lafonoteca.net: Últimos grupos de música española

Tartesos

Thu, 09 Jul 2009 12:09:39 +0200

Escribir sobre Tartesos es referirse obligatoriamente a su teclista y eventual cantante, Manolo Marinelli, un auténtico trotamúsico que nunca militó en un grupo de primerísimo fila, pero que pasó por varias bandas de muy distintos estilos con el denominador común de haber sido en su momento innovadoras y haber dejado inscrito su nombre entre las mejores de la historia del pop rock español. Manolo formó parte de Gong, banda sevillana que junto a Smash fueron las primeras en hacer rock progresivo en esa ciudad. Posteriormente se trasladó a Madrid donde estuvo durante unos meses en Cerebrum. De vuelta a su tierra entabló amistad con el grupo onubense The Keys que en poco tiempo acabó convirtiéndose en estos Tartesos. Junto a Manolo Marinelli, el grupo estaba formado por Pepe Roca (flauta, guitarra, voz y compositor de buena parte de los temas), José Barros (guitarra y percusión), Eliseo Alfonso (bajo) y Antonio Moreno (batería).

En 1972 Tartesos firma contrato con Philips y en febrero del año siguiente ve la luz su primer single: "Ven a mí / Creo en ti" (Philips, 1973), al que seguirían otros discos que no conocieron el éxito comercial. En el verano de 1974 su cuarto microsurco da en la diana y coloca su tema principal "Bandolera" entre los primeros lugares de las listas de ventas, siendo uno de los temas veraniegos de aquel año. Este éxito concede al grupo la confianza suficiente de cara a su discográfica su primer y único LP "Tiempo Muerto" (Philips, 1975), un album de cuidada producción y que incluía en algunos temas elaborados arreglos de cuerdas, viento y teclados.

Este LP no pasó desapercibido; sin embargo, no alcanzó las expectativas depositadas en él. Esto, unido a las tensiones en el grupo, aligeró su disolución. Manolo Marinelli y Pepe Roca fundarían más tarde el grupo Alameda, uno de los iconos del rock de raíces andaluzas. Manolo Marinelli falleció en 1999 y hoy es recordado como uno de los grandes músicos del rock andaluz.

Tartesos practicaron un folk rock con alguna concesión a la sicodelia. En la zona del suroeste español fueron un grupo puntero con un gran número de seguidores; sin embargo, en el resto de España fueron menos conocidos. Estuvieron muy mediatizados por las exigencias de su discográfica. Esto les llevó a practicar una música en directo con influencias de gente como Supertramp o Crosby, Stills and Nash; y otra bastante distinta en sus discos con tintes de pop comercial al uso. De todos modos, la dignidad de su trabajo quedó patente en cada uno de los temas que nos dejaron grabados y nunca cayeron en el estilo hortera de otros grupos comerciales de su época.

Australian Blonde

Mon, 06 Jul 2009 10:58:31 +0200

Australian Blonde ocupan un lugar capital en nuestra escena, dejando a un lado el aspecto musical, a la banda gijonesa siempre les deberemos el hecho de colar el indie en el mainstream patrio. El éxito inmediato de ese himno generacional llamado "Chup chup" no sólo reventó las listas de ventas sino que también permitió a Subterfuge jugar en las grandes ligas -grupos como Dover o Fangoria garantizarían su permanencia en ellas-. Australian Blonde dieron el pistoletazo de salida a ese movimiento indie que centralizó prácticamente todas las miradas a lo largo de la década de los 90, permitiendo a sus compañeros de viaje acaparar las portadas de los medios y recibir el calor del público.

Mirando con perspectiva esos años, uno se da cuenta de que independientemente de la calidad musical de muchas de las bandas, estas permitieron consolidar una industria musical underground que hasta el momento subsistía en condiciones ínfimas y captar la atención de un público despierto que esperaba con los brazos abiertos una revolución que los sacase del letargo.

La banda nace en Gijón en el 92 con Tito Valdés al bajo, Roberto Nicieza a la batería y Fran Fernández como guitarra y cantante. Un anuncio en una cabina telefónica londinense que ofrecía los servicios de una explosiva rubia australiana es la fuente de inspiración para bautizar el grupo.

Los acontecimientos se suceden de manera vertiginosa: ganan el concurso de maquetas de la Sala Maravillas, llegan a la final del de la Rockdelux y fichan por Subterfuge, sello con el que lanzan su primera referencia, el 7" compartido con Kactus Jack, "Split" (Subterfuge, 1992).

Pero el verdadero pelotazo llegaría con "Pizza Pop" (Subterfuge, 1993), sin duda uno de los discos más representativos de la década de los 90. Sin esconder sus influencias -Dinosaur Jr, Buffalo Tom- ni su amateurismo, nos presentan un bloque de canciones sincero y convincente, además de un hit efervescente que marcaría una época "Chup chup". Su popularidad crece como la espuma con la inclusión del corte en ese intento fallido de retrato generacional que fue "Historias del Kronen" (Montxo Armendáriz, 1995) y en un anuncio de la marca de bebidas Pepsi. Las ventas se multiplican pero la banda comienza a recibir caña, se les echa en cara en cara que se han vendido y se duda de su militancia independiente.

En el 94 entregan el EP "Spiral" (Subterfuge, 1994) -regalo que acompaña al número 16 de la revista Spiral- y su esperado segundo largo, "Aftershave" (Subterfuge / BMG, 1994). En él incluyen una versión del "Callin' of the sioux" de Los Sangrientos que anticipa las geometrías que nos encontramos en sus últimos trabajos. Repite Paco Loco a la producción -de hecho su labor tiene un gran protagonismo en el sonido de la banda- y cuentan con las colaboraciones de grandes personalidades de la escena gijonesa como Tito Pintado (Penélope Trip), José Luís García -Rubio- (Manta Ray) y Chus Naves (Salón Dadá). El disco no alcanza la repercusión esperada, ni en las críticas ni en las ventas. En este año tan prolífico también realizan una gran versión del "20th Century Boy" para el disco tributo a Marc Bolan del Colectivo Karma.

En el 95 se producen cambios en la formación, entrando Paco Martínez a la batería. Al abrigo de RCA la banda goza de una posición consolidada dentro de nuestra escena y durante estos años participa en los grandes festivales nacionales: FIB, Festimad y Doctor Music. Paco Loco continúa colaborando activamente y les produce de nuevo su siguiente largo "Australian Blonde" (BMG, 1996). Nos encontramos un giro en su sonido, con un disco melancólico, con canciones largas que se centran en los sentimientos perdiendo esa urgencia tan característica en la banda. Y es precisamente esa seriedad impostada y el renunciar a su esencia lo que convierte al disco en un gran fracaso. Además tiran de archivo para dar forma a "Una Recopilación de Caras B y Otras Rarezas Inencontrables" (Subterfuge / BMG, 1996), un título más que explícito para titular esta colección de demos y rarezas.

Se acercan al cine con las bandas sonoras de los cortos de Aure Roces "Rondadores Nocturnos 3" (1998) y "Rondadores Nocturnos 2" (1999). RCA hace una importante promoción de su siguiente largo, "Extra" (BMG, 1998), y a pesar de encontrarnos con su mejor trabajo en años las ventas continúan sin remontar. Paco se anima y además de su labor en la producción aporta su guitarra. Se trata del reverso más luminoso de su anterior entrega, la inmediatez y la urgencia vuelven a ganar protagonismo y nos encontramos con una más que decente colección de singles mezclada con maestría por John Agnello.

Con respecto al disco, Fran comentaba en una entrevista a la Mondosonoro en Febrero del 99: "Hay una búsqueda deliberada del single porque creo que es lo que quiere la gente. Y también nosotros, no te vamos a engañar. Siempre ha habido mucha hipocresía acerca del hecho de vender discos, estar en sellos independientes o multinacionales. Nosotros queremos vender discos haciendo la música que nos gusta, y creemos que 'Extra' puede conseguirlo... Yo creo que es un disco comercial, pero en el buen sentido de la palabra. Es un disco con hits. Y creo que, precisamente por culpa de eso, es nuestro mejor disco". RCA lanzaría una nueva edición del disco incluyendo como tema extra la versión de "My Way" (Paul Anka), una canción recurrente en nuestra escena que también sería versionada entre otros por Los Piratas.

Durante la grabación de "Extra" en Nueva York conocen a Steve Wynn, la conexión entre el otrora líder de Dream Syndicate y los de Gijón es total y comienzan a trabajar juntos con Paco Loco como intermediario. La banda graba la música y Paco se la manda a Steve vía mp3, este graba la voz y Paco se encarga de su producción. Una conexión a tres bandas que da como resultado "Momento" (Astro, 2000), un disco sencillo y exquisito que va más allá del típico experimento, aires pop rock clásicos que cuidan los estribillos y que pasan por cierto filtro sureño.

En el 2001 entregan el EP "In it for the Money" (Astro, 2001) y un año después el largo "Lay it on the Line" (Astro, 2002). Mirando con perspectiva el largo recorrido de la banda por la música americana, vemos como quedan muy lejos sus escarceos con el noise y que sus influencias han crecido considerablemente desde aquellas reduccionistas de Dinosaur Jr, Buffalo Tom o Lemonheads de sus primeros discos. Ahora podemos percibir la presencia de The Beach Boys o The Byrds con facilidad.

Tito abandona el grupo en el 2003, entrando Pablo Errea (Edwin Moses) al bajo. Y con esta formación graban "Canciones de Amor y Gratitud" (Astro, 2004), un disco en el que su gusto por el clasicismo y la melodía se acrecienta. Astro edita también una edición en digipack que incluye cuatro cortes extra.

Subterfuge celebra los más de diez años transcurridos desde el lanzamiento de su debut para poner en el mercado "Pizza Pop (reedición)" (Subterfuge, 2004), un artefacto sonoro que además de las 16 canciones originales, incluye diez temas extra rescatados de EPs, maquetas y recopilatorios. También participan en los discos tributo a Depeche Mode -"Devoción por las Masas" (El Diablo, 2004), interpretando "People are people"- y a Mecano -"En tu Fiesta me Colé" (El Diablo, 2005) con "Máquina de vapor"-.

La banda se separa y sus componentes se centran en nuevos proyectos. El más activo es Fran, quien junto a Sergio Algora (El Niño Gusano) monta La Costa Brava y además da forma a una nueva aventura en solitario a la que bautiza como Francisco Nixon.

Tras cinco años de silencio, el 22 de enero del 2009 la banda se reúne para participar en las celebraciones del 30 aniversario de la sala El Sol de Madrid, compartiendo escenario con los Layabouts y anuncian el lanzamiento de un nuevo disco del que ya podemos escuchar las maquetas en su myspace.

Tílburi

Thu, 02 Jul 2009 01:02:06 +0200

En los primeros años 70 la influencia en la música española de bandas foráneas como Crosby, Stills, Nash & Young o América fue evidente. Vendieron muchos miles de discos e introdujeron en nuestro país el folk rock acústico que les caracterizó. No obstante, fueron pocas las formaciones españolas que siguieron sus pasos. El grupo madrileño Tílburi fue una de ellas. Acompañamientos sencillos basados en guitarras de seis y doce cuerdas, armonías vocales muy trabajadas y composiciones de buen gusto fueron sus principales armas.

Las primeras actuaciones de Tílburi se remontan a 1973 con el formato trío compuesto por José Luis Barceló (guitarras acústica y eléctrica, mandolina, violín y cantante), Antonio Rentería (guitarras acústicas de 6 y 12 cuerdas, armónica y voz) y Nano Domínguez (bajo y voz). Estos tres músicos se mantendrían unidos hasta la desaparición del grupo en 1977. Aunque apenas aparece en los créditos y su participación en grabaciones fue escasa, hubo un cuarto tílburi que acompañó al trío en muchas de sus actuaciones en directo, el batería y percusionista Celso Velasco.

En 1975 graban su primer LP, "¡Al Fin!" (Movieplay, 1975), con temas propios cantados en inglés y al año siguiente aparecerá su segundo LP, esta vez cantado en castellano y con un sonido más mediterráneo, "Alcocebre" (Movieplay, 1976), ambos producidos por Gonzalo García Pelayo para su sello Gong, subsidiario de Movieplay.

Asiduos participantes en actuaciones y festivales, fue uno de los grupos que tuvo el honor de participar en el primer macrofestival celebrado en España: El Festival Ciudad de Burgos, celebrado el 5 de junio de 1975 en la Plaza de Toros de esta ciudad, rebautizado como Festival de La Cochambre a raíz de un desafortunado artículo publicado por el Diario de Burgos, titulado "La Cochambre ha invadido la ciudad". Precisamente, Barceló y Rentería compusieron un tema titulado "La cochambre" en recuerdo a aquella jornada cargada de sueños, buenas intenciones e incomprensión. Este tema fue posteriormente incluido en el LP publicado por Chapa, titulado "Rock del Manzanares. Viva el Rollo vol. 1" (Chapa, 1976).

Tílburi desaparece a principios de 1977 y con ellos uno de los pocos intentos serios de hacer folk rock en España. Su bajista, Nano Domínguez sería desde entonces uno de los puntales de La Romántica Banda Local. Celso Velasco fundará el grupo Paracelso y el Gran Wyoming.

Union Pacific

Tue, 30 Jun 2009 01:48:36 +0200

Union Pacific representa mejor que nadie la tenacidad del metal madrileño. Una década entera de actividad y dos singles como único legado sonoro no parecen ser datos para presumir de carrera brillante. Sin embargo, ese afán de supervivencia y adaptación a las corrientes musicales de toda una década, alcanzará en los ochenta su premio, ya que Union Pacific será el embrión del que nazca Obús, una de las más grandes bandas del heavy español.

El hilo conductor de Union Pacific es el batería Fernando Sánchez, que en 1970 estudia bachillerato en el Colegio Gredos, en Vallecas, y forma junto a tres compañeros un grupo encargado de amenizar bailes juveniles en los barrios más humildes de Madrid. Aunque en esos bailes tocan de forma más o menos creíble los éxitos del momento, deslizan siempre en ellos temas de rock fuerte en algún caso compuestas por ellos mismos.

En aquellos primeros momentos el grupo lo integran: Gonzalo Sánchez y Alberto Moreno (guitarras), Alberto Martínez (bajo), Germán Sánchez (órgano) y el ya mencionado Fernando Sánchez (batería). Hacia 1975, cuando el grupo comienza a hacerse un nombre en el panorama madrileño, comienzan los cambios debido a la desgracia militar que los españoles debíamos soportar. Los dos guitarristas abandonan a la fuerza el grupo y son sustituidos por Isidro Rodríguez y Juan López Clemente. Es un periodo más sinfónico siguiendo los vientos imperantes en Europa. Union Pacific pronto volverá a lo suyo: el rock urbano. En 1976 el naciente sello Chapa les propone grabar su primer single. Por aquellas fechas Isidro será sustituido por un nuevo guitarrista, Pepe Marchante, y Germán abandonará definitivamente el grupo, que quedará momentáneamente reducido a cuarteto. Las dos canciones de este single -"A tu marcha" y "Escapa"- serán incluidas en el recopilatorio "Rock del Manzanares (Viva el Rollo v.2)" (Chapa, 1978).

En los siguientes años van a seguir sucediéndose los cambios en la formación. Entre 1978 y 1979 se produce un momento clave al reconfigurarse el grupo con Juan López Clemente y Paco Laguna (guitarras), Kike (bajo), Fructuoso -Fortu- Sánchez (cantante) y Fernando Sánchez (batería). Esta formación grabará el segundo single del grupo: "Detrás de ti / Volver a Sentir" (Chapa, 1979). Todavía habrá un cambio más. Toni Acebes sustituirá a Juan López Clemente, que durante los últimos años había ejercido el papel de líder de la banda y compositor de casi todos los temas.

Poco después Fortu, Paco Laguna y Fernando Sánchez formarán Obús con los que obtendrán, por fin, el merecido reconocimiento. Pepe Marchante también continuará en la música, convirtiéndose en un reputado músico de sesión.

Joe Crepúsculo

Tue, 23 Jun 2009 00:42:20 +0200

Aunque no lo conozca personalmente, estoy casi seguro de que Joël Iriarte, uno de los grandes triunfadores del 2008 con su alter ego Joe Crepúsculo, es un tio real, un tio auténtico. Vivimos un momento en el que dando una patada al aire salen multitud de "productos", todos muy similares (sí, "productos"), y encontrarse con propuestas como la de Joe Crepúsculo, que aparecen para alegrarte la vida sin más, con alguien que no vende una imágen, sino simplemente su creatividad, su música, es algo totalmente digno de alabanza.

Crecido en un ambiente de guitarras y conciertos (su padre tocaba en el grupo de hard-rock Lirones Caretos), empezó a componer música con ordenador a la temprana edad de diez años, utilizando samples de ocho bits en sus inicios y recorriendo estilos tan diversos como el techno, el drum & bass o el ambient.

Así pues, el teclista de Tarántula se fue haciendo mayor, también musicalmente, y formó Producciones Doradas, con el propósito de autoeditar sus propios trabajos de una manera libre, sin imposiciones, despegando al fin en la que sería su aventura en solitario con "Escuela de Zebras" (Producciones Doradas, 2008) un soberbio disco de debut -que en cierto modo seria "heredero" de la filosofia punk del "hazlo tu mismo"-, en el que el órgano Hammond ejerce el papel de fiel compañero.

En este su primer trabajo, Joe Crepúsculo nos da la bienvenida a una manera muy peculiar de cantar historias, unas historias sencillas, como de andar por casa, en las que nos puede hablar tanto de pólvora y vaquillas ("Fiesta Mayor"), como de amores imposibles ("Gabriela"), o incluso hacernos reflexionar sobre los excesos de juventud y mirar al futuro con una cierta inquietud y/o melancolía ("Viejos"). Su estilo, posiblemente algo desconcertante al principio, se va transformando poco a poco en algo tremendamente adictivo, indescifrable a la par que mágico, un estilo en el que poderosas guitarras acústicas se suman a austeras bases rítmicas del tecno-pop más verbenero, confluyendo y avanzando de la mano con total naturalidad melódica.

Por si fuera poco, y el mismo año de su debut, Joe nos llegó de nuevo para obsequiarnos con un nuevo trabajo, "Supercrepus" (Producciones Doradas, 2008) (hay que recordar y elogiar el hecho de que ambos álbums, se podían descargar gratis desde su página web), y ¡menudo regalazo!

"Supercrepus", es un sinfín de nuevos hits de lo más festivos, uno detrás de otro, sin descanso, que incitan ser tarareados y bailados desde la primera escucha, resultando un disco algo más cohesionado y exigente que el de su debut, más rico musicalmente y de una temática más directa y subjetiva, la evidencia más clara de lo que el tiempo y la crítica, finalmente, han alzado en un merecido altar: que tras esa voz desganada y acompañada por melodías delirantes, se encuentra un gran compositor con estilo propio y que, además, está en estado de gracia. Gracias Joël.

Los Banzos

Sun, 21 Jun 2009 18:40:41 +0200

El desembarco de la psicodelia en España dio a luz una gran cantidad de grupos que a menudo apenas publicaron uno o pocos más sencillos sin posibilidad de continuación. A algunos les bastó para alcanzar el éxito en su momento (Los Buenos); a otros, para ser reivindicados hoy día (Los Grimm). Sin embargo, quedan otros tantos aún que no entran en uno u otro grupo y por méritos propios merecen ser rescatados. Ahí, por ejemplo, entrarían Los Banzos.

Fundados en 1966, Los Banzos realmente provenían de una serie de bandas que les remontan hasta 1961. Su penúltima reencarnación fue como Los Hagstrom (nombre de un modelo de guitarra), y bajo ese nombre es donde toman forma: adquieren experiencia en vivo tocando durante un año en Ibiza -ya entonces parada de hippies de todo el mundo- y, consecuencia de ello, un mayor nivel técnico. Así, graban una serie de maquetas que mandan a diversas discográficas y les suena la flauta con Polydor que, eso sí, les obliga a cambiar de nombre por uno en español. Es así como formalmente nacen Los Banzos. Aunque un banzo es un travesaño, al parecer el nombre proviene de una broma surgida en la búsqueda de su nueva denominación.

En sus diversas etapas el combo había tenido numerosos cambios de formación. Para los Banzos, la cosa queda así: Arturo Goicoechea (guitarra, órgano, saxofón, voz), Manuel ángel Cortés (guitarra baja), Enrique Insuela (guitarra), Alberto Cacho (batería) y Curro Serrano (voz). Merece la pena destacar a Arturo, autor de algunos de sus destacados arreglos así como de varias canciones, y que como vemos desempeñó múltiples tareas instrumentales gracias a su sólida formación musical, y a Curro Serrano, poseedor de una viril voz que en un principio parece quedar fuera de los parámetros del estilo cultivado y que, sin embargo, adapta perfectamente a las canciones y les dota de cierta singularidad.

En un plazo inferior a un año, los Banzos editaron tres sencillos. Los dos primeros fueron producidos por Alfonso Sainz, uno de los fundadores de Los Pekenikes, y el último por Arturo Goicoechea. Con ello, se convirtieron, junto a Los Mismos, en la primera banda pucelana en publicar un disco. Aunque sus ventas eran modestas, sí eran decentes y progresivas, y hasta actúan en televisión -enorme trampolín-; sin embargo, el grupo desaparece por centrarse sus miembros en sus estudios y todos ellos dejan el mundo de la música de forma prácticamente fulminante.

Hoy día Los Banzos carecen del reconocimiento de otros de sus contemporáneos, pero desarrollaron un estilo, el pop barroco, poco cultivado en aquella España. Su breve legado merece ser revisitado. Y eso hacemos aquí.

La Romántica Banda Local

Thu, 18 Jun 2009 23:02:56 +0200

Hay grupos que solo son explicables dentro de unas coordenadas espacio-temporales determinadas. Eso les hace inclasificables en cualquier otro contexto. Se me vienen a la cabeza gente como Solera, Vainica Doble o Paraíso. Pues bien, de todos ellos el más inclasificable es La Romántica Banda Local. Su espacio: Madrid. Su momento: los tiempos con todo por inventar que los libros de historia llaman transición. No es un grupo de La Movida, pero la anticiparon; no es un grupo de rock, pero no le hacían ascos a los ritmos duros; no se dedicaban al folk, pero su guitarrista estaba empeñado en lo contrario; no eran punkis, pero sus planteamientos escénicos parecían desmentirlo. Este eclecticismo les permitía dar un concierto el sábado mano a mano con Topo y el domingo alternar con los primeros Kaka de Luxe sin desmerecer de ninguno de ellos.

Sus inicios se remontan a principios de 1977 cuando seis estudiantes de la Universidad Complutense y el Conservatorio de Madrid comienzan sus ensayos en busca de algo que rompiera la monotonía musical existente. Ellos son Fernando Luna (flauta, voz. clarinete y compositor de la mayor parte de los temas), Carlos Faraco (cantante y showman), Jorge Mariano (guitarra), Enrique Valiño (violín), Paco Beneito (batería) y Nano Domínguez (bajo). Este último, el único con experiencia musical previa, pues había pertenecido al grupo Tílburi.

Actuaban sobre todo en colegios mayores madrileños y ahí, concretamente en el Alfonso X el Sabio, en un concierto que daban como teloneros de Tequila, fueron fichados por la Compañía Fonográfica Española, en esos momentos a punto de ser absorbida por Zafiro.

En la CFE graban un primer LP, "La Romántica Banda Local" (CFE, 1978). Conviven en él ritmos típicos de pop rock con flamenco, valses, mazurcas, jotas... y unas letras desenfadadas dignas de una antología poética. Pillan por sorpresa a todos, venden unos veinte mil ejemplares, actúan en televisión y suponen un aldabonazo en el adormecido panorama musical.

Fundaron, junto a otros grupos madrileños, el colectivo La Cochu en el Centro Cultural La Prospe, una suerte de proyecto musical autogestionario que permitió echar a volar a muchos incipientes grupos de lo que dos años después se llamaría Movida Madrileña.

Su puesta en escena era imprevisible. Con Carlos Faraco ataviado de Estatua de la Libertad, o cantando escondido en cualquier rincón de la sala, o improvisando letra y melodía para desesperación de sus acompañantes... o simplemente no presentándose a la actuación. Era famoso por sus largas parrafadas de más de cinco minutos entre canción y canción, tan seguidas por sus incondicionales como la propia música. Temas como "No me gusta el rock" o "El bus", publicados también en single, sonaban continuamente en las FM y La Romántica Banda Local tenía todas las papeletas para convertirse en el grupo de culto que finalmente fue.

En 1980 sale a la venta su segundo larga duración: "Membrillo" (CFE, 1980), anticipado ya por dos singles el año anterior. Este debería haber sido un doble LP, pero la compañía lo recortó dado que el grupo comenzaba a dar señales de desintegración, con Carlos Faraco dedicado a tareas radiofónicas en Radio Nacional y con Jorge Cabadas (guitarra) y Bernardo Souviron (bajo y voz) sustituyendo a Jorge Mariano y Nano Domínguez, respectivamente. Sus últimas grabaciones corresponden a los temas contenidos en la banda sonora de la película "Tú Estás Loco Briones" (Javier Maqua, 1980), publicados en un single prácticamente póstumo. En 1981 el grupo desaparece definitivamente dejando a medio grabar lo que debería haber sido su tercer álbum.

Hoy, los seguidores del rock más delicado e irónico tienen a La Romántica Banda Local en el pedestal reservado a los revolucionarios que supieron sacudir las anquilosadas conciencias musicales y convertirse en azote de falsos intelectuales y progres de ocasión.

Eliminator Jr.

Wed, 17 Jun 2009 09:57:58 +0200

Recientemente Nacho Vegas decía que veía los 90 como una época excitante en la que sin ser plenamente conscientes de ello encarnaron una revolución contra el pop y el rock de finales de los 80. Una revolución indie que intentó imponer una nueva realidad con grupos como Husker Du, Sonic Youth o los Pixies como principales referentes.

Cuando uno lee cualquier artículo relacionado con la banda siempre se termina mencionando el Xixón Sound y nos encontramos con la retahíla de grupos que se asocian al movimiento: Penélope Trip, Manta Ray, Australian Blonde, Doctor Explosion, Nosoträsh, Medication... Lo cierto es que todas estas bandas compartieron un mismo espacio y un mismo tiempo, pero realmente no podemos decir que compartiesen un sonido común.

Eliminator Jr. -el nombre está tomado de la canción de Sonic Youth incluida en el disco "Daydream Nation" (DGC, 1988)- nace en Gijón en enero del 91. La formación inicial estaba compuesta por Javier Carrio (voz), Rafael Martínez del Pozo (voz y guitarra), Francisco de Borja Fernández (bajo y voz) y Juan Luis Ablanedo (batería), quienes comenzaron a facturar un noise pop muy en la línea de las bandas anglosajonas que idolatraban.

Rápidamente graban una primera maqueta con la que alcanzan el cuarto puesto en el célebre concurso de maquetas de la Rockdelux e incluyen el tema "Fuckin' Queen Sophia" en el 7" "The Subterfuge Compilation vol. IV" (Subterfuge, 1992).

En el 92 se producen cambios en la formación, Javier Carrio abandona la banda -Rafa se ocupa a partir de este momento de la voz principal- y Nacho Vegas entra como segunda guitarra. Graban su primera referencia, el EP "Eliminator Jr." (Subterfuge, 1993), con un sonido en el que percibimos los latidos de J Mascis, Kim Gordon y compañía.

Tras la grabación Ablanedo abandona el grupo antes de la publicación del EP, ocupando Javier Fernández la batería. Pero lo haría por muy poco tiempo, unos meses después deja la banda y lo sustituye provisionalmente Rafa Nicieza de Australian Blonde.

La estabilidad llega con la entrada de Javier, el hermano de Nacho Vegas, a la batería. Establecen contactos con Elefant y estos dan sus frutos en forma de largo, lanzando "Chándal" (Elefant, 1994) con la producción de uno de los gurús del indie patrio, Paco Loco. Las influencias siguen siendo muy marcadas -My Bloddy Valentine, Dinosaur Jr, Sonic Youth- pero se percibe una clara evolución en su sonido, comienzan a sonar de forma más personal, con esos ritmos lentos marca de la casa que terminan en estallidos de rabia y distorsión. Colocan el corte "Cutie" en un CD sobre el sello Elephant que incluye la revista Zona de Obras en su número siete y presentan el disco en una breve gira por el territorio nacional.

Poco a poco empiezan las escisiones y los nuevos proyectos. Los hermanos Vegas entran en Manta Ray, Borja Fernández toca una temporada con Penélope Trip y Rafa Martínez con Yogur.

En el 1996 se despiden con el single "Goma" (Elefant, 1996), tres canciones en las que se acercan más a Teenage Fanclub que a Sonic Youth; tres canciones con cierta vocación experimental en las que encontramos desde ritmos acústicos a coros redentores.

Lo que vino después es por todos conocido, tras Manta Ray, Nacho inicia una brillante carrera en solitario que lo convertiría en uno de los personajes más respetados de nuestra escena. Por su parte, Rafa y Borja se pasaron al castellano y siguieron juntos bajo el nombre de Jr (posteriormente La Jr) en compañía de Frank Rudow -Manta Ray- a la batería.

Eliminator Jr. serán siempre recordados por ser el primer grupo de Nacho Vegas, pero es justo apreciarlos en su justa medida. Quizás no nos entregaron hits generacionales como Australian Blonde o El Inquilino Comunista, pero tampoco los persiguieron. Su propuesta fue personal y sincera, y eso es de agradecer.

Los Buenos

Sun, 14 Jun 2009 21:43:07 +0200

El nombre de este grupo no es nada pretencioso, pues en los cuatro sencillos que nos ha dejado en su corta trayectoria demuestra hacer muy buena música. Se trata del primer conjunto español que consigue hacer blues de una calidad equiparable al que en esos momentos nos llegaba desde las islas británicas.

El grupo se forma en Madrid, aunque ninguno de sus componentes es madrileño, y se articula alrededor del cantante granadino Julián Granados, que se había hecho un cierto nombre al haber sido el vocalista de The Brisks. A su lado, cuatro músicos expertos: Johnny Galvao (guitarra) procedente del grupo portugués Os Duques, Iñaki Egaña (bajo) y Jorge Moreno (batería), curtidos en grupos y orquestas de baile y Rod Mayall (órgano), hermano menor del genio inglés del blues John Mayall, que en esos momentos estaba en The Explosion y que en su país había tocado con gente como Steve Winwood, Jack Bruce o su propio hermano. En principio adoptan el nombre de Los Snobs, y en 1968 comienzan a actuar en el habitual circuito madrileño de clubs.

Coincidiendo con la formación del grupo, la Cadena SER funda el sello discográfico Acción y ellos son su primer fichaje, al que Tomás Martín Blanco, jefe de programas musicales, obliga a cambiar el nombre por uno español, eligiendo definitivamente el de Los Buenos. La todopoderosa, entonces, cadena SER manejaba el cotarro musical a través de sus programas: Los 40 Principales y El Gran Musical y el apoyo al grupo fue muy importante. Se pretendía que Los Buenos se convirtieran en la alternativa a Los Bravos y los Canarios, conjuntos dominadores en esos momentos del panorama musical. No escatimarán esfuerzos y la cadena radiofónica contratará a Adolfo Waitzman para que produzca las primeras grabaciones del quinteto.

El 18 de febrero de 1969 el grupo presenta su primer disco en la discoteca JJ de Madrid, retransmitido en directo a toda España. En la cara A "Canción", un tema comercial al uso compuesto por Johnny Galvao, y en la cara B una excelente versión del blues clásico: "Oh, pretty woman", de Albert King (no confundir con la canción homónima de Roy Orbison). La maquinaria SER empuja y Los Buenos se dan a conocer en toda España, pero las ventas no pasan de medianas.

En el segundo sencillo se invierten los términos. Se coloca un blues con todas las de la ley en la cara A. "Looking back" de Johnny Guitar Watson y un tema en español "De mi niña" en la cara B. Tampoco alcanza el éxito esperado.

Tras un buen montón de bolos veraniegos, en plena grabación de su tercer sencillo, Julián Granados recibe una oferta para emprender carrera en solitario. Los Buenos quedan reducidos a cuarteto e Iñaki Egaña asume el papel de cantante. Esta circunstancia hace que en el tercer disco aparezca "Hola, hi, hello", con la voz de Iñaki y "Groovy woovy" cantada por Julián. Este single logra asomarse a las listas de superventas y la segunda de las canciones contenidas en él es hoy el tema más recordado de este grupo.

En 1969 editan su cuarto y último sencillo, conteniendo dos rhytm'n' blues sin concesiones: "My Baby / Summer Talk" (Acción, 1969). Es su disco menos conocido. Al poco Rod Mayall abandona el grupo y es fugazmente sustituido por el pianista de jazz suizo Claude Hirt, y poco después, Los Buenos ponen fin a su carrera, quedando en la historia de la música española como uno de los conjuntos más innovadores al traer a nuestro país el sonido de rhytm 'n' blues psicodélico de finales de los 60.

Julián Granados seguirá una irregular carrera en solitario, Johnny Galvao se convertirá en un cotizado músico de sesión y miembro principal de la banda de acompañamiento de Miguel Ríos e Iñaki Egaña formaría poco después el grupo Barrabás junto a los hermanos Morales.

Igloo

Wed, 10 Jun 2009 23:34:32 +0200

Recientemente leía una entrevista a la banda en Efe Eme en la que comentaban que "un iglú es frío en su exterior, pero guarda calidez y vida en el interior". Una metáfora que define a la perfección lo que es Igloo: un grupo que se desmarca de los estándares indies, conjugando la contundencia de unas guitarras afiladas con la transmisión de emociones y sensaciones eléctricas. El resultado es un sonido que se mueve entre el frío glacial y la calidez humana, acercándose a grupos anglosajones -podríamos citar a Radiohead o Interpol- pero usando el castellano para sus composiciones.

La banda nace allá por el 2004 con los ex-Deluxe, Diego Castro (bajo) y Juan Gil López (síntesis y programaciones), a los que se les unen Beni Ferreiro (voz y guitarra / Overlook), David (batería) y Selín (guitarra). Pronto graban su primera maqueta en los estudios Cryolab de Caldas de Reis, cuatro temas -"Silvia Saint", "El día que me quedé solo", "Pragma" y "Nanook"- guardados en un cuidado sobre semitransparente que firman como Iglú. Para evitar coincidencias con otras bandas rápidamente se cambian el nombre por el hoy conocido por todos Igloo.

Todos los cortes -a excepción de "Pragma"- fueron incluidos en su disco debut, "Igloo" (Junk, 2005), eso sí regrabados total o parcialmente. Un debut homónimo que llama la atención por esas bases electrónicas envolventes y la contundencia dosificada de unas guitarras que son la seña de identidad de la banda. En la grabación cuentan con las colaboraciones de Ricardo Rodríguez -Holywater-, Paula Gamallo y Cristina Alsira.

Un año después entregan el EP "Una Luz de Estío Glacial" (Junk, 2006). Seiscortes que mantienen la línea de su debut, esos juegos efectivos entre el lirismo melódico y la pulsación nerviosa. Las arquitecturas vocales brillan con luz propia, a lo que vuelve a contribuir la presencia de Paula Gamallo. Además incluyen una versión del tema central de "Twin Peaks" (David Lynch, 1990-92) titulada "Falling (Twin Peaks theme)" y como extra el vídeo de "Y todo lo demás", corte de primera grabación.

Tras el EP la banda entra en una etapa convulsa en la que las entradas y las salidas de miembros se convierten en una constante. Beni es el único que aguanta el tirón y junto a Alex Penido (batería), Tarci (guitarra) y Pablo López (bajo) establece una formación estable que saca adelante con brillantez el segundo asalto de la banda "La Transición de Fase" (Ernie, 2009). Lo cierto es que el título es lo suficientemente explícito y definitorio, los cambios obligan a elaborar un nuevo proyecto en el que la esencia de la banda se mantiene intacta, un proyecto en el que se mantienen fieles a sus señas de identidad pero ganan frescura y contundencia. Generalmente en la vida los cambios de aires suelen sentar bien, ayudan a afrontar los retos con energías renovadas y a olvidarse de los malos momentos. A Igloo el cambio le vino realmente bien.

El disco es lanzado por Ernie -su oficina de management que asume el papel de discográfica- y la masterización corre a cargo de Alan Douches en los estudios West Side de Nueva York. En esta ocasión a la habitual colaboración de Paula Gamallo, hay que sumar las de Miguel Rivera -Maga- y Adolfo Langa.

En una entrevista en rated-musik (mayo del 2009) comentaban que "nos gustó la idea de cambiar de discográfica y hacerlo todo como si fuese de nuevo el primero, con todo el tiempo del mundo. Pasaron un total de 10 meses desde que comenzamos a grabar las primeras demos hasta que en mayo salió a la venta".

Actualmente la banda goza de una posición más consolidada dentro de nuestra escena y afronta el futuro con ganas y entusiasmo. Nunca el frío fue tan cálido.

The Storm

Mon, 08 Jun 2009 03:21:26 +0200

Si escuchas cualquier corte de su primer disco y te fijas en el nombre del grupo es fácil que pienses que acabas de descubrir un buen grupo anglosajón de la década de los 70. Pero lo cierto es que los componentes de The Storm son sevillanos por los cuatro costados. El nombre proviene de la muy libre traducción al inglés de su nombre original: Los Tormentos.

El grupo se forma en 1969 en el barrio de San Jerónimo y ensayaban en una vaquería de La Algaba. Sus componentes eran, y siguieron siendo hasta el final, los mellizos Diego Ruiz (batería) y ángel Ruiz (guitarra), su primo Luis Genil (órgano) y José Torres (bajo). En los primeros años el papel de cantante era desempeñado por los distintos componentes para ir poco a poco decantándose ángel Ruiz como voz principal.

Su aprendizaje consistió en tocar durante dos años en los pueblos de la periferia sevillana hasta que casi por carambola aparecen en un programa de TVE, que estaba dedicado a hermanos gemelos o mellizos en el mundo de la música. Ahí les vio el mánager, recién llegado a la capital hispalense, José Luis Fernández, de Córdoba, que trabajaba de relaciones públicas en la discoteca Don Felipe. Tras actuar en varias ciudades andaluzas, el mánager decide su traslado a Madrid. Actúan en lugares emblemáticos, como el JJ, y dan conciertos en Bilbao y en las salas Zeleste y Escala 2001, de Barcelona. Durante el verano de 1973 hacen bolos por toda España y se abren un hueco en el duro mercado del rock nacional.

En 1974 graban en los estudios Audiofilm, de Madrid, su primer LP "The Storm" (Basf, 1974), un magnífico disco muy bien acogido por la crítica del que se extraen dos singles. El éxito de aquellos discos en un determinado sector de público y su vitalidad en directo les vale para ser contratados como teloneros de Queen en sus actuaciones en nuestro país. En abril de 1976 parada y fonda, o lo que es lo mismo la maldita mili les alcanza. A finales de 1977 el grupo se reorganiza y se lanza de nuevo a la carretera, pateándose todo el territorio nacional, evolucionando su estilo hacia lo que ellos mismos definieron como rock afro-bético. En 1979 grabarán en los estudios Sonoland, de Madrid, su segundo y último LP: "El Día de la Tormenta" (Edigsa, 1980), aunque en esta ocasión no tuvo la repercusión que alcanzó el primer álbum del grupo.

Su estilo está muy cercano al hard rock de Deep Purple, con profusión de uso del órgano Hammond y los punteos de guitarra distorsionada. De hecho, en sus actuaciones en directo incluían varios temas de este grupo londinense, aunque en sus discos siempre utilizaron material compuesto por ellos mismos. Música dura, fuerte y sin concesiones a una mal entendida comercialidad. Hoy The Storm son reconocidos como pioneros del heavy español y su nombre, su trayectoria musical y el ser por encima de todo unos tipos legales y comprometidos con sus ideas musicales hacen de ellos un ejemplo para las nuevas generaciones del rock nacional.

Han dejado dos larga duración más grabados en 1975 y 1981 respectivamente, que nunca llegaron a ser editados. Hicieron sus últimas actuaciones en 1981. Desde entonces se ha especulado con un regreso que nunca ha llegado a cuajar. El teclista Luis Genil falleció en 2004 y sus compañeros se reunieron para ofrecer un histórico concierto en su memoria en el convento de San Jerónimo, el barrio que les vio nacer.

Zapatón

Thu, 04 Jun 2009 19:22:29 +0200

Durante la segunda mitad de la década de los 70 la fiebre revival se deja notar en numerosas reediciones de viejos discos y el nacimiento de algunas bandas especializadas en versionear conocidas canciones que triunfaron quince o veinte años atrás. Si este revival se notaba en muchas parcelas de la música, es en el rock and roll clásico en el que va a tomar carta de naturaleza.

Zapatón es una creación de Tony Luz, legendario guitarrista de Los Pekenikes, que en 1977 se une a músicos bastante más jóvenes que él para alumbrar un grupo especializado en temas instrumentales y cantados de los primeros 60, aderezados con el condimento de la música de los 70. Sus compañeros de viaje son: Rafa Fortes (guitarra), Enrique Guerrero (bajo y contrabajo) y Antonio Martín-Caruana -ñete- (batería).

El resultado es un sonido heredero de los primeros rockers instrumentales, potente y de gran limpieza, aunque falto de ideas realmente originales. No me atrevería a calificarles de grupo de rockabilly, pero evidentemente estaban abriendo camino a la pléyade de grupos de este estilo que surgirían en los siguientes años.

En 1977 graban en Hispavox su único disco, "Zapatón" (Hispavox, 1977). Un larga duración que contiene ocho temas instrumentales y tres versiones cantadas de otros tantos clásicos del primitivo rock norteamericano.

Su buen sonido en directo consigue en 1978 un interesante contrato para convertirlos en la banda de acompañamiento del musical "Elvis", que durante cinco meses estuvo en cartel en el Teatro Barceló, de Madrid. Una vez cumplido el contrato, el grupo decide disolverse.

Tony Luz, rocker hasta la médula, formará un año después Bulldog, grupo de referencia del rockabilly madrileño, y ñete, tras pasar por orquestas de baile y bandas de acompañamiento de cantantes de medio pelo, se convertirá en batería de Nacha Pop.

Canarios

Sat, 30 May 2009 12:38:58 +0200

Estamos en los primeros 60, estamos en Las Palmas de Gran Canaria. Entonces y allí cuatro muchachos deciden montar un conjunto musical y comienzan a ensayar preparando versiones de los Beatles y demás figuras anglosajonas del momento. Son Eduardo -Teddy- Bautista (cantante y guitarra rítmica), Germán Pérez (guitarra de punteo), Rafael Izquierdo (bajo) y José -Tato- Luzardo (batería). Pronto se hacen un nombre en la zona turística de la isla y deciden dar el salto a la península en 1964. Los ídolos caen primero por Madrid; luego van a Barcelona; más tarde, a Sevilla. En ninguno de estos lugares acaban de despuntar. Precisamente, actuando en la parrilla del hotel Cristina de esta última ciudad, en el verano del 65, les escucha un turista norteamericano llamado Dudley Cooper. El tal Dudley es dueño de una cadena de parques de atracciones y les propone nada menos que hacer una gira de tres meses por Estados Unidos.

Al ser menores de edad tres de ellos (entonces la mayoría de edad en España está fijada en 21 años), D. Eduardo Bautista Velarde -padre de Teddy- les acompaña en su particular aventura americana y les presta un buen dinero para mejorar su equipo.

En Estados Unidos se rebautizan como The Canaries y los tres meses iniciales se prolongan hasta siete. Actúan en parques de atracciones de provincia y algunas fiestas universitarias, y hasta graban casi en directo algunas maquetas para un sello subsidiario de la RCA (BT Puppy Records). Pero lo verdaderamente importante no es nada de eso, sino que están en un país en plena ebullición musical y con músicos de una calidad extraordinaria, donde se empapan hasta los huesos de música soul, aún no demasiado conocida en Europa. De las maquetas a que nos referimos se extraerá en 1970 para el mercado americano el LP "Flying High With the Canaries" (BT Puppy, 1970), reeditado por Cocodrilos Records en 1987, "Flying High With The Canaries" (Cocodrilo, 1985).

Al terminar su periplo por la tierra del Tío Sam, les ofrecen un contrato para una larga gira por Escandinavia, pero antes de emprenderla deciden pasar dos semana en España, aterrizando en Madrid en la primavera de 1966. No les conoce nadie, pero en una sola actuación en directo en las matinales de los domingos del Gran Musical evidencian estar en muchos aspectos a años luz por encima de los grupos nacionales de la época. Alain Milhaud les ofrece un contrato para fichar por la filial discográfica española de la francesa Barclay. Parten a cumplir sus compromisos nórdicos y regresan sin el bajista, que se queda a vivir en Suecia. Le sustituirá álvaro Yébenes, un gran músico que había liderado el conjunto instrumental Los Continentales. Milhaud vuelve a repetir su oferta y antes de finalizar el año están en Londres haciendo sus primeras grabaciones bajo el definitivo nombre de Canarios.

Para la grabación del single "Pain / Three-Two-One Ah!" (Sonoplay / Barclay, 1967) incluyen una sección de viento formada por músicos ingleses. El disco se edita en España a principios de 1967 y pasa totalmente inadvertido; sin embargo, en la edición para Inglaterra del sello Major Minor llega a estar varias semanas en la lista de popularidad de la BBC.

Lo primero que hacen al llegar a España es buscar nuevos músicos, pues tienen muy claro que quieren hacer música soul. Entra una sección de viento completa formada por Feliciano -Nano- Muñoz (trompeta), los hermanos Alfredo Maíquez (trombón) y Vicente Maíquez (saxo). Unas semanas después se incorpora el organista Graham Bircumshaw, procedente de The Mode, grupo inglés afincado en Madrid. Los Canarios están completos y listos para dar el salto. Por aquella época, la discográfica les alquila un local en Vallecas, donde bajo la dirección férrea de D. Eduardo Bautista, ensayan cada mañana, mientras que por las tardes actúan en los clubes de la cadena Consulado. Alain Milhaud lleva unas cintas grabadas en el local a París y el arreglista jefe de Barclay, Jean Bouchety, da el visto bueno para una grabación en los estudios Lansdowne de Londres. Allí se desplazan Milhaud y Teddy Bautista, que grabará cuatro temas con músicos de sesión ingleses. Esto era habitual en Milhaud, que repitió jugada con los cantantes de Los Bravos y Pop Tops, dejando en España al resto de esos grupos. Cuando uno de esos temas: "The incredible miss Perryman" está a punto de ser editado, aparece el director de cine Carlos Saura y la elige como fondo para una escena de baile en una discoteca para su película "Peppermint Frappe" (1967). El disco, "Peppermint Frappé / Keep on the Right Side" (Sonoplay / Barclay, 1967), aparece antes del estreno del film, pero cambiando el título de la cara A, que pasa a titularse igual que la película. El disco funciona, aparece varias semanas en el top 10 y es número obligado en las nacientes discotecas hispánicas que poco a poco van reemplazando a las rancias salas de baile.

A finales de ese mismo año, 1967, nuevo single grabado en Londres y a la venta en el mercado español: "Get on Your Knees / Trying so Hard" (Sonoplay / Barclay, 1968). Al principio no pasa nada y aún tardará cinco meses en asomarse a las listas de éxitos, pero tras una actuación en El Gran Musical de la Cadena SER, un apoteósico concierto en la Escuela de Arquitectura de Sevilla y patearse capitales de provincia en actuaciones cada fin de semana, se lía la mundial. Seis semanas nº1 de ventas (llegaría a estar más de treinta semanas en el top 20), seis semanas en cabeza de Los 40 Principales, segundo disco (primero de un artista español) más vendido en 1968, apariciones habituales en los musicales de TVE, ventas más que importantes en media Europa, publicación del disco bien recibida en Estados Unidos, titulares de prensa del tipo: "El mejor conjunto de España", "El grupo español con mayor proyección internacional", "Europa canta soul con los Canarios", etc.

Con un montón de contratos encima de la mesa cae la bomba. A Teddy Bautista se le agotan todas las prórrogas y debe hacer la mili defendiendo el último reducto colonial del Imperio Español: el Sáhara. En igual situación están otros miembros del grupo. Teddy Bautista deja grabado un nuevo disco, que aparecerá para las navidades de 1968: "Child / Requiem for a Soul" (Sonoplay / Barclay, 1968) y los Canarios se ven obligados a contratar sustitutos: el cantante Pedro Ruy-Blas, procedente de Los Grimm, sustituye a Teddy, el valenciano Alberto Gómez (ex Top Son) se sienta en el sillín de Tato y Lennox Holness hace lo propio con álvaro. Con esta alineación de circunstancias cumplen los contratos firmados entre octubre de 1968 y enero de 1970.

A pesar de todo, el citado single de repuesto funciona muy bien y vuelve a obtener el puesto cabecero en las listas de ventas a principios de 1969. También constituye un pequeño éxito en Estados Unidos, apareciendo en puestos bajos de las listas de discos más vendidos.

En 1970 los Canarios se reagrupan y Teddy plantea una renovación estilística adentrándose un tanto en terrenos progresivos. De nuevo en los estudios Lansdowne graba con músicos de estudio el LP "Libérate!" (Sonoplay / Barclay, 1970) del que se extrae un single. La gente tiene gana de Canarios después de un año en ayunas, pero las ventas no se acercan a las del legendario "Get on Your Knees". Tampoco agrada mucho a su discográfica la deriva socio-política que -aunque sea en inglés- rezuman sus letras.

En 1971 cumple el contrato con Sonoplay-Barclay y Milhaud decide no renovarlo, aunque les busca acomodo con el productor David Pardo en una marca alemana recién llegada a España: Ariola. Germán, el eterno guitarra solista, deja su puesto entonces al francés Jean Pierre Gomez y Félix Sierra entra como organista en sustitución de Graham, que decide volver a su país. Con esta formación grabarán dos singles con "Extra, extra" y "Reacción" como temas principales.

Al iniciarse 1972 sigue el carrusel de cambios. Alain Richard ocupa el puesto de batería y Salvador Domínguez, procedente de Cerebrum, se hace con un puesto en las seis cuerdas. Con esta formación hacen montones de galas y graban un LP en directo: "Canarios Vivos" (Ariola, 1972). Teddy Bautista decide disolver el grupo antes de terminar el año. El trío de metales, Alvaro Yébenes y Félix Sierra formarán una nueva banda: Alcatraz. Teddy Bautista se gasta un pastón en sintetizadores y teclados de última generación y graba algún single en solitario.

En 1974 Teddy Bautista forma los Canarios con músicos nuevos para acometer el proyecto "Ciclos" (Ariola, 1974), un álbum doble de rock sinfónico basado en las Cuatro Estaciones de Vivaldi, al que con el tiempo se considerará la cumbre del estilo en nuestro país y una de los referentes mundiales del género, pero que en su día recibió abundantes palos de la crítica y cosechó unas ventas medianas. Estos nuevos Canarios fueron, además de Teddy (voz y sintetizadores), Alain Richard (batería), Antonio García de Diego, ex Franklin, (guitarra y voz), Christian Melliès (bajo) y Matías Sanveillán (piano y teclados). Tras algunas actuaciones para presentar el disco en directo, los Canarios desaparecen definitivamente.

Hasta aquí la biografía de un grupo que puso la música española en el mundo y se atrevió a quitarse de encima todos los complejos de una época triste que ellos supieron llenar de ritmo trepidante.

Los Grimm

Fri, 29 May 2009 17:45:32 +0200

Los Grimm es una de las bandas de los años 60 que, a pesar de su breve trayectoria y escaso éxito comercial, más interés despierta hoy día al revisar la música de aquella época, a pesar de que, como se dice, no alcanzaron la popularidad de otros de sus contemporáneos, como es el caso de Los Bravos o Los Brincos. Sin embargo, ese interés no es casual, pues Los Grimm lo tenían todo para haber conseguido mucho más, pero por desgracia les faltó la suerte o quién sabe qué para haber triunfado a un nivel mayor. Veámoslo.

La génesis de Los Grimm se encuentra en Los Gringos, banda fundada por los hermanos Fernández, siendo ángel vocalista -tardó poco en abandonar el proyecto- y Jesús el guitarrista y, en definitiva, líder del conjunto. Junto a ellos estaba a la batería Eduardo Sainz, que era hermano de Alfonso y Lucas, por entonces miembros de los ya exitosos Pekenikes. En un principio, junto al trabajo duro, todo parece que les va de cara: consiguen que el arquitecto Mario Gómez-Morán, en cuyo estudio trabajaba Jesús, les financie la adquisición de un buen equipo y, a su vez, Ricardo Fuster, el batería de Los Relámpagos, les consigue un contrato con la discográfica Fonogram (internacionalmente Phonogram, filial de Philips), a la que estarían ligados durante toda su trayectoria. Para entonces el batería ya era Carlos María de la Iglesia y el vocalista Pedro Ample, más conocido posteriormente como Pedro Ruy-Blas; junto a él hicieron un viaje en crucero hasta Nueva York como banda de a bordo y, llegados allí, se pusieron más que al día de las nuevas tendencias musicales. Desde Fonogram les sugieren iniciar su carrera discográfica con una serie de canciones-cuento, en una onda de fantasía similar a la que por entonces venían usando Los Pasos y, de ahí, el cambio de nombre a Los Grimm, naciendo así la banda tal como la conocemos. Sus dos primeros sencillos, "La Amistad / Un Día Soñé" (Fonogram, 1967) y "Un Talismán / Un Palacio de Cristal" (Fonogram, 1967), tuvieron esa orientación, compuestas por Jesús y con letras de José Liñán. Encontramos ya en su sonido claras reminiscencias psicodélicas que con el tiempo irían a más.

Para su tercer sencillo, "Pobre Hombre / Mientras Viva" (Fonogram, 1967), y vueltos de su experiencia neoyorquina, la banda orienta su sonido hacia el soul, género en el que la excepcional cualidad vocal de Ample tiene más oportunidades de desarrollarse. Es entonces cuando a este le surge la oportunidad de pasar a formar parte de Canarios, sustituyendo a Teddy Bautista mientras cumplía el servicio militar, por lo que abandona el grupo. Más tarde se uniría a Los Brisks en su etapa final, conjunto que abandonó igualmente al despuntar su labor en solitario y, finalmente, fundaría Dolores, otro de los grupos imprescindibles de los 70 en España. Su sustituto en Los Grimm sería Pedro Talavera y con él el conjunto madrileño se mete de lleno en el rock ácido, como lo demuestran su siguientes sencillos,"Amor de Niña / Viaje en la Alfombra Mágica" (Fonogram, 1968), dos arrolladores versiones en los que queda claro todo el potencial -¿potencial o realidad?- de la banda, y "Para Lograr que me Quieras / Hoja de Trébol" (Fonogram, 1969), con la versión del gran éxito de Tommy James & The Shondells "Crimson & Clover". Sin embargo, ni este ni ninguno de sus trabajos anteriores habían cubierto las expectativas de la discográfica, que relega al grupo a un segundo plano en sus intereses. Además, la salida de Ruy-Blas solo fue uno de los tantos cambios de formación que Los Grimm tuvieron en su corta trayectoria; su suerte empezaba a cambiar... a peor.

Pero es en esos momentos en los que los grandes saben dar lo mejor de sí mismos, y eso es lo que Los Grimm hicieron. En 1969 publicaron sus dos últimos sencillos, ambos marcados por el acid-rock y a un nivel técnico envidiable. Merece la pena señalar que su sonido se enriqueció con la incorporación de Tomás Vega como guitarra solista y con el portugués Joao Vidal -posteriormente en Barrabás- a los teclados. En "Sasafras / Tengo Sueños" (Fonogram, 1969) el vocalista aún es Talavera, pero ese mismo año abandona el grupo para hacer la mili e incorporan a Pablo Abraira como vocalista para su último sencillo, "Sin Nombre, Sin Faz ni Silueta" / "Want My Love Again" (Fonogram, 1969), siendo el autor de la canción que figura en la cara B, la única que el conjunto grabó en inglés.

De nuevo un miembro es llamado a filas, en este caso Tomás Vega, y harto del continuo baile de componentes, Jesús decide poner fin a un proyecto que, a pesar de su demostrada calidad, no había llegado muy lejos comercialmente, y para colmo les seguía manteniendo endeudados con el arquitecto Gómez Morán. Tomás Vega, al terminar el servicio militar, monta junto a Abraira el conjunto Frecuencia, que únicamente llegó a editar un sencillo, y posteriormente ambos iniciarían sus respectivas carreras en solitario, donde Abraira cosechó un enorme éxito como cantante melódico -ya saben, "Gavilán o paloma"-. En 1976, Carlos M. murió en el mismo accidente de tráfico donde también perdió la vida la famosa cantante Cecilia.

Desde la perspectiva de hoy, y centrándonos en su obra, nos encontramos a un grupo de una calidad técnica destacable, a un nivel muy alto para un conjunto español de la época, con unas composiciones propias muy vigorosas y, sobre todo, con una vista certera para elegir las versiones y hacerlas tan suyas que poco o nada tienen que envidiar a las originales. Talento y energía que, lamentablemente, no cuajó en el mercado, pero que hoy día podemos seguir disfrutando.

Generación 49

Mon, 25 May 2009 16:12:17 +0200

Generación 49 se forma en Coruña en 1967 con Alberto Morano -órgano eléctrico-, dejando su grupo anterior Los Simples, Germán Peñalver -batería- que viene de Los Saurios y Xoán Piñón -NHU, DOA / guitarra eléctrica-. Su único antecedente es la rondalla de los Maristas de Coruña. El nombre del grupo sale de la fecha de nacimiento de Peñalver.

En 1968 graban un 7" de cuatro temas de autores gallegos con instrumentos electrónicos; un disco que podemos calificar como pionero y predecesor de lo que sería la música gallega instrumental actual.

Comienzan su carrera con un estilo beat, haciendo versiones de los grupos ingleses y españoles de la época de finales de los 60, con directos en discotecas, radios y fiestas de diversa índole en formato trío. El equipo con que trabajan es: un órgano, amplificadores Farfisa de 20 y 60w, guitarra eléctrica y bajo Hofner y una batería. En el año 1968, se presentan al concurso El Micrófono de Oro que se celebra en Lugo; después de sucesivas eliminatorias, llegan a alcanzar el Micrófono de Oro al mejor grupo del Festival y el Micrófono de Plata al mejor grupo instrumental, ya que el de oro ya lo tenían.

Con estos premios en la vitrina, firman un contrato con la discográfica Belter de Barcelona que supone la grabación de tres discos del que sólo llegarían a editar el primero. Para este evento, y como refuerzo, llaman a Jesús Santos Casal -Chapa- procedente del grupo Piscis al bajo eléctrico. Interesados por estos premios el Ballet Gallego Rey de Viana de Coruña (al que pertenece Alberto Morano) los invita a participar en sus directos haciendo una actuación previa al espectáculo de danza con temas de autores gallegos que el ballet utiliza como base musical del espectáculo.

Con el Ballet Gallego realizan varias actuaciones en Ferrol, Pazo de Oca, Vigo y O Berbés con la TV en directo. La idiosincrasia del grupo no conecta bien con la disciplina del Ballet, por lo que ambas partes deciden no continuar. Se trasladan a Barcelona una semana para grabar en los estudios de la Belter; al llegar comenta Chapa que "hacía mucho calor, había un olor húmedo e industrial ... no lo olvidaré nunca"; en el hotel coinciden con Canarios. Previa sesión fotográfica en el parque de Montjuic y un adelanto de cuatro mil pesetas para comprar ropa adecuada para las fotos de la portada del disco; les preparan en el estudio de grabación un órgano Hammond, una Gibson 335, un bajo Burns y una batería Premier. Alberto comenta: "me dejaron un órgano Hammond alucinante, tardamos mucho tiempo en ponerlo a punto".

Con una presión considerable y una temperatura altísima dentro del estudio, graban todos a la vez repitiendo los temas hasta que quedan bien. Xoán apunta que "el dueño de la Gibson afinó la guitarra de oído en diez segundos escasos... entre el calor y los nervios me sudaban las manos y no daba hecho". El resultado fue un sonido con una buena calidad para la época, y un disco, "Generación 49 del Ballet Gallego" (Belter, 1968), que haría historia.

Pasados unos meses comenta Germán que "llamamos a la discográfica a ver cómo iban las ventas, nos contestaron que aun les debíamos dinero del adelanto de las cuatro mil". El servicio militar y diversos problemas familiares provocan la disolución de la banda.