (Philips, 1966) y "Lágrimas de Rock / Lupe / Un, Dos, Tres / Todo Es Parte de Ti" (Philips, 1966). En su interior puro garaje con versiones de The Beatles, The McCoys, Cilla Black, Elvis Presley, Carl Perkins y algún tema propio. Cada canción es una descarga de menos de dos minutos a piñón fijo con guitarras agudas, eco arcaico, punteos chirriantes, aspereza vocal y escasa maña instrumental. Rock and roll y blues de tres acordes para fustigar con intensos latigazos al oyente.

A finales de 1966 vuelven a ser noticia nacional al batir (o eso se afirmaba) el récord mundial de resistencia tocando durante veinticinco horas ininterrumpidas sin cambiar de músicos ni descansar en un club de Sabadell, un feudo donde eran auténticos héroes locales.

Sus dos primeros EP se vendieron muy poco. Su proyección fuera de Barcelona y su entorno fue nula, aunque aparecieron en algún programa televisivo rodado en los estudios de Miramar. Todavía editarían un tercer disco: "Llegaste Tarde / Bang Bang / No Te Voy a Querer / Solo Tú" (Philips, 1967). Recreaciones de Sonny & Cher y Rolling Stones que seguirían el mismo camino de sus antecesores.

Hacia 1968 finaliza la carrera de uno de los conjuntos más excesivos de toda la década. Bizarría sonora y vital, garaje arquetípico y sonido de una suciedad que no la quita ni el más potente antigrasa. Hoy los pocos ejemplares que circulan de sus viejos vinilos cuestan un huevo y son codiciada pieza de coleccionismo. De sus huesos, palabra que no sabemos dónde pueden hallarse en este momento.

Pepe Domingo Castaño

Mon, 29 Apr 2013 22:12:09 +0200

Reducir a locutor a José Domingo Castaño es ser injusto con una de las personalidades más conocidas de la comunicación española durante varias décadas. Desde luego, ha tocado muchos palillos en su vida y uno de ellos ha sido el de cantante.

José Domingo nació en Padrón (La Coruña) en octubre de 1942 en una familia de doce hermanos y se crió en la época dorada de la radio, peregrinando por varios colegios religiosos de Galicia, Asturias y Palencia, donde se le instó a tomar los hábitos. Pero la radio le había enganchado para siempre. Esa sí era su vocación. No es de extrañar, por tanto, que se presentara a una selección en Radio Galicia, emisora de la Cadena SER en Santiago de Compostela, y consiguiera una plaza. Como aquello repercutía más bien poco en su bolsillo, siguió trabajando de contable en una empresa de su pueblo.

El último día del año 1966 coge un tren y se va a Madrid. Lo primero que hace es ir a despedir el año en la Puerta del Sol. Aquel provinciano traía bajo el brazo un contrato para La Voz de Madrid, donde haría su primer programa: Club Musical. De ahí pasaría a la antena de Radio Centro, donde haría Discoparada, su primer programa más o menos importante. Simultáneamente, comenzó a cantar en algunos grupos madrileños de escaso recorrido.

En 1968 entra por vez primera en TVE para presentar el modesto programa Biblioteca Joven; allí coincidirá con otra alevín de presentadora, una maestra llamada María Luisa Seco, con la que se casaría en 1971. Pero lo suyo era la radio y ahí se estaba dando pasos de gigante. La cadena SER lo repesca en 1973 para sus programas musicales Voces a 45 y Viva la Radio. La pequeña pantalla vuelve a llamarle para presentar A Todo Ritmo. Es uno de los comentaristas y presentadores musicales más prestigiosos y define una imagen muy personal. Su siguiente paso será presentar el programa musical por antonomasia, El Gran Musical.

Está en la cresta de la ola y no es exagerado decir que es una de las personas más populares del país, al menos entre los jóvenes. Entonces decide lanzarse de cabeza a la interpretación y edita "Neniña / Nuestros Dos Caminos" (Belter, 1974). A pesar del sentimentalismo efectista y a una mala mezcla de cantado y recitado, el tema principal, compuesta por Emilio José, vende horrores. Aquel soniquete de "viste pantalón vaquero y las camisas de cuadros. Tiene sencillez oscura y en su alma tiene su armario" se oye por doquier aupada por la todopoderosa Cadena SER. No llega al número 1 ni en ventas ni en Los 40 Principales, pero roza en ambas clasificaciones este puesto. Firma el disco como Pepe Domingo, quizá queriendo marcar una línea divisoria entre su actividad radiofónica y la de cantante. Con este primer sencillo, el de Padrón demuestra dos cosas: que cualquier cosa puede venderse bien con una buena campaña publicitaria y que una buena voz hablada puede resultar penosa cuando se trata de cantar. Presenta en esos tiempos una imagen física caracterizada por un flequillo calado hasta las cejas y unas enormes gafas de pasta con ventanas de densa cristalera. Su vestuario fluctúa entre los repegados suéter tipo fórmula que le confieren un aire de buen embutido y los ternos entallados con pantalón campana a juego que le presentan como un sicoanalista buscando clientes en la discoteca.

Su siguiente disco viene encabezado por una vieja canción de José Luis y Su Guitarra: "Mariquilla" (Belter, 1975) a la que se le acopla un ritmo más o menos funky. Vuelve a dar en la diana. No en el centro de la misma, pero al menos no se sale de la diana comercial. Su carrera periodística sigue viento en popa y entre disco y disco recibe el Premio Ondas, algo así como el Goya de la comunicación en ese momento, por su Gran Musical. Castaño coloca este espacio en el cénit de la radiodifusión española, sucediendo a mitos como Tomás Martín Blanco.

Siempre a la que salta, Pepe Domingo hace discos promocionales para El Corte Inglés y para la Oficina de Turismo de Portugal. Más tarde también cantaría en alguna de las sintonías de sus programas deportivos.

Al año siguiente aparece su primer long play, "A Ti, Neniña" (Belter, 1976), que contiene sus éxitos anteriores y lo que serán sus nuevos sencillos. Temas costumbristas de regionalismo tópico como "Rianxeira", "Galeguiño", "Negra sombra" o baladas ampulosas con mucha orquesta y coro, como "Te canto porque te quiero". Sus prestaciones vocales han mejorado, pero el fogonazo de la oportunidad anda ya extinguiéndose y ni el LP ni los dos pequeños que maman de sus estrías venden cantidades apreciables.

Claro que eso ocurría en España, porque sus canciones habían volado sobre el Atlántico y anidado en México. Deshace su contrato con Belter y ficha por Melody. Este sello azteca estaba aquí representado por Movieplay. Allí firma "Motivos" (Movieplay, 1978), seguramente su canción más recordada. Es disco de oro en aquel país y obtiene unas ventas estimables en nuestro país. Enseguida aparece el LP homónimo, "Motivos" (Movieplay, 1978), con bastantes canciones compuestas por el propio José Domingo que, ahora sí, firmaba con su nombre completo.

Pero su carrera televisiva le llevaba ya a presentar uno de los más populares programas de la historia: 300 Millones, que se hacía en España y se emitía además en toda Hispanoamérica. Poco a poco fue dejando la música y se centró en exclusiva en lo que de verdad sabía hacer. Por ambas cosas, todos salimos ganando.

Rompería fugazmente su retiro discográfico para grabar una serie de recitados del poeta cubano José ángel Buesa que conformaron el LP "José Domingo Castaño Recita Poemas de Amor de José ángel Buesa" (RCA, 1980), un trabajo en el que afortunadamente ni canta ni compone.

A finales de los 80 se reinventa como comentarista deportivo estrella de la Cadena SER con Vuelta Ciclista a Francia y Carrusel Deportivo, programa con el que batirá todos los récords y donde permanecerá durante dieciocho años consecutivos. En 1985 se casará de nuevo, esta vez con María Teresa Vega.

De la SER pasaría a la Cadena COPE, donde ha pasado por diversos programas deportivos hasta el actual Tiempo de Juego. En estos últimos años ha publicado también varios libros de ensayo sobre la radio y la comunicación y ha recibido diferentes premios a toda una vida tras el micrófono. Tras el micrófono de la radio, claro; pues el otro no pasó de ser una anécdota en la vida de este comunicador.

Los Nitxos

Tue, 23 Apr 2013 16:56:00 +0200

Los Nitxos cuentan deber su origen a una necesidad por oscurecer sonidos, una tendencia por "crear atmósferas de penumbra y ruidismo". También mencionan una serie de casualidades con respecto a los Gories: de creerles a pies juntillas, tanto álvaro y Pablo por un lado, como Asier y Hugo por otro, habrían oído el mismo día en situaciones y lugares distintos, un tema de esta banda. álvaro era bajista en Ciudadano X, Asier guitarra en Erizo, Hugo batería, tocaría en Acapulco Gold Diggers, pero Pablo no tenía experiencia alguna en lo que se refería a cuestiones musicales en activo. No importó, acordaron que él fuera el cantante del grupo que formaron a principios de septiembre de 2009.

Aunque posteriormente el sonido evolucionó hacia otros derroteros fue el sonido sucio y simple de Gories el que se plantearían como referencia. "Hacer algo sencillo y después darle la vuelta" nos cuentan. Teniendo el punto de mira en un sonido sucio y ambientes oscuros, se decantan por el nombre de Los Nitxos, en el que juguetean con cuestiones ortográficas propias de la tierra y hacer parecer la letra T como una cruz invertida.

Debutaron en junio de 2010 tocando en la sala Ibu Hots, de la que es responsable Hugo, tocando con los irlandeses Wellington Irish Black Warriors.

Unos pocos meses después, en noviembre del mismo año, y aprovechando el contacto de una amiga que trabajaba allí (Sarah Hardiman), entraron en los Scar Studios de Londres para grabar media decena de temas. Terminaron todo en una noche en una sesión que duró unas seis horas trabajando con Ramón Abelló como responsable de las cuestiones técnicas. Amortizaron además el viaje con un concierto con las bandas Astrohengue, Yokozuna y Perrine En Mor Ceaux.

La maqueta resultante, "Grandes Decesos" (2011), una media hora de música, se editó el 3 de marzo de 2011 tras la remezcla de Roberto Lekuona (Pitu), ingeniero de la sala Hell Dorado de Vitoria. Presentada con la imagen de John Lennon tras ser asesinado suponía el debut de la banda vitoriana. Compuesta, eso sí, desde planteamientos bien simplistas -la batería estaba tocada sin bombo-, las canciones serpenteaban remolonas extendiendo versiones de Joy Division, líneas de rock clásico con tintes de grasa de taller y disquisiciones de hasta 13 minutos de gran densidad.

Bien situados en la parrilla de salida de la actividad musical de la capital alavesa por su conexión con la sala Ibu Hots, no dudan en participar en iniciativas encaminadas a dar a conocer lo que se cuece en la ciudad y colaboran en el vinilo "Gasteiz Dirt Capital" (Bi Batean, 2012). En el disco, Los Nitxos aunaban esfuerzos, contribuyendo con dos temas ("Dead man" y "Superblonde") con los grupos Turboneskak, Los Cainíbales, Azken Ordua, Sumisión City Blues y Los Fontane, y el sello Bi Batean Diskak para mostrar qué tipo de música se hace en la ciudad. El surf, hardcore, punk, noise y blues de las seis bandas sonó en directo en la sala Hell Dorado en la presentación de las seiscientas copias que salieron a la calle del vinilo.

La banda introduce ligeros toques en su intento por conformar una música que "aparece traspasada por melodías de ultratumba y pantano y repiques a ritmo de galera. Sin grandilocuencias, sin concesiones", introduciendo el teclado de Santi en 2012.

En noviembre de 2012 aprovecharían su concierto teloneando a Gallon Drunk en la sala Jimmy Jazz para registrar el material para el que sería su debut discográfico, "10/10/12 Dead at Jimmy Jazz" (Los Nitxos, 2013). Un ejercicio de autoproducción para editar las atmósferas espesas, de punk rock oscuro con maneras y ganas de trascender que son capaces de tejer en sus actuaciones. En los siete temas incluidos había sitio para "Nothing left" e "Interzone", que ya estaban en su maqueta original y "Dead man" que aparecía en "Gasteiz Dirt Capital".

Los Nitxos han tocado en casa, además de los ya mencionados, junto a Los Cuantos, Digital Leather o Lüger; en Bilbao han sido teloneros de Lydia Lunch, en San Sebastián han compartido escenario con Sumisión City Blues y finalmente en Madrid, en el Rock Palace con Fabuloso Combo Espectro, precisamente en el concierto que dieron los madrileños como despedida de la que había sido hasta entonces su batería, Sara.

Los vitorianos reconocen varias fuentes de inspiración para su música. Hablan de garage actual (Grinderman, Dirtbombs, Jon Spencer, Baby Woodrose), de influencias post-punk (Alan Vega, Alien Sex Fiends, Love & Rockets, The Fall) o del noise (Sonic Youth, The Walk On By, My Bloody Valentine o Th"Faith Healers).

Juan Perro

Sun, 21 Apr 2013 12:31:32 +0200

Juan Perro es el álter ego de Santiago Auserón (Zaragoza, 1954), uno de los nombres propios del rock español tanto por su exitosa trayectoria con Radio Futura, como su más minoritaria (pero no por ello menos interesante) andadura en solitario.

Hombre inquieto y docto en letras, licenciado en Filosofía, Auserón decidió volver a España y abandonar la idea de ser profesor en París, bajo la influencia de los discos de Elvis Costello o Talking Heads, según el mismo confesaba. "Sentí una especie de llamada de la tribu que me obligaba a venir hacia atrás, hacia Madrid, y tuve claro que, como aficionado a cierta suerte de filosofía y literatura, iba a encontrar experiencias más próximas a lo que estaba buscando dentro del rock español de aquellos años".

Junto a su hermano Luis y Enrique Sierra fundó Radio Futura, una de las mejores bandas de la historia del rock en castellano. La calidad de la banda y su ambición creativa no pasó desapercibida ni para los críticos ni para el público. Entre 1980 y 1992, Auserón y sus compañeros alcanzaron la notoriedad con grandes canciones como "Enamorado de la moda juvenil", "Veneno en la piel", "Escuela de calor" o "Semilla negra". Esta última pieza ya permitía comprobar la querencia del vocalista y compositor por los ritmos latinos.

El éxito de Radio Futura acabó por ser una de las causas de la disolución del grupo, cada vez más preso de compromisos comerciales. La banda decidió el fin del trayecto, según relata Auserón, tras "preguntarnos si era más importante asegurar la pasta o la emoción por la música y un trato más familiar entre nosotros. Y creo que acertamos". El músico zaragozano se embarcó en 1993 en una gira con su amigo Kiko Veneno, que venía de publicar el maravilloso "échate un Cantecito" (BMG / Ariola, 1992).

Auserón apostó por dar rienda suelta a sus inquietudes latinas y escapar un poco del bullicio al abrigo de un nuevo alias, Juan Perro, al que ya había aludido en un disco de Radio Futura de 1987 -"La Canción de Juan Perro" (Ariola, 1987)-. Se definía así como un trovador errante, "el primer alumno español del son cubano", que pretendía hermanar su herencia rockera con la tradición musical de la isla, de la que era un ferviente admirador desde su primera visita, en 1984.

El excelente "Raíces al Viento" (BMG / Ariola, 1995) fue la primera entrega, y a pesar de que los últimos discos de Radio Futura dejaban entrever una cierta senda, pareció coger desprevenidos a los seguidores de la banda. El álbum cosechó buenas críticas, pero también cierta incomprensión, a pesar de contar con canciones incontestables como "Cozumel" o "El barco de agua". Producido por Joe Dworniak y grabado entre La Habana y Londres, "Raíces al Viento" tiene un sonido excelso y es rico en matices y colaboraciones de músicos de renombre.

Auserón siguió perfeccionando su estilo en "La Huella Sonora" (BMG / Ariola, 1997) e incorporando canciones de excepción a un repertorio cada vez más sólido en solitario. "Señora del mar" o "El agua de los ríos" demostraban que el aragonés seguía suelto por el nuevo camino que había trazado.

Sin embargo, el éxito de ventas no acompañaba la buena línea creativa del autor, inmerso también en la producción de referentes de la música cubana como Compay Segundo, y para el siguiente disco hubo cambios. El primero, de discográfica. Fue DRO / EastWest la que publicó "Mr. Hambre" (DRO / EastWest, 2000), un álbum grabado de forma casera e independiente y en el que Juan Perro se acercó al rock, haciendo especial hincapié en las letras. Un trabajo menor comparado con sus dos hermanos, aunque temas como "Charla del pescado" -que podría estar en cualquier disco de Radio Futura- fueron bien acogidos por el público.

La siguiente parada sería "Cantares de Vela" (La Huella Sonora / GASA, 2002), en la que Auserón trató de sentar las bases de una suerte de soul latino. Canciones como la inolvidable "No más lágrimas" demostraron que tenía el talento suficiente para lograrlo.

Juan Perro tardó nueve años en entregar su nuevo trabajo, "Río Negro" (La Huella Sonora, 2011), con la autoproducción como bandera, aunque durante ese periodo Santiago Auserón editó dos discos bajo su nombre: uno de versiones de clásicos traducidos del inglés al castellano junto a su hermano Luis, "Las Malas Lenguas" (La Huella Sonora / GASA, 2006), y un directo, "Canciones de Santiago Auserón con la Original Jazz Orquestra del Taller de Músics" (La Huella Sonora, 2008), que se vendió junto con el diario El País.

Al margen de estos dos discos, durante casi una década el músico se dedicó a identificar las conexiones entre la tradición del son rural cubano y la del blues rural norteamericano, buscando puntos de encuentro y tratando de adaptar ese espacio sonoro a la rima castellana. "Río Negro", un trabajo maduro, muestra los resultados de esta nueva vía de investigación.