lafonoteca.net: Últimos discos de música española

Cró! - ONKALO

Mon, 17 Jun 2013 17:34:46 +0200

La continuación del interesante "Cró!" (Cró!, 2009) llega con mucha fuerza. Escuchar el tema inicial "Klaus" es acordarse de King Crimson en primera instancia pero como Cró! no siguen un camino único y lineal, enseguida entran en juego líneas jazzísticas -percusión- y guitarras intensas. En "Mnemosyne" siguen senderos post rock manteniendo su esencia y apostando por los tintes atmosféricos.

Cró! manejan de forma sobresaliente la técnica, también la armonía y el ritmo (y sus cambios), lo que hace que el resultado de su segundo LP sea un conjunto soberbio marcado por las ambientaciones oscuras (pero más luminosas que en su debut), oníricas y la sorpresa.

Los de Vigo nos presentan bandas sonoras imaginarias -"Tangram"-, acercamientos certeros a King Crimson -"Lagrunch"-, al rock progresivo -"Petrol"- y a ensoñaciones art rock con guiños a Futurama -"Hipnosapo"-. El crecimiento y la madurez de la banda quedan patentes en cada corte.

Debemos destacar "Gravitsap", un corte sobresaliente, evocador, lleno de capas, texturas, emoción, intensidad y crescendos redentores. Cierra la delicada "Going home", con unas líneas vocales inmensas.

Un disco altamente recomendable, de princpio a fin.

Cró! - Cró!

Mon, 17 Jun 2013 17:06:57 +0200

Tras una primera maqueta de doscientos ejemplares y hecha a mano, Cró! continúan improvisando y componiendo hasta que dan forma a su primer LP. Un disco autoproducido y grabado en directo que cuenta con el exquisito diseño sobre cartón de Alberto Larrañaga.

Doce composiciones de rock oscuro y progresivo con tintes jazzísticos en las que como en la inicial "XIXPA" Cró! tejen atmósferas enrarezidas, profundamente ambientales, cargadas de sobresaltos y descargas eléctricas.

Desarrollan medios tiempos como "Asurbanipal" cercanos al lamento, al llanto eléctrico con pequeñas deflagraciones y voces viscerales cargadas de rabia. "Casio" trae la dulzura, se trata de un medio tiempo que va ganando fuerza e intensidad conforme avanza su ejecución. Esquemas similares presenta "Senka".

"D hecho s" es uno de los cortes mejor elaborados y más luminosos del lote. Con tintes de jam session jazzística el ambiente se va caldeando con guitarras afiladas que traen la electricidad y la cadencia progresiva.

La tormenta descarga en "Bow", percusiones hostiles y guitarras afiladas que traen la lluvia, el agua y el viento... la oscuridad. En clave de improvisación con aroma a jam tenemos que citar "Radón". "0 Kelvin" trae la calma, se trata de un medio tiempo pausado que se solapa con "Cronopedia" -esta presenta un final tumultuoso-. Cierra "Soundarcade" con voz en off y narración intensa.

Un interesante trabajo que tiene su continuación con "ONKALO" (Cró!, 2012).

Falcons - Falcons

Sat, 15 Jun 2013 20:10:00 +0200

Los mandamases de la discográfica Philips olieron enseguida el triunfo de "Terciopelo y Fuego" (Philips, 1978) y se aprestaron a editar un LP destinado al siguiente año para extender los réditos comerciales.

El crítico musical de ABC, Mariano Méndez Vigo, escribió entonces: "Terciopelo y fuego, su obra clave, un irresistible tema de amor tratado sin tópicos y con el aroma mediterráneo de las costas mallorquinas. La profecía, ritmo más fuerte de herencias rock con un destacable solo de guitarra y unos casi mágicos efectos corales..." Y así seguía desgranando una a una las diez canciones del LP.

Barroquismo sonoro heredero del rock sinfónico, alardes instrumentales que suenan a falsa facilidad en los punteos, y teclas y baladas excelentemente trabajadas en las voces concretadas en temas relativamente parecidos entre sí: "Tiempo" y "Quiero ser tu amigo", que definen lo que podríamos denominar Sonido Falcons. Delicias acústicas que arrullan al oyente, caso de "Di por qué", magistralmente cantada por Damiá con un acompañamiento y unos coros a su medida que envuelven sin estorbar.

Pero una canción en la que realmente hay que detenerse es la enorme "Rojo y azul", un alegato pacifista que avisa de los peligros de un enfrentamiento mundial, llamando a las cosas por su nombre: "hoz y martillo, barras y estrellas, tirano rojo, tirano azul". Un alegato que no se queda en mera letra, sino que plantea una pieza preciosista con un escalofriante solo de guitarra y un brutal cambio de ritmo para dar entrada a unos teclados bélicos que mancillan la suave melodía, convirtiéndola en una agonía descriptiva finalizada en un estallido sin esperanza y esa frase preocupante que remata todas las estrofas: "...yo no quiero estar".

Podemos levantar el brazo del tocadiscos y dejarlo caer al albur. Seguro que lo que escuchas es interesante. Rock de trama gruesa para "Dance rock and roll", cantada en inglés y que tanto me recuerda a Status Quo. Toda una banda sonando como una renovada caja de música en "Princesa del amor" con un trabajo primoroso de estudio de grabación y así podríamos seguir derramando elogios sobre este disco.

Un long play que puso el listón a una altura tal que, no es que no lo superaran, es que ni se acercaron lo más mínimo en sus siguientes producciones, marcando el triunfo y el fracaso de la carrera de Falcons y por que hoy es considerado un grupo de una sola canción.

Falcons - Terciopelo y Fuego

Sat, 15 Jun 2013 20:04:38 +0200

Desde Módulos ningún grupo primerizo se la había jugado con una balada y... había ganado. Para eso hay que ser atrevido y contar con una de esas canciones tremendas. La voz de Damiá borda una canción atemporal cargada de sensibilidad envuelta en una sinfonía de teclados y ritmo en segundo plano que subrayan y acompañan con manos de terciopelo el fuego encendido por una letra romántica, pero no cursi. Un solo de guitarra filtrada y un hábil manejo de la mesa de sonido con los ecos y la ecualización en su punto hacen el resto para construir una de las mejores canciones de la década. No es de extrañar que, a pesar de no ser promocionada de forma masiva, en principio, este single trepara hasta el número uno de ventas en la última semana de 1978 y a caballo entre el 78 y el 79 ocupase por cinco semanas la codiciada cabecera de Los 40 Principales.

La cara B viene ocupada por una pieza seminstrumental en la que la voz es un mero apoyo gutural a un ritmo hipnótico de corte más o menos funky sobre el que navegan, durante cinco largos minutos de manera fugaz y caprichosa, los teclados, entonces, de última generación. No está entre lo mejor del álbum "Falcons" (Philips, 1978), pero supone un contrapeso respecto a la magistral cara A.

Yolanda - La Catedral de Winchester / La Salud / Dame Pan / Ahora o Jamás

Sun, 09 Jun 2013 13:14:39 +0200

"Chisstt...canta Yolanda la voz que acaricia". Este comentario aparece en la contraportada del primer EP de Yolanda. Un disco poco conocido, pero muy representativo de ese pop más comercial y menos exigente que aquí llamamos ye-yé. Tres versiones de temas foráneos y una pieza española inédita caracterizada por su ritmo movido y el estribillo ocurrente.

Un largo preludio instrumental introduce la voz de Yolanda en "La catedral de Winchester", con la que el grupo fantasma New Vaudeville Band había sido número uno en Reino Unido y en toda Europa. Ambiente belle epoque bien conseguido por la orquestación y una voz correcta que ni aporta ni desmerece demasiado a otras versiones españolas del asunto: Los Catinos, Francisco Heredero, Los Mustang, Los Stop, etc.

Deliciosa esa "La salud", una composición del siempre irreverente Serge Gainsbourg con un aroma de lo más francés captado por la cantante que hace una buena interpretación. La letra con rimas como: "Procurar la línea conservar. Por la mañana al despertar, un zumo de limón después seguir la prescripción del doctor Marañón..."

Tampoco tiene desperdicio el estribillo "dame pan y dime tonta, pero dame pan, corazón, dame pan". Esto, que hoy bien podría considerarse el grito desesperado que una trabajadora en paro lanza al gobierno, es el estribillo de "Dame pan", un tema que el director musical de Victoria compuso para Yolanda. La canción hizo gracia y fue radiada con cierta asiduidad, arropada por un ritmo bailable y pachanguero.

La pieza lenta del cuarteto viene encomendada a "Ahora o jamás", una canción de origen italiano con la que la debutante Yolanda configura un excelente EP dentro de los parámetros del ye-yé nacional.

Cuerpos y Almas - Rosalía

Sat, 25 May 2013 23:44:35 +0200

Cuerpos y Almas regresan a principios de 1975 para manufacturar su disco más vendido y popular. Dos caras bien diferenciadas. Una es para el gran público, en las propias palabras del dúo, que recuerda a las pachangas de Fórmula V con ritmo saltarín, estribillo facilón y esos apuntes de teclado asilvestrado que tanto se llevaban entonces. Una canción feliz, a pesar de las prisas de la protagonista por pasar por la vicaría.

La cara B cambia totalmente la decoración. Una historia cantada envuelta en un suave rumor de guitarras. Una pieza folk con todas las de la ley, demostrando que la música folclórica no es algo añejo, sino que se construye día a día. Las voces de ármando y álvaro han tomado un poso de veteranía que les ha sentado muy bien.

La producción esta vez fue de Rafael Pérez Botija, que comenzaba su carrera en este aspecto tras su paso por La Compañía, uno de los grupos estrella de CBS España.

En suma un disco muy pensado que funcionó bien. Vino acompañado por una larga aparición televisiva con interpretación de ambas piezas y entrevista incluida que supuso una promoción gratificante para un dúo que había estado en dique seco cerca de dos años.

Cuerpos y Almas - Katy, ¿Dónde Estará?

Sat, 25 May 2013 23:34:08 +0200

Se ha definido -yo mismo lo he hecho también- a Cuerpos y Almas como un dúo de folk rock, pero siendo rijosos éste sería su único disco en dicho estilo. Guitarras acústicas, empaste vocal perfecto, percusiones de bongos, apuntes de flauta, alguna onomatopeya y ese rodar a media velocidad tan propio del americano estilo.

Influencias palpables de Crosby Stills y compañía en "Katy, ¿dónde estará?" que nos recuerda en su concepción a Tílburi, pero con unos arreglos más cuidados y mayores concesiones a una comercialidad bien entendida. Una de las mejores canciones y también de las más olvidadas de esta pareja, que componía prácticamente todo su material, pero que rara vez escribió para otras voces que no fueran las suyas.

En la cara B otro retazo de terciopelo folk con guitarras sencillas y voces entonadas para un buen tema lento de suavidad rota a veces por estruendos instrumentales.

Una joya por descubrir este segundo y olvidado single de Cuerpos y Almas. Las escasas ventas seguramente, y por desgracia, obligaron a un cambio de estrategia que fue apartando a Armando y álvaro de la música que realmente les gustaba hacer.

Templeton - El Murmullo

Sat, 25 May 2013 19:58:38 +0200

Tres años después de "Exposición Universal" (Subterfuge / Arindelle, 2009) llega el segundo LP de Templeton. Un disco grabado en el estudio de Paco Loco en El Puerto de Santamaría (Cádiz) en abril de 2011 con Hans Krüger (Delorean). De la masterización se encarga Mario G. Albeni en Kadifornia Mastering y en su grabación colaboran Belén Lucena (violín), Llibertat Aguilar (chelo), Angela Solís (viola), David Guillén (trompeta), Antonio Torres (saxo) y el propio Paco Loco (guitarras y percusión).

El grupo muestra una mayor madurez, el tiempo no pasa en balde, y cocina un disco cargado de matices a fuego lento, con mimo y dedicación; cuidando letras, voces, arreglos e interpretaciones. Lo suyo es revitalizar lo clásico tirando de personalidad.

Abren con "Miércoles capítulo" -"haz que ocurra algo, por favor, no quiero ser un ciervo en el salón"- en un crescendo cargado de intensidad con guitarras fluidas y sintetizadores.

En "Miedo de verdad y en condiciones" afrontan con sinceridad el amor y sus circunstancias -"Esta es nuestra herencia, un romance ansioso por sufrir"-. Un corte pop con cadencia clásica, Los Brincos no están tan lejos.

Cantan al miedo a la muerte, a la conciencia de mortalidad -"El cazador"-; a los encuentros y desencuentros con desnudez y guitarras acústicas -"Mar Cantábrico" y a los enamoramientos espontáneos -"Los días"-. Esta última es una de las grandes canciones del disco, pop 60"s con brillantes arreglos de cuerda y una acertada interpretación vocal. También presentan cortes con cadencia psicodélica -"Entre los sicomoros"- y otros con tintes pastorales y cadencia americana -"El caminante"-.

Los Flechazos - La Chica de Mel

Sat, 25 May 2013 03:57:15 +0200

Fue sin duda "En el Club" (DRO, 1989) uno de los discos más aprovechados por Los Flechazos. Hasta tres sencillos desgranaron con canciones suyas. En el caso que nos ocupa, creo que el disco sirve para resaltar dos pequeñas maravillas del LP y quizás del repertorio de los leoneses.

Para la cara A un auténtico homenaje a las modelos, a las pin-up girls de calendario y publicidad varia. A las musas de todo un movimiento, desde referencia ante las cámaras de fotografía, como en la película "Blow Up" (1966) de Michelangelo Antonioni o de las fotografías de aquel "Pictures of Lily" de The Who. A la del dibujo de la portada a lomos de aquel animal -un hipopótamo- es a la que se refieren ellos. Un himno beat.

Y ya que nos hemos lanzado a la comparación con los ingleses, he de decir que las psicodelias de "Arco iris" siempre me recordaron a mucho del espíritu de "Won't get fooled again". Empieza igual de combativo, y cuando se carga de épica con la distorsión y con percusión insuperable, en vez de aeroplanos encarando el arco iris en el cielo, me imagino al protagonista de "Quadrophenia" (1979) de Franc Roddam justo antes de lanzar desquiciado, roto, su moto por el acantilado de las afueras de Brighton. Simples desvaríos, quizás, pero es uno de los temas más intensos de Los Flechazos.

Los Flechazos - La Reina del Muelle

Wed, 22 May 2013 21:24:24 +0200

De "En el Club" (DRO, 1989) salieron tres sencillos. Además de "Quiero Regresar" (DRO, 1989) y "La Chica de Mel" (DRO, 1990), este disco posibilitó presentar de forma separada "La reina del muelle" y "Basta ya".

Precisamente para ambientar la primera de ellas, el grupo se dejó fotografiar junto a un muelle para la portada. Recogen en esta entrega todos los parámetros con los que se elaboró la frescura y energía del LP: órgano endiablado, coros siempre participativos y sentimiento casi de sesión de blues de alambique en los arranques de álex... Componen con "La reina de muelle" una auténtica épica de la mujer de rompe y rasga, dueña y señora de los bajos fondos, de los tugurios y oscuros cafés donde ella canta y la gente se pinta de carbón para la cara para cambiar de color.

Pero a pesar de la innegable pegada de la primera cara, yo me quedo con el corte de la segunda. Tiene de todo; son muchos temas juntos a la vez. Uno es el que lleva el órgano de Elena de la mano y discurre sinuoso, electrizante, en la que es a mi juicio, uno de los mejores momentos de todo el legado de Los Flechazos. Sin embargo para de golpe, se detiene la música y al desgarro de álex sólo acompañan jaleando unos coros de pandilla. Niños blancos haciendo de negros de barriada complicada quizás. Como aquello del "I am black and I am proud" que contaban en "The Commitments" (1991) de Alan Parker.

De los sencillos de tener en casa obligtoriamente.

La Bien Querida - Arenas Movedizas

Tue, 21 May 2013 11:50:05 +0200

Single digital que contiene el corte homónimo "Arenas movedizas", adelanto de su tercer álbum, "Ceremonia" (Elefant, 2012).

En él ya se divisa el cambio sonoro que dará La Bien Querida a su música, hasta entonces más orientado al indie pop, para adentrarse en terrenos más krautrock. "Arenas movedizas", tema que abre el mencionado LP, es un hit irresistible, un tema redondo que raya la perfección.

Entonces, ¿por qué no consigue la máxima puntuación? Porque la verdad es que no soy muy fan de este tipo de artefactos. Será el signo de los tiempos, como cantaba Prince, pero, aunque sea un single de adelanto, incluir un único tema me parece un poco pobre.

Los Flechazos - Surf de la Botella

Sun, 19 May 2013 23:35:13 +0200

Sencillo que acompañó al LP de debut "Viviendo en la Era Pop" (DRO, 1988), de Los Flechazos. Portada con foto de grupo en su formato de quinteto y contra para la letra de "Surf de la botella", el primer tema que contenía.

Aunque no fueran las ambientaciones que más trabajaran los de León, con "Surf de la botella" se adentran en cuestiones marinas de manera bien inteligente. Y es que, más que evocaciones de arena y playa, aquí a lo que juegan es alcohólicas y de barra de bar. Caída en la botella de la que sólo se puede salir bebiendo el whisky en siete tragos.

"Callejear" es una cara B enorme. Engalanada y enardecida por sección de viento, derrocha las ganas y frenesí por la llegada del fin de semana, de hacerse con la calle y salir, de la generación pop, de la aristocracia mod. Poderoso ritmo y, como ya ocurriera en la cara A, coros fundamentales.

Dos canciones que son pura energía, como el momento del grupo.

Gato Pérez - Gato x Gato

Thu, 09 May 2013 11:22:08 +0200

Tras el desencanto de "Ke Imbenten Eyos" (EMI, 1984), Gato Pérez debutó con la discográfica independiente Picap con "Gato x Gato" (Picap, 1986), un disco en el que recupera su pulso creativo y cosecha algunas de las mejores letras de su repertorio, además de tomar el mando de la producción.

"Gato x Gato", con ritmos accesibles (como es habitual), tiene un fondo reflexivo sobre la vida y habla del pasado y los errores, de cómo preservar la libertad y salir adelante.

"Barca, cielo y ola", que abre el álbum, nace de descomponer el nombre de Barcelona, a quien homenajea la canción. La obtención de la organización de los Juegos Olímpicos de 1992 había hecho que se desatara mucha ilusión en la Ciudad Condal, cuya fama de ciudad cosmopolita y acogedora estaba en descenso. Pero "yo siempre la he visto igual, / como una estrella lejana que huye de la frivolidad", cantaba el Gato.

"Lo que me da la gana" es un divertido (y posiblemente más franco que irónico) autorretrato, sacando tal vez los símiles de una visita al zoológico: "soy pobre como una rata / pero disfruto como un camello / trabajo como un caballo / cuando me pongo serio".

Con un tono pesimista, "Día D, hora H" reflexiona sobre el paso del tiempo y las oportunidades perdidas, al igual que la desengañada "Se acabó el pastel", que sin compasión certifica que "se acabó el champán, / solo ves gente aburrida, / con ganas de abandonar. No esperes en seguida / una nueva oportunidad / el amor llama a la puerta / una vez y nada más". Entre estas dos canciones, "Como un gato" rebaja la tensión y hace un canto a la bohemia: "cuando está en juego su libertad no hay trato".

El vitalista "Cha cha cha de la locura" pone de manifiesto que "cada día una experiencia nueva / es la mejor terapia para sobrevivir". Hay que apuntarse a un bombardeo, canta el Gato, para acercarse a la felicidad.

"Un amor en cada bar", que se incluyó en la BSO de la película de Ventura Pons "La Rubia del Bar" (Picap, 1986), retoma un tono nostálgico y hace un duro autorretrato del artista: "soy un cobarde / un mal negocio incluso para mí".

"El crac" se burla de las inversiones millonarias del fútbol y de las figuras que se venden al mejor postor. "El primo Vicente", que una vez más recuerda a Rubén Blades, describe a un personaje que encuentra "la luz" en la religión, y cambia la noche y las percusiones por la oración.

"Clásicos del 79", pieza repleta de nostalgia sobre los comienzos, cierra un disco que, en conjunto, era posiblemente el mejor del Gato desde "Prohibido Maltratar a los Gatos" (EMI, 1982). Al calor del sello Picap y de la independencia parecía encontrar de nuevo el camino.

Gato Pérez - Prohibido Maltratar a los Gatos

Thu, 09 May 2013 10:44:46 +0200

Tras el éxito de "Atalaya" (EMI, 1981), Gato Pérez vivía una excelente época a nivel artístico que, sin embargo, fue más convulsa a nivel personal. En febrero de 1981 sufrió un infarto y durante varias horas corrió el rumor de que había muerto. "Prohibido Maltratar a los Gatos" (EMI, 1982) hace referencia al percance en el título, y fue grabado "bajo los efectos del agua mineral sin gas". No en vano, es un disco más nostálgico que su antecesor.

El teclista Agustí Fernández firma de nuevo los arreglos. Josep María Bardagí se ocupa de la guitarra, Jordi Clúa del bajo, Ricardo Hochberger de la batería y la percusión y Paco Gijón del laúd y la mandolina.

"Santa María", canción popular de Puerto Rico, parece participar de ese desconcierto vital: "Líbranos de todo mal". "Granito de sal" es un delicioso homenaje a la primera rumbera, una artista de variedades que trajo la rumba al Paralelo barcelonés.

"La Rumba de aquí" tiene pegada y hace referencia a la entereza humana y a la necesidad de superar el dolor: "La rumba de aquí / que solo la bailen / los que juegan y pierden / antes de entregarse. / La rumba de aquí / que solo la canten / los que se levantan / después de arrastrarse". "Vuelve el virus" hace referencia, cómo no, al amor.

"Encuentro cercano" es una curiosidad que cuenta -historia real- el avistamiento de un OVNI. "Vino del sol" es una otra buena canción.

La maravillosa "Todo sexo femenino" es autobiográfica. Habla del crecimiento de Xavier, niño mimado rodeado de mujeres, con las que, dice, "aprendí a conspirar". Luce el violín de Pere Bardagí y Jaume Sisa participa en los coros.

El pasodoble con aires de cha cha cha "Quisiera ser poeta, quisiera ser un cometa" expresa el deseo de "empezar de nuevo y abandonarlo todo". Recuerda que "amarse a uno también es importante". "Tic tac", escrita antes del susto del infarto, habla de "esas noches en las que la luna invita a bailar al sol".

La habanera "La luna en el mar" también habla de escapar. Narra la historia -real- de una pareja que para celebrar la Nochevieja de 1980 embarcó en un pequeño bote y no regresó jamás. Gijón eleva la canción con las cuerdas. "Los favoritos" muestra un desencanto absoluto con los artistas preferidos por el público por su apariencia de éxito más que por su calidad: "Siempre jóvenes y ricos".

"Sin ser valiente" pone un fin más agrio que dulce al álbum recordando que sin apostar "no hay futuro ni esperanza".

Gato Pérez - Atalaya

Thu, 09 May 2013 01:58:11 +0200

Gato Pérez pasó el año 1980, en sus palabras, "hueco y lleno de incertidumbre", componiendo las canciones que formarían "Atalaya" (EMI, 1981). Que la habitual autoexigencia del músico no nos lleve al engaño: al menos en lo musical, la añada fue fantástica y de ello resultó un disco (otro más) extraordinario. Además, como curiosidad, en ese 1980 el músico argentino-catalán pudo telonear a Bob Marley, nada menos.

Ricardo Miralles, habitual arreglista de Joan Manuel Serrat, se encargó en principio de la producción de "Atalaya" -que iba a llamarse "Lux de Roca" en parodia a una revista musical-, aunque finalmente tomó las riendas Agustí Fernández, teclista con tumbao, tras un primer resultado demasiado melódico.

No hace falta esperar mucho para descubrirlo: todo empieza con "Gitanitos y morenos", juramento de veneración a la música mestiza (y no académica) y definición soberbia de un poeta. Una canción de las que hacen mejor la existencia. Gato la compuso junto a Paco Gijón en torno a una anécdota con el músico cubano Mayito Fernández, que asociaba la melanina y el talento: "Pintor que pintas con amor, por qué desprecias mi color / si tú sabes que en el fondo yo también tengo sabor / puede ser que te equivoques con tu pincel extranjero / pues también sienten el ritmo todos los blanquitos buenos".

El rock rumbero "El chocolate de Marcelino" es un canto a la juerga y la marihuana, mientras que "El perro" es un clásico de los años 20 del país natal del Gato, Argentina, que hace una reverencia al mejor amigo del hombre. Fue escrita por Claudio Allende y popularizada por Agustín Magaldi. La irónica "La diputada" parece participar del desencanto de los primeros años de democracia: Franco había muerto y la ilusión por el inicio de un nuevo régimen político no servía para acabar con todos los problemas. Una crítica a los políticos que hablan la retórica "de un mundo distante que nunca llega a la calle".

"Ebrios de soledad", canción dedicada a Carles Flavià -un sacerdote implicado con la inserción social de jóvenes delincuentes-, es uno de los disparos más certeros del Gato durante su carrera, un lamento contra la suerte y a la vez un guiño a la amistad y la vida nocturna, sobre todo a la que se vivía en la sala Zeleste barcelonesa. "Rumba twist" pone rock & roll al potaje.

La caliente y caribeña "Tiene tumbao" medita sobre la música y su nacimiento -"esta canción no existe, / nunca la escribió nadie, / yo la atrapé en un aire transparente de emoción"-. Una reflexión que retomaría el Gato más adelante en "Ahí queda la canción". Mientras, "La orquesta de plata y oro" es una ofrenda a la Orquesta Platería, "portadores de nostalgia y entusiasmo natural". "Garrotín del tránsito" habla de lo efímero y lamenta la pérdida.

"Se fuerza la máquina" es otra maravilla mestiza de estribillo ganador en la que el autor advierte de los riesgos de la bohemia y de la vida del artista, no solo para el físico, sino también para el espíritu. "Es la rumba y es el tango, son el jazz y el rock'n'roll: / un volcán de sentimientos por donde habla el corazón; / así se gasta adrenalina y se bebe mucho alcohol / para afinar las emociones y acordarse del dolor".

"Atalaya", una pieza melancólica que reflexiona sobre el paso de los años y los lugares que invitan a repensar la vida de uno, como el Tibidabo, cierra de forma excelente una memorable colección de canciones. "Atalaya prodigiosa desde la que puedo ver / los momentos olvidados que me han hecho como soy / ya que tu aire me alimenta debo de reconocer / que cuando estoy más perdido me devuelves a mi ser".

Y con "Atalaya" llegó por fin el justo reconocimiento popular. El disco vendió veinticinco mil copias, se distribuyó en España y en Latinoamérica, y el Gato Pérez parecía afianzar con él su camino de una vez por todas.