lafonoteca.net: Últimos discos de música española

Mamá - Sólo por Hoy

Wed, 23 May 2012 18:04:20 +0200

El regreso de Mamá con "La Mejor Canción" (Rock Indiana, 2009) dejó a crítica y público con muy buen sabor de boca, aunque al resultado, lleno de buenas canciones y nostalgia en su justa medida, le faltaba algo de sonido de grupo. Sonaba más como los discos en solitario de José María Granados, lo que no era poco, que a aquella banda que había asombrado a principios de los años 80.

Pero Mamá habían recuperado la ilusión y la pasión por tocar y, animados por la buena acogida del disco, saltaron a la arena y, prácticamente, no han parado de tocar desde entonces, recorriendo España de norte -Felipop, en Limodre (A Coruña)- a sur -Lemonpop, en Murcia- y mostrando un entusiasmo y una buena forma digna de unos debutantes, y un sonido propio de una banda madura y rodada.

Con el entusiasmo llega la inspiración y, con ella, las canciones: todo esto tenía que verse plasmado en una nueva entrega que no sorprende a quienes habían visto al grupo en directo. Excelente pop de guitarras con el sonido de los Mamá de toda la vida ("Mal de amores", "Hasta que tú me digas", "En el jardín", "Por el medio de la carretera") pero, eso sí, actualizado, sin el menor olor a rancio, sin el menor rastro de impostura o de autoplagio.

Las canciones, al contrario, están llenas de naturalidad, de espontaneidad, de frescura, además de las mencionadas, himnos de pop enérgico como "Lo que calla la voz", "Isabel", "Dí que no" o "Esa música otra vez", ecos de Tom Petty en "Mucho que aprender", "Marcha atrás", o en la balada "Sólo por hoy" que da título al largo, la habitual influencia costelliana en "Por ti" o "En buenas manos"

Un clásico inmediato, en fin, que supera con mucho las espectativas y que, al parecer, no marca sino un punto y seguido de una banda que parece atravesar por una segunda juventud o, quien sabe, por aquella primera que no supieron o, mejor dicho, no les dejaron disfrutar.

Tabaca - Sería Maravilloso

Sun, 20 May 2012 18:54:43 +0200

En justicia, hubiera merecido mejor suerte. Se trata de un single con dos temas bien concebidos. Una cara A llena de marcha y con una instrumentación sobresaliente con especial atención a los teclados y a los juegos guitarreros y vocales. Línea melódica alegre y la mejor canción de las cuatro que dejó grabados Tabaca en su corta existencia.

Tampoco está nada mal "Soy así", un rock cantado al unísono por las tres voces con una parte central un tanto sorpresiva en lo vocal para volver de nuevo a un tiempo de rock con unos notables punteos. Un tema del propio grupo, que complementa perfectamente a la canción principal del otro lado.

Rosa María Lobo - Rosa María Lobo

Wed, 16 May 2012 17:56:59 +0200

Composiciones en su mayoría de Pablo Herrero y José Luis Armenteros, arregladas por Juan Carlos Calderón. Esos nombres y un alto nivel de calidad en la grabación, más una lujosa portada desplegable, evidencian que Zafiro apostaba a esta nueva carta, que nunca había acabado de funcionar comercialmente del todo en otros sellos, cuando grababa bajo el seudónimo de Maya.

Sensibilidad y purezas vocales para una garganta capaz de transmitir sentimientos al oyente. Además de los dos temas de su sencillo "Alma de Gaviota", hallamos veladas referencias a su querido folk sudamericano en la melancólica "El barquero", en que la voz de Rosa María hace desaparecer por completo los cuidados arreglos orquestales. Un delicioso tema que nos hace recordar a la mejor María Ostiz.

Pero si Rosa María Lobo es algo, es asturiana. Ya se encarga ella de demostrarlo en "La boda" que nos retrotrae a una boda aldeana de esas que ya no existen. Aires serratianos en los arreglos, letra y melodía para "Mi corazón se asoma al Mediterráneo", otro de los buenos temas de este LP.

El disco flojea un tanto en su cara B, en la que también encontramos estrías interesantes, como en "La sombra de un olivo", una pieza de folk rural a la que sobran los ropajes instrumentales y con la que Rosa María vuelve a demostrar lo buena cantante que era.

Dejo para el final del comentario, el tema del que saldría el segundo sencillo. "Dejo volar sus manos sobre mí" es una canción de amor con letra a pie de calle con la que la asturiana parece incursionar en las canciones francesas de toda la vida. Una canción que no es nada del otro jueves, pero, amigos, con una instrumentación y arreglos que valen un potosí. No nos extraña que cuando los mandameses de TVE escucharan este disco, no dudaran en encargar a Rosa María Lobo que los representara en el festival de la OTI de aquel mismo año.

Lemuripop - Primo Tempo

Mon, 07 May 2012 20:27:55 +0200

El primer trabajo de Lemuripop llega en el 2008. "Primo Tempo" (Warner, 2008) es una grata sorpresa, un disco en el que la lírica de Coppini brilla con los sintetizadores de Brujas. En la grabación colaboran Sonia Erice (coros) y Antonio Pastora (batería).

Un encuentro acertado entre desarrollos tecno pop -"Tuaregs", "Israel"-, cortes cercanos al pop rock -"La llama de la felicidad", "Las buenas palabras"- y un brillante pasado -como último corte del disco se incluye una atractiva remezcla del clásico "Fiesta de los maniquíes" (Golpes Bajos) que fue el germen de donde surgió todo este proyecto-.

Su método de trabajo es sencillo: "No tenemos un método infalible. De momento hemos empezado un poco a probar, es el primer tiempo, el primo tempo. Cuando yo conocí a álex en octubre o noviembre de 2006, me puso cosas que él había estado haciendo, un poco para ver la posibilidad de poner letra a alguna de ellas. Ya a partir de ahí creamos un sistema de trabajo, y es el que nos ha funcionado para este disco pero no descartamos métodos diferentes. De momento, él trabaja unas bases musicales bastante armadas y luego a partir de ahí se trabaja en una melodía, vemos cómo enfocarla, y yo directamente me pongo a escribir el texto" comentaba Coppini en una reciente entrevista en Hipersónica.

Abre "Israel", pop electrónico que alumbra las tinieblas, sintetizadores 80"s revisados cargados de matices y una clara influencia de New Order -en la enigmática "Tuaregs" vuelve a ser manifiesta la influencia de los de Manchester-. Cortes como "Lemuria" presentan un importante componente de rock electrónico y un claro recuerdo a Franco Battiato. El protagonismo del rock vuelve a marcar "La llama de la felicidad" y "Tacones y mordazas".

"Pon tu corazón frente al descontrol" bebe claramente de los 80, de bandas como OMD o The Human League. Una herencia reinventada que llevan perfectamente a su terreno manteniendo en todo momento su esencia.

En "Las buenas palabras" brilla con fuerza la lírica de Germán -"Las buenas palabras dejan un reguero de estrellas ocultas y sueños ligeros"-, versos cargados de significados personales que transmiten emociones al vuelo.

A lo largo de todo el disco predomina un sonido oscuro que por momentos se acerca al tecno pop afectivo, en otros a la new wave más vitalista y en otros... a Lemuripop. Una interesante propuesta, personal e intrasferible.

Fast Food - Electric Romance

Sun, 06 May 2012 22:53:12 +0200

Para el propio Javi, cantante y auténtico motor del grupo, quizás sea el mejor disco de Fast Food. El que mejor refleja lo que él considera sonido de la banda, el disco con el que más satisfecho se siente.

Grabado en sesiones de mayo y agosto de 2007 en los Rockaway Studios de Castellón, bajo la asistencia de Coky Ordóñez (Shock Treatment, Depressing Claim, Suzy y Los Quattro), se presentó con atractiva portada a partir de un dibujo de Screamin Mario Loco. En la misma, una desafiante chica parece aceptar el compromiso con el chico que le pone una pulsera de corazones. Chico de cigarrillo en boca y chaqueta de cuero, claro.

Los casi veinte temas de entre los que se eligió finalmente la lista final que conformaron el disco estaban ya preparados incluso antes de la edición del mini-CD "Funny Beats & Little Bites" (Animal, 2005) que le precedió, pero con idea de acelerar plazos para volver a los escenarios se decidió intercalar el trabajo anterior.

Tras costear la banda las sesiones de grabación, tanto Rumble Records como Música Para Top se mostrarían interesados en la edición del CD, como ocurriría con el sencillo que le acompañó: "Surfin' Dora" (Rumble / Música Para Top / CB, 2008), que llevaba el tema homónimo acompañado de otras dos canciones.

Abundante despliegue de posibilidades para los arreglos y complementos: castañuelas, campanas, guitarra adicional de Coky, palmas y varias gargantas para los coros. Y es que si hay algo bien presente en el disco es la cantidad de coros diferentes en muchas de las canciones.

A pesar de todos estos matices, el comienzo es para la vigorosa "Radio, radio, radio". Suenan ramonianas (claro que sí) las guitarras por su rotundidad. Decidida arenga para hacerse con el control de las ondas. Es muy buen ejemplo de letras ajustadas aunque el tema no sea de gran profundidad. Mención especial para momentos concretos: " (...) tus criticas cabronas veladas", "(...) convertirías a Ghandi en hostil".

Definido por el grupo en su momento como colección de pequeñas historias, de viñetas de cómic, de singles pop; con punk-rockers de ciudad como protagonistas en escenarios urbanos de Madrid (la sala El Sol, el Nueva Visión). chicos latinos de cazadoras de cuero... Nostalgia de pandilleros urbanos echando de menos la urgencia con la que vivieron todos aquellos días pasados. Baladas con ganas de romanticismo amargo, como la de "Cuando suene Buddy Love", canción enorme. En "Game over" destilan ese vistazo atrás, con alcohol, noches, peleas, ingenuidad... O la misma "El año que cambió mi voz".

Las chupas de cuero buscando diversión de "Punk-rock city" no gustan de surf, pero "Electric Romance" contiene uno de los mejores temas que sobre playas, viento y olas hayan compuesto Fast Food: "Surfin' Dora". Tienen más pero éste en concreto les sirvió incluso para acompañar el LP con el single ya mencionado arriba. Amplio espectro y conocimiento musical, el disco trae menciones a Ronettes, Ramones, Remains, Shirelles, Pete Townsend, Johnny Thunders... Y cómo no, temas dedicados a asuntos entre chico y chica. Diría que desde "Ana", la dedicada a la mujer de Javi, la media decena de canciones finales van sobre eso, algunas con bastante originalidad. La de "Como Sonny and Cher" y sus cuestiones de amor y odio, o la misma "200 cigarrillos", donde mencionan la PlayStation, Buffy en la tele... La chica le deja y él se queda fumando. Finalmente "Siluetas", quizás de las mas lentas, sus coros femeninos y sus aires de revival Mod la convierten en una canción bien bonita.

Lógico que lo tenga el grupo como uno de sus mejores álbumes . Muy recomendable.

Fast Food - Surfin' Dora

Sun, 06 May 2012 22:53:00 +0200

Sencillo que acompañó al LP "Electric Romance" (Rumble / Música Para Top / CB, 2008). Al igual que el larga duración, salió coeditado con Rumble Records y Música Para Top. Las canciones que lo componen se grabaron en mayo y agosto de 2007 en los estudios Rockaway de Castellón, a cargo de Coky Ordóñez (Shock Treatment, Depressing Claim, Suzy y Los Quattro), que colabora a la guitarra. Como coros adicionales, contaron con Luis Depressing.

Es difícil pensar en un tema sobre surf, sol y playa mejor que "Surfin' Dora", la canción que da título al trabajo. De igual forma, es complicado imaginarse una ilustración mejor para dichos ambientes que la soberbia portada con la que se presenta el vinilo, que de acuerdo a los créditos de la carpeta, obra de Javi, el cantante. Las fotos del trío de la contraportada corren a cargo de Ana, su mujer. La canción se la dejan dedicada a los Hard Ons.

Acompañándolo, eligieron para abrir la cara B, "1993", un canto de nostalgia del punk, no de los 70 ni siquiera 80, sino del 1993, fecha en la que empezaron precisamente Fast Food. ¿Que a qué bandas se refieren? Devil Dogs, New Bomb Turks, Dwarves... La generación actual sólo les produce sopor. La canción tiene un arranque de guitarra - bajo - batería fenomenal, en linea de buen punk-rock. Luego lo hacen evolucionar a derroteros más melódicos, con lo que finalmente consiguen un punto entrañable que casa sin problema con la potencia que trae de fondo.

Se cierra la entrega con "Hey Romeo!", decididamente más pausada. Guitarras quejumbrosas con cierta querencia quizás a los Clash, ya que de hecho dice la letra estar sonando el "Stay free" de los ingleses. Cuenta la historia de alguien que era "un jodido imán para los problemas" y de cómo en su barrio las cosas siguen igual, falto de acción. Como el protagonista de una película de teenagers estadounidense, su éxito con las chicas le granjea múltiples enemistades.

Gran disco, sin versiones y sin compartirlo con ningún otro grupo. Sobresaliente.

Fast Food - And The World Keeps Turning

Sun, 06 May 2012 22:52:37 +0200

Fast Food decidieron parar a finales de 1998 y no volvieron a reactivar el grupo, empezando a componer de nuevo, hasta el 2001. "And The World Keeps Turning" (CB, 2003) fue el resultado final de esa vuelta. Con canciones preparadas en un estado de ánimo de Javi especialmente amargo, el disco rezuma aspereza y agresividad, a años luz de aquel punk melódico que sirvió a muchos para condenarlos a una etiqueta eterna ramoniana. Portada compuesta por Ana Gegúndez y el propio Javi en la que la imagen del niño jugando con un avión se completa con el de una división de aviones con lanzamiento de paracaidistas. Y es que la ambientación bélica parece continuar con la imaginería del III Reich que quedan diseminadas por momentos del disco, en alguna cuña o en canciones: "1942", "La noche de los cuchillos largos", "BF-109".

Aunque el disco no saldría hasta enero de 2004, los temas se grabaron en octubre de 2003 y se masterizaron un par de meses después en los estudos Reactor de Lavapiés en Madrid. Los mismos por cierto en los que el grupo ya grabara los primeros compartidos y el LP "Soy Un Ramone" (Punch, 2007). En esta ocasión sin embargo, los estudios andaban parados, y fue sólo como favor personal que su técnico Moncho accedió a trabajar en el grupo. La edición del disco fue cuestión del propio grupo en su sello CB (Comida Basura).

Punk-rock brusco el de este disco, en el que los coros han dejado de hacer melodías como segundas voces, sino que se encargan de responder, casi bramando a las propuestas de la voz principal. "Veintiocho", "Mundo caótico", "Más suicidios", "1942" o "La noche de los cuchillos largos" son ejemplos de la cara más bestia de Fast Food.

Siguen jugando de todas formas alrededor de cuestiones de ciencia-ficción, como ataque de mutantes, películas de terror o cuestiones varias con chicas. "Cuando todo era Ramones" tiene algo a sonido de versión. Aparente alejamiento del pasado de la banda, la canción es realmente bonita, con Javi desolado ante la ausencia de su chica.

Ante tanta cuchillada, "No quiero" pone un punto refrescante y "Zapping" se muestra, en su remoloneo, diferente al resto. Las letras en inglés, no suponían pérdida del tono desesperado. La ambientación de ruinas por todas partes se sigue manteniendo por ejemplo en "Rats in the garbage can".

En el apartado de las anécdotas indicar las voces que se habían programado y que sin embargo no se terminaron de registrar: La del propio Luis, el batería, que estaba afónico aquellos días, y las de Adolfo (Airbag) y José (Shock Treatment), que no pudieron estar en la grabación por incompatibilidades de fechas.

Uno de los mejores discos de Fast Food, desde luego.

Def Con Dos - Alzheimer

Sat, 05 May 2012 16:57:04 +0200

"Alzheimer" (DRO, 1995) es quizá el disco más importante de la carrera de Def con Dos, a diferentes niveles. Un disco largo, 22 cortes y de un sonido definitivamente metalero, dejando atrás las simplonas bases de sus primeros trabajos y ahondando en la senda que encontraron en su anterior disco "Armas pal Pueblo" (DRO, 1994) mezclando sus rapeos hirientes y arriesgados con frenéticas guitarras cargadísimas de distorsión.

Tras la ya clásica entrega del "¿Qué dice la gente?(IV)", el gancho durísimo y arrollador de "Alzheimer" nos golpea en pleno rostro, su bajo poderoso nos percute las sienes y la letra nos convence de las intenciones del grupo de ser hijoputesco y descarado: "Pierdes la memoria, olvidas el habla / Si eras un capullo ahora eres una larva". Siguiéndole una de esas sentencias que casi sin querer se convierten en parte de la iconografía urbana y se cuela en el vocabulario del día a día en ciertos sectores de la juventud; "La culpa de todo la tiene Yoko Ono" se presenta vibrante, sensacionalmente rítmica; y "Dímelo tú" hace referencia al título del disco narrando el discurso de alguien al que están tomando por loco: "Cuéntame otra vez lo de que mi vida / es la secuela de una lobotomía / y que he estado siempre en pijama / dando cabezazos a paredes acolchadas".

La broma sonora "Zampañampa" parece marcar el cambio de tercio en el disco, abriéndose precisamente la parte más emocionante y divertida. "Pánico a una muerte ridícula" es una especie de crónica negra de sucesos, desde el estribillo que pegó con fuerza en la chavalada "Electrocutarse al cambiar una bombilla / suicidarse sin mirar la primitiva / ahogarse en la piscina de un barco / desnucarse en la bañera fornicando" hasta al hombre al que en un campo estando solo le cae precisamente el único rayo que cae, pasando por la roca que aplastó al hombre que fornicaba con una gallina (precisamente recuerdo este caso en las noticias), a pesar de todo el humor negro que desprende la canción, DCD la coronan con una sentencia para crear una filosofía de vida: "Si ves la sombra de la guadaña / arréglate un poco y pon buena cara".

Tras eso nos vemos arrastrados por el torbellino iracundo de "Mi reino por un poco de caballo" y la ácida "Poco pan" invita a la rebeldía con un toque de mala leche que no puede sino arrancarte una sonrisa: "Aprende a divertirte manteando funcionarios / yendo a los museos a rajar los cuadros / secuestra a algún presentador y haz que se trague su televisor / quémale la bata al señor Decano / y que le corten al torero las orejas y el rabo / reparte jeringuillas en preescolar / y lánzale tomates a su Santidad"; mientras que a ritmo de jazz revisitamos la crueldad de la infancia en "Niño A, niño B": "¿Quién juega a los médicos con las de parvulario? / ¿Quién pega al gordito cuando sale al patio? / El tormento es lo más divertido / regálale dolor a tu mejor amigo".

El mundo de la música no está a salvo de los dardos de los gallegos, "Muertos del rock (vol. II)" nace de un fogonazo al más puro estilo "Rose tatoo" y la escatológica "Coprofagia" da al disco otro ingrediente de irreverencia más. Dicha irreverencia sigue plasmada en "Vasos comunicantes", trituradora sentencia a favor del alcoholismo: "El aguardiente desarrolla las neuronas / más Delirium Tremens y menos diplomas".

"No me siga, tonto", que no es sino una continuación de la broma "Tú sí que eres tontorrón" de su anterior disco, marca el inicio de otra etapa del disco más controvertida. "El coche no" es una tema rítmicamente más tranquilo, pero de bastante mala hostia al declarar a un asaltante que puede hacer lo que quiera con su familia pero que por favor no le toque el coche: "No voy a detenerte si azotas a mis hijas / te daré mis ahorros aunque no me los pidas / No voy a disgustarme cuando quemes mi casa / aunque vea a mi familia abrasarse entre las llamas"

"Que te fasgorishen" da una de las notas exóticas del disco, al atreverse a cantarla en gallego, samplean para la ocasión la voz de José Toxeiro cuyo robo que sufrió por parte de dos "prestitutas buscando domicilios" que le "echaron droja en el colacao"; la noticia y los vídeos salieron hasta la saciedad en diversos programas de humor. Tras la broma aparece la polémica "De cacería" que narra como un excombatiente de la guerra de Vietnam entra en un restaurante de comida rápida y descarga su furia contra la sociedad que le ha condenado tomando por Charlies a los indefensos clientes. La canción llamó la atención de propios y extraños, convirtiéndose en uno de los clásicos de la banda, y creándole no pocos detractores, pensando que se ensalzaba la violencia.

Aprovechan DCD el tirón de estar en racha en este disco para sacar "Pégale al ruido "95" que es una revisión de la canción homónima de su primer LP, mejor arreglada y con una presencia definitiva de la guitarra eléctrica en el sonido del grupo que le hace más justicia. Le sigue una académica sucesión de guitarras en "Victoria" a la que igual la letra no acompaña en brillantez, siendo de las más flojas del disco.

"Zampañampa II" da paso a la última parte del disco, que empieza con "Fight for your right (bebe y lucha)", una estupenda versión de la canción homónima de Beastie Boys a la que cambian la letra para reírse de sí mismos. En "Capitán araña" vuelven a cantar en gallego y para cerrar deciden hacer un guiño a Euskadi con "Garaipena", versión en Euskera de "Victoria" que no apareció en la primera edición del disco, fue con el tiempo y el éxito con lo que llegó la concesión de la discográfica.

"Alzheimer" (DRO, 1994) es un disco arriesgado, punzante, deslenguado, puñetero, un disco lleno de energía y brutales guitarreos, para muchos (también para mí) la mejor obra de la banda gallega, una buena oportunidad para disfrutar de unos temas metaleros y rejuvenecer 15 años de golpe, no se lo pierdan.

Maria del Carme Girau - País Valencià. Cançons Tradicionals

Tue, 01 May 2012 20:32:11 +0200

Con esta grabación Maria del Carme Girau homenajea a su tierra y a su cancionero popular. Del mismo modo que haría Joan Manuel Serrat al año siguiente con el lanzamiento del disco "Cançons Tradicionals" (Edigsa, 1968). Ambas grabaciones tienen un punto en común, el romance histórico "El testament d'Amèlia". Aunque entre ambas hay ligeras variaciones en la letra. Algo que refleja claramente como es el cancionero popular. Este tema también conocerá versiones de gente como Rafael Subirach o de la Companyia Eléctrica Dharma.

Maria del Carme también graba otros dos romances. Una versión corta de "El rei mariner", de temática amorosa. Y "L'hereu Riera", que trata sobre el hijo de una de las familias rurales más ricas del Empordà que va a las fiestas de San Mauricio en Caldes de Malavella. Cuando está allí le cuentan que su prometida está muy enferma y decide volver. Llegado a su cuarto reza ante la imagen del Santo Cristo que allí había. Cuenta la leyenda que Dios le escucho y curó a la chica. Como curiosidad decir que la versión que canta Maria del Carme es la catalana ya que en los cancioneros populares valencianos y baleáricos la prometida muere.

Además Maria del Carme recupera un tema que había estado en su repertorio desde sus inicios, la emotiva "Cançó de bressol". Esta nana también formará parte del cancionero de La Gossa Sorda, Obrint Pas y, en especial, de Maria del Mar Bonet, quien la cantará dentro de su "Suite valenciana" incluída en el álbum "Cavall de Foc" (Picap, 1999), dedicada especialmente a Maria del Carme Girau.

Maria del Carme Girau - Canta les Seves Cançons II

Tue, 01 May 2012 19:45:17 +0200

Un año después del lanzamiento de "Canta les Seves Cançons" (Edigsa, 1964), Maria del Carme Girau lanza su segundo trabajo con el original título de "Canta les Seves Cançons II" (Edigsa, 1965). Esta denominación era bastante común dentro del colectivo de Els Setze Jutges, ya que cantantes como Enric Bernat, Josep Maria Espinàs, Remei Margarit o Delfí Abella también lo usaron para sus lanzamientos.

En este trabajo Maria del Carme da un salto cualitativo tanto en las letras, mucho más poéticas, como en el sonido. "Que no, que sí" y "Com una boira" tienen unos toques jazzísticos bastante interesantes. En "Imsonmi" destacan sus arreglos. Mientras que "L'arbre sec" fue el tema escogido para representarla en el álbum "Audiència Pública" (Concèntric, 1966) de Els Setze Jutges.

Los Gemelos - Santiago y Julián

Tue, 01 May 2012 12:03:09 +0200

Tras muchos años de poner música a las canciones de María Dolores Pradera, Nati Mistral, Raphael y otras grandes, y menos grandes, de la canción; Los Gemelos atravesaban su momento de mayor fama. Y su madurez como músicos estaba fuera de toda duda. Por otra parte, la guitarra española atravesaba, gracias a Paco de Lucía, Manolo Sanlúcar y otros gigantes de las seis cuerdas, un tiempo dulce. Todo esto va a animarles a hacer un disco propio. Y lo van a hacer tocando sus guitarras delante de una orquesta dirigida por José Antonio Bou y con los arreglos del maestro del saxofón, Pedro Iturralde.

El resultado es un lujoso álbum instrumental en el que Santi y Julián han querido poner sus nombres al disco. Una música con coherencia interna. Pero que repasa diversos estilos, adaptándolos a sus guitarras y a una orquesta bien conducida y con muchos elementos.

Cuando uno escucha la primera pista: "El pegao", una composición instrumental de José Feliciano, tiene la sospecha que es una adaptación de la música sudamericana que ellos interpretaban con María Dolores. Nada más lejos de lo real, pues ahí acaban casi todas las referencias a ese continente.

"Cielo azul" y "Veleta" son dos temas de Pedro Iturralde en el que Los Gemelos se mueven con soltura en el funky y flirtean con la música disco. Me gusta sobre todo la primera de ellas, una pieza de elegante comercialidad en la que las guitarras españolas se integran bien a un acompañamiento que roza el sonido Filadelfia.

Otro nombre clave de la música española, Juan Carlos Calderón, escribe para ellos "Diligencia". Que hubiese servido para adornar un western de postín, aunque aquí la adecuación de las guitarras y la orquesta queda un poco en entredicho en algún pasaje. También los arreglos caen un tanto en el tópico.

La cara B se abre con dos gases clásicos. El primero es un juego musical basado en aires de Johann Sebastian Bach con batería y bajo chunda chunda a piñón, y con la sección de cuerda contestando con contundencia los arabescos de Santiago y Julián. Puro sinfonismo. El segundo de los temas clásicos es una visión particular del célebre "Adagio" de Albinoni.

"Blue angel" es un puro juguete rococó al servicio del lucimiento de los intérpretes. Un cierto regusto al más castizo Bocherini en esta pieza de fuerte carga orquestal, pero en la que permanece el perfume popular. Con "Santiago del Estero" vuelven a recordarnos que se desenvuelven como nadie en los ritmos sudamericanos, en esta ocasión con un particular tiempo de tango.

Un LP, en fin, que evidencia algo que ya todos sabíamos. Que Santiago y Julián han sido dos excelentes guitarristas. De lo mejor de nuestra música, a pesar de haber sacrificado su carrera al acompañamiento de otros.

Fasenuova - A la Quinta Hoguera

Mon, 30 Apr 2012 20:35:57 +0200

Fasenuova es una formación al margen de modas y tendencias que bebe de Throbbing Gristle y Esplendor Geométrico y declara que realmente hace rock and roll. Lo suyo es el ruido eufórico, el sonido industrial facturado con sintetizadores y moduladores fusionado con el rock más primitivo.

Estamos ante un trabajo más accesible y menos experimental que el primigenio split compartido con los americanos Angel Dust: "Angel Dust / Fasenuova Split" (Ozonokids, 2007). La voz de Ernesto Avelino sigue sonando con fuerza y severidad, pero menos cruda y violenta, y los ritmos industriales mantienen su esencia pero pierden agresividad.

"Rojo y ne" consigue que profundicemos en su sonido, ritmos hipnóticos que penetran hasta los más profundo de nuestro cerebro. Es esa puerta de entrada que aparece reflejada en la misma portada.

"Vamos a bailar la noche" aumenta nuestras pulsaciones, una celebración oscura a base de ritmos opresivos, latigazos eléctricos y riffs de sinte primitivo. Fasenuova recogen el testigo de formaciones como Suicide y Cabaret Voltaire para defender una propuesta muy personal realmente efectiva.

El corte homónimo, "A la quinta hoguera", suena majestuoso con esos sintes combatiendo contra las luces y las sombras; "Cachito turulo" por su parte, es un corte experimental e infeccioso en un entorno castigado.

Debemos destacar "Yo te imito", armado a base de una letra surrealista -"Baila conmigo yo te imito / Y a Cana Sei y a Cana Sera"-, dark ambient, rock cósmico y riffs primitivos.

Cierra "Cuando venga el halcón", poesía negra -"Cerca del monte hay un río que crece en el cielo / y en la montaña caliente / que nace en el fuego / montes negros devoran el cielo"- y un ritmo pesado y lento que termina creando una atmósfera densa y asfixiante en la que Ernesto reza su plegaria.

Los 4 de la Torre - Los 4 de la Torre

Mon, 23 Apr 2012 12:40:46 +0200

El tirón comercial del sencillo "Mamita / Española, Abanícame" (Belter, 1965) provocó la edición de un LP que ponía de manifiesto la confianza que el grupo merecía a Belter, ya que en esos años el formato grande estaba reservado únicamente a artistas muy consolidados, ya que su precio era prohibitivo para los bolsillos jóvenes.

Y las dos citadas canciones son las más conocidas y seguramente las peores de este buen long play con el que Los 4 de la Torre evidenciaban moverse de maravilla en los tiempos medios (ni muy rápidos como el rock and roll más frenético, ni muy lentos como la balada más lánguida).

Un puñado de versiones de variada procedencia pasadas por el tamiz de los tres + uno hermanos de la Torre.

Por sus efectos de sonido, su temática extraterrestre y su interpretación no hay que dejar de lado ese "Cleo y el marcianito" una delicia entre el surf y la sicodelia. Al año siguiente, sería incluida en la BSO de "El Mago de los Sueños" (Francisco Macián, 1966), una de los primeros largometrajes españoles de dibujos animados, protagonizados por la Familia Telerín y producida en los Estudios Moro.

Otro tema importante es "Sigue, sigue", un original de Del Shannon al que Los 4 de la Torre le dan una vidilla propia y una cierta contundencia que la convierten en otra de esas excepcionales piezas sesenteras.

Una de las canciones italianas más famosas del momento fue "A la buena de Dios", que conoció muy diversas grabaciones de un abanico que va desde Conchita Bautista a Los Salvajes, pasando por el Dúo Dinámico, Betina y Los Tamara. Pues oídas media docena de versiones, quizá ésta adaptación plenamente pop de gran sencillez puede que sea la más conseguida.

Otros títulos bien interesantes son "La fuga", "Siluetas" o "Brindo", esta última canción una de las primeras composiciones de Mochi.

Uno de esos LP en los que un conjunto pachanguero tira de fondo de armario y demuestra que puede hacer un pop más o menos brillante a poco que la política de ramplonería de su sello discográfico se lo permitiese.

Subterranean Kids - Hasta El Final

Wed, 18 Apr 2012 11:39:10 +0200

Primer disco de Subterranean Kids fuera de la estricta autoedición que habían ejercido tanto en la maqueta "Subterranean Hardcore" (Patizambo, 1985) y el LP "Los Ojos de la Víctima" (Patizambo, 1989).

Con portada en la línea de su trabajo anterior, confeccionada a partir de composiciones artísticas en las que aparecen rasgos de la cara, bien rostros u ojos en este caso, mirando al espectador. Los créditos mencionan a Segio Oca y Jordi Llansamá en los capítulos de diseño.

Grabado en los estudios Sonomanía de L'Hospitalet de Llobregat, Boliche contaba haber pasado por un pequeño infierno en las sesiones correspondientes. Los estudios comenzaban entonces a funcionar y el grupo tuvo que trabajar entre una jungla de cables y sufrir pérdidas de pistas ya grabadas. La edición corrió a cargo de Raúl Nuñez, de La Isla de la Tortuga.

Auténtico ejercicio de muestra de las facetas en las que se puede facturar el punk-hardcore: Recorre los aires casi de metal cuando frena y de speed demoledor al dispararse en "Hasta el final" situada como arranque de la segunda cara; muestra estiramientos gomosos y devaneos de bajo-batería de funky en "Tú no eres nadie"; enseña contundencia amenazante en "Amigo"; trabaja punk-rock clásico en "En este lugar".

Disco preñado de temas indispensables, no ya en el repertorio de Subterranean Kids, sino en el de una década, resulta difícil deshacerse de alguno. A los mencionados antes resultaría imperdonable no mencionar "Sentirme libre", el canto a la independencia personal cueste lo que cueste, "La rabia" que me parece una canción redonda o "Ciudadano ejemplar", el torpedo a la línea de flotación de la sociedad bienpensante.

Con este último tema acaba la primera cara, una de las más intensas y agotadoras que te puedes echar encima. Y es que en general no hay respiro, tan sólo cabe agarrarse a la estructura quizás más clásica, sin apenas interrupciones o cambios de ritmo de la ya mencionada "La rabia" porque "Has llenado ese vacío" o "No puedo perdonarte" son hachazos de fuerza y velocidad como sólo los concebían bandas como IV Reich o R.I.P.

Algunas ráfagas del comienzo de "Los hijos del miedo" me recuerdan al "Living on dreams" de Vice Squad. Como marcan los cánones del género, en escasos 2:22 minutos a la canción le da tiempo a revolverse de muy diferentes maneras, coexistiendo todas ellas en una línea rítmica de velocidad.

A mi juicio el mejor disco de Subterranean Kids. Un disco imprescindible.

Enrique y Ana - BSO Las Aventuras de Enrique y Ana

Mon, 16 Apr 2012 17:22:24 +0200

En 1981 Enrique y Ana atacan con toda la artillería: película y disco. Con ambas alcanzarían el punto más alto de su popularidad y volverían a vender en torno al medio millón de ejemplares entre vinilos y casetes.

Con el equipo de trabajo habitual, que era tanto como decir lo mejor que tenía Hispavox en esos momentos -es decir, con Honorio Herrero y Luis Gómez-Escolar en la producción y Rafael Trabuchelli en los arreglos-, se aprestan a poner música a una película rodada a mayor gloria de la pareja. La cinta -y el consiguiente disco- se titularía "Las Aventuras de Enrique y Ana" (1981), que sería dirigida por Tito Fernández.

El argumento es cualquier cosa. Los dos protagonistas son hermanos y están en el mismo colegio. Enrique como profe de Educación Física y Ana, alumna. él es despedido por montar coreografías musicales innovadoras. Ambos se fugan y se refugian en un castillo, donde conocerán al conjunto Los Coconuts que les acompañarán en sus aventuras y canciones. Ganan un concurso musical mientras un explorador busca una rara gema en el castillo. El triunfo lo consiguen cantando el número fuerte del film: "Superdisco chino"por delante del delirante grupo Los Punkitos que cantan en el evento su "Caca, culo, pedo, pis". Se incluyen dos canciones emblemáticas del dúo. Su inicial "Gallina co co ua ua" y la famosa "Mi amigo Félix". También traía juguete: una varilla y un plato que debía girar en su punta sin caerse, pero que se caía siempre, llamado disco chino.

Si tengo que quedarme con alguno de los temas nuevos que aportaba la banda sonora, me quedo sin dudar con "Haz ruido"; un tema que, si lo coge un conjunto punk, revienta la noche... Aún estamos a tiempo de asistir a alguna versión.

En las antípodas del anterior tenemos el tierno "Abuelito", una suerte de homenaje a la persona que debía pagar las entradas del cine de los nietos. También queda bien ese didáctico "Baile olímpico" en la que el profesor Enrique guía a los deportistas bailarines. Me recuerda a aquellos bailes de los 60, que cada temporada se estrenaban y en el que el cantante dictaba a los bailarines los movimientos a ejecutar.

Un buen disco para chavales con arreglos muy buenos y algunas canciones ciertamente memorables. Todavía hoy el "Superdisco chino" ha sido repescado para un anuncio. Algo tendrá el agua cuando es bendecida... por la publicidad.